Александр Рудин, Musica Viva

Дмитрий Шишкин

Дмитрий Шишкин родился в 1992 году в Челябинске. В трехлетнем возрасте впервые выступил на сцене, в шесть лет сыграл с оркестром, в восемь был назван «Человеком года» в Челябинске в номинации «Юное дарование». С четырех лет обучался в челябинской Средней специальной музыкальной школе имени П.И. Чайковского, в этот период стал победителем юношеских конкурсов «Щелкунчик», имени Фридерика Шопена в Пекине и имени Марии Юдиной в Санкт-Петербурге. 

Окончил Московскую среднюю специальную музыкальную школу (колледж) имени Гнесиных (2010, класс Михаила Хохлова) и Московскую государственную консерваторию имени П.И. Чайковского (2015, класс профессора Элисо Вирсаладзе). Совершенствовал мастерство у Эпифанио Комиса в Консерватории имени Винченцо Беллини в Катании. <<cut>>

Лауреат международных конкурсов имени Ферруччо Бузони в Больцано (Италия, 2013, III премия и специальный приз за лучшее исполнение концерта Моцарта), под патронатом Бразильского банка экономического и социального развития (BNDES) в Рио-де-Жанейро (Бразилия, 2014, II премия), имени Фридерика Шопена в Варшаве (2015, VI премия), Top of the World в Тромсё (Норвегия, 2017, I премия), в Женеве (Швейцария, 2018, I премия и три специальных приза), имени П.И. Чайковского в Москве (2019, II премия). 

Гастролировал во многих странах Европы и Азии, в США и ЮАР. Играл на престижных сценах — в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени П.И. Чайковского, МКЗ «Зарядье» в Москве, Концертном зале Мариинского театра в Санкт-Петербурге, женевском Виктория-холле, венском Концертхаусе, брюссельском Центре изящных искусств Bozar, Варшавской филармонии, Токийском столичном театре и др. 

Выступал с Российским национальным оркестром, Госоркестром России имени Е.Ф. Светланова, БСО имени П.И. Чайковского, АСО Московской филармонии, ГСО Республики Татарстан и «Новая Россия», Национальным филармоническим оркестром России, МГАСО под управлением Павла Когана, Симфоническим оркестром Мариинского театра, оркестрами Государственных капелл Санкт-Петербурга и Веймара, оркестром Романдской Швейцарии, Варшавским филармоническим, Бразильским симфоническим, Национальным оркестром Бельгии и другими коллективами. 

Сотрудничал с известными дирижерами, в числе которых Валерий Гергиев, Михаил Плетнёв, Александр Рудин, Владимир Спиваков, Юрий Симонов, Владимир Федосеев, Владислав Чернушенко, Павел Коган, Марин Олсоп, Александр Сладковский, Роберту Тибириса, Арман Тигранян и другие. Принимал участие в музыкальных фестивалях в Дубровнике (Хорватия), «Шопен и его Европа» (Польша), в Бергене (Норвегия), в Брешии и Бергамо (Италия), в концерте к 85-летию Родиона Щедрина в Москве (2017) и других событиях. 

Выступления пианиста транслируются по телевидению и радио России, Италии, Швейцарии, Франции, Бельгии, Испании, Норвегии, Польши, Хорватии, Китая, Кореи, Японии. Выпустил несколько компакт-дисков; последняя запись — с сочинениями Метнера, Скрябина и Рахманинова — осуществлена в марте 2020 под лейблом La Dolce Volta. В планах музыканта — запись сольного диска на Sony Classics. 

Александр Рудин

Александр Рудин — виолончелист с мировым именем, дирижер, пианист, клавесинист, педагог, исследователь старинных партитур, автор оркестровых редакций камерных произведений и уникальных тематических циклов. 

Музыкант родился в 1960 году в Москве. В 1983 году окончил Государственный музыкально-педагогический институт (ныне Российская академия музыки) имени Гнесиных (класс виолончели Льва Евграфова, класс фортепиано Юрия Понизовкина), в 1989 — класс оперно-симфонического дирижирования Московской государственной консерватории (руководитель — Дмитрий Китаенко). <<cut>>

Лауреат международных конкурсов имени И.С. Баха в Лейпциге (1976), имени Гаспара Кассадо во Флоренции (1979), имени П.И. Чайковского в Москве (1978, 1982). Солист Московской государственной академической филармонии (1983). Художественный руководитель (с 1988) и главный дирижер Московского камерного оркестра Musica Viva. 

Получив академическое образование, Александр Рудин увлекся исторически информированным исполнительством и со временем пришел к органичному синтезу обоих направлений в исполнительском искусстве. Играет как на современной виолончели, так и на виоле да гамба, исполняет музыку романтиков, произведения эпохи барокко и раннего классицизма. Эта линия творчества привела Рудина и оркестр Musica Viva к тесному сотрудничеству с признанными мэтрами в области аутентизма, среди которых Кристофер Хогвуд, Роджер Норрингтон, Кристофер Мулдс, Андреас Штайер, Алексей Любимов и др. 

В репертуар музыканта входят произведения четырех столетий. Благодаря вниманию Рудина к забытым страницам музыкальной истории меломаны впервые услышали много неизвестных сочинений. В их числе Тема с вариациями для виолончели с оркестром Михаила Виельгорского, виолончельные концерты Антонина Крафта, Жан-Бальтазара Триклира, Иоганна Генриха Фациуса, Роберта Фолькмана, Первый виолончельный концерт Дворжака, авторские версии сочинений для виолончели с оркестром Чайковского — «Вариаций на тему рококо» и Pezzo capriccioso. 

Вместе с оркестром Musica Viva впервые в современной России Рудин исполнил произведения Сальери, Плейеля, Дюссека, Диттерсдорфа, Козловского, Пашкевича, Алябьева. Представив в столице уникальные концертные программы, маэстро зарекомендовал себя как блестящий интерпретатор оперных партитур и масштабных произведений кантатно-ораториального жанра. В частности, под его руководством состоялись российские премьеры ораторий «Торжествующая Юдифь» Вивальди, «Воскресение и Вознесение Иисуса» К. Ф.Э. Баха и авторской редакции оратории «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы» Дегтярёва. Прозвучали оратории Гайдна «Сотворение мира» и «Времена года», Симфония № 2 («Хвалебный гимн») Мендельсона, концертные версии опер «Идоменей» Моцарта и «Оберон» Вебера. В 2019 году под управлением Александра Рудина в Концертном зале имени П.И. Чайковского и Государственном театре оперы и балета Республики Коми в Сыктывкаре была представлена опера «Орфей и Эвридика» Глюка в парижской редакции с хореографическими сценами и световой партитурой. 

Значимую часть репертуара артиста составляют произведения наших современников — Валентина Сильвестрова, Вячеслава Артёмова, Родиона Щедрина, Андрея Головина, Александра Маноцкова. Он был первым исполнителем ряда сочинений для виолончели Дмитрия Кабалевского, Эдисона Денисова. 

Александр Рудин выступает со многими известными оркестрами, среди которых Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии, Российский национальный оркестр, БСО имени П.И. Чайковского, Госоркестр России имени Е.Ф. Светланова, симфонические и камерные оркестры Норвегии, Финляндии, Турции. С сезона 2020/21 Александр Рудин — главный дирижер Симфонического оркестра Саратовской филармонии. 

Как солист и дирижер Рудин участвовал в международных фестивалях Les Pianos Folies (Франция), «Безумный день» (Франция, Испания, Япония) и других. Среди партнеров музыканта по ансамблю — Элисо Вирсаладзе, Николай Луганский, Алексей Любимов, Наталия Гутман, Энтони Марвуд, дирижеры Роджер Норрингтон, Михаил Плетнёв и др. Сольные концерты музыканта проходят в Германии, Финляндии, Нидерландах, Канаде, Великобритании, Венгрии, Словении, Турции и других странах. 

В дискографии артиста — более 30 дисков. Особую известность получили его записи шести виолончельных сюит Баха (Naxos), виолончельных концертов Триклира, Мясковского, произведений Алябьева и А. Черепнина, «Григ-альбом» (камерные сочинения Эдварда Грига в оригинальной оркестровой версии Рудина), а также запись концерта из Большого зала консерватории (Третья симфония Бетховена и Виолончельный концерт Крафта). Альбом виолончельных концертов композиторов эпохи барокко (Chandos, 2016) получил восторженные отклики ведущих западноевропейских критиков. В 2019 году фирма Naxos выпустила альбом симфоний Иоганна Стамица. В 2020-м состоялся релиз записи Тройного и Скрипичного концертов Бетховена с Дмитрием Синьковским (скрипка), Алексеем Любимовым (историческое фортепиано) и Александром Рудиным (виолончель, дирижер). В 2021 году под лейблом Naxos вышел сборник произведений Шуберта, записанный на исторических инструментах, где Рудин исполнил знаменитую Сонату Шуберта на арпеджионе. 

С 1989 года Александр Рудин преподает на кафедре камерного ансамбля и квартета Московской консерватории, с 2002 года — профессор, в 2021 году возглавил кафедру виолончели и контрабаса. Дает мастер-классы по всему миру, сотрудничает с молодежными коллективами в качестве дирижера (Симфонический оркестр студентов Московской консерватории, Молодежный симфонический оркестр Екатеринбурга и др.). Неоднократно был членом жюри международных конкурсов, в том числе X, XI и XII (председатель жюри виолончелистов) Конкурса имени П.И. Чайковского. 

Удостоен почетного звания «Народный артист России» (2001) и Государственной премии Российской Федерации в области литературы и искусства (2003).

Московский камерный оркестр Musica Viva

История оркестра Musica Viva ведет отсчет с 1978 года, когда скрипач и дирижер Виктор Корначев основал ансамбль из девяти человек, недавних выпускников московских музыкальных вузов. В 1988 году коллектив, к тому моменту выросший в оркестр, возглавил дирижер и виолончелист Александр Рудин, давший ему имя Musica Viva. Под его руководством оркестр обрел уникальный творческий облик, достиг высочайшего исполнительского уровня и вошел в число ведущих в России. <<cut>>

Сегодня Musica Viva — универсальный музыкальный коллектив, свободно чувствующий себя в самых разных стилях и жанрах. Квинтэссенцией творческих проектов оркестра стал концертный цикл «Шедевры и премьеры» в Московской филармонии: в программах абонемента широко известные сочинения звучат свежо, будто исполняются впервые, а музыкальные раритеты становятся подлинными открытиями для публики. В 2011 году появился цикл «Серебряная классика»; его основу составляют произведения, которые не вошли в золотой репертуарный фонд, хотя и достойны этого. В рамках цикла проходит молодежная программа, представляющая лауреатов европейских международных конкурсов, а также ежегодные «Виолончельные ассамблеи», к участию в которых Александр Рудин приглашает своих коллег-виолончелистов. 

Значительное место в репертуаре оркестра занимают незаслуженно забытые произведения: в исполнении Musica Viva впервые в России прозвучали сочинения К. Ф.Э. Баха, Чимарозы, Диттерсдорфа, Дюссека, Плейеля, Триклира, Фолькмана, Козловского, Фомина, Виельгорского, Алябьева, Дегтярёва и многих других. Musica Viva также знакомит слушателей с лучшими страницами современной музыки: оркестр осуществил мировые и российские премьеры сочинений Артёмова, Пярта, Саллинена, Сильвестрова, Маноцкова, Ахунова, Андрея Головина и других. 

В течение последнего десятилетия Musica Viva успешно осуществляет крупные проекты, в их числе оперы в концертном исполнении и оратории. Под руководством Александра Рудина в Москве звучали оратории «Сотворение мира» и «Времена года» Гайдна, оперы «Идоменей» Моцарта, «Оберон» Вебера, «Фиделио» Бетховена, Реквием Шумана, оратории «Торжествующая Юдифь» Вивальди и «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы» Дегтярёва. Впервые в России были исполнены кантата Генделя «Аполлон и Дафна» и его серената «Ацис, Галатея и Полифем», а также серената «Марк Антоний и Клеопатра» и оратория «Паломники ко Гробу Господню» Хассе. С британским маэстро Кристофером Мулдсом были осуществлены российские премьеры опер Генделя «Орландо», «Ариодант» и оратории «Геркулес». 

Musica Viva привлекает к сотрудничеству крупнейших музыкантов мира, в их числе Кристофер Хогвуд, Роджер Норрингтон, Владимир Юровский, Андраш Адорьян, Роберт Левин, Андреас Штайер, Элисо Вирсаладзе, Наталия Гутман, Иван Монигетти, Николай Луганский, Борис Березовский, Алексей Любимов, Джулиано Карминьола, Изабель Фауст, Руль Дильтинс, Томас Цетмайр, Кристиан Тецлафф, Шломо Минц, примадонны мировой оперной сцены Джойс Дидонато, Анник Массис, Вивика Жено, Дебора Йорк, Сьюзен Грэм, Малена Эрнман, Стефани д’Устрак, Хибла Герзмава, Юлия Лежнева. С оркестром выступали всемирно известные хоры Collegium Vocale Gent и «Латвия», а также российский вокальный ансамбль Intrada. 

Musica Viva — постоянный участник международных музыкальных фестивалей, в том числе всемирно известных «Безумных дней», проходящих во Франции, Испании, Японии, Польше, России (Екатеринбург). Коллектив гастролировал в Германии, Франции, Нидерландах, Италии, Испании, Бельгии, Японии, Латвии, Чехии, Словении, Финляндии, Турции, Индии, на Тайване. Ежегодно выступает в городах России. 

Оркестром записано более двадцати дисков, в том числе для лейблов «Русский сезон», Olympia, Hyperion, Naxos, Chandos, Тudor, Fuga Libera, «Мелодия». В 2019 году вышел альбом симфоний Иоганна Стамица, в 2020-м — Тройной и Скрипичный концерты Бетховена с Дмитрием Синьковским (скрипка), Алексеем Любимовым (историческое фортепиано) и Александром Рудиным (виолончель, дирижер). Особый интерес в дискографии оркестра представляют записи с Александром Рудиным в качестве солиста. В их числе виолончельные концерты Жан-Бальтазара Триклира, Мясковского, Антонина Крафта, композиторов эпохи барокко (в том числе Иоганна Адольфа Хассе, Карла Филиппа Эмануэля Баха, Иоганна Вильгельма Хертеля и др.). «Григ-альбом» знакомит слушателей с Рудиным — мастером оркестровки: в записи представлены его оркестровые версии камерных сочинений норвежского классика. 

В сезоне 2018/19 оркестр Musica Viva отметил 40 лет со дня основания. В течение многих лет его деятельность поддерживается грантом Президента Российской Федерации.

Йозеф Гайдн

Франц Йозеф Гайдн (1 апреля 1732 — 31 мая 1809) — австрийский композитор, представитель венской классической школы, один из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет. Создатель мелодии, впоследствии лёгшей в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии.<<cut>>

Йозеф Гайдн (именем Франц сам композитор не называл себя никогда) родился 1 апреля 1732 года в нижнеавстрийском селе Рорау, недалеко от границы с Венгрией, в семье Маттиаса Гайдна (1699—1763). Родители, серьёзно увлекавшиеся вокалом и любительским музицированием, обнаружили в мальчике музыкальные способности и в 1737 году отправили его к родственникам в город Хайнбург-на-Дунае, где Йозеф стал учиться хоровому пению и музыке. В 1740 г. Йозефа заметил Георг фон Ройттер, директор капеллы венского собора св. Стефана. Ройттер взял талантливого мальчика в капеллу, и тот в течение девяти лет пел в хоре (в том числе несколько лет — вместе со своими младшими братьями). Пение в хоре было для Гайдна хорошей, но единственной школой. По мере развития его способностей, ему стали поручать трудные сольные партии. Вместе с хором Гайдн часто выступал на городских празднествах, свадьбах, похоронах, принимал участие в придворных торжествах.

В 1749 году у Йозефа стал ломаться голос, и его выгнали из хора. Последующий десятилетний период был для него весьма трудным. Йозеф брался за разную работу, в том числе был слугой итальянского композитора Никола Порпоры, у которого он также брал уроки композиции. Гайдн старался восполнять пробелы в своём музыкальном образовании, усердно занимаясь изучением творений Эммануила Баха и теорией композиции. Написанные им в это время сонаты для клавесина были изданы и обратили на себя внимание. Первыми крупными его сочинениями были две мессы brevis, F-dur и G-dur, написанные Гайдном в 1749 г. ещё до ухода его из капеллы собора св. Стефана; опера «Хромой бес» (не сохранилась); около десятка квартетов (1755), первая симфония (1759).

В 1759 композитор получает должность капельмейстера при дворе графа Карла фон Морцина, где под началом Гайдна оказывается небольшой оркестр, для которого композитор сочиняет свои первые симфонии. Однако, вскоре фон Морцин начинает испытывать финансовые трудности и прекращает деятельность своего музыкального проекта.

В 1760 Гайдн женится на Марии-Анне Келлер. Детей у них не было, о чем композитор весьма сожалел.

В 1761 году в жизни Гайдна происходит судьбоносное событие — его берут вторым капельмейстером при дворе князей Эстерхази, одной из самых влиятельных и могущественных аристократических семей Австро-Венгрии. В обязанности капельмейстера входит сочинение музыки, руководство оркестром, камерное музицирование перед патроном и постановка опер.

За почти тридцатилетнюю карьеру при дворе Эстерхази композитор сочиняет большое количество произведений, его известность растет. В 1781 году во время пребывания в Вене Гайдн познакомился и подружился с Моцартом. Он даёт уроки музыки Сигизмунду фон Нейкому, который в дальнейшем стал его близким другом.

На протяжении XVIII века в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и других) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе» — в творчестве Гайдна, Моцарта и Бетховена. Вместо полифонической фактуры большое значение приобрела гомофонно-гармоническая фактура, но при этом в крупные инструментальные произведения зачастую включались полифонические эпизоды, динамизирующие музыкальную ткань.

В 1790 году умирает Николаус Эстерхази, а его преемник, князь Антон, не будучи любителем музыки, распускает оркестр. В 1791 г. Гайдн получает контракт на работу в Англии. Впоследствии он много работает в Австрии и Великобритании. Две поездки в Лондон, где он для концертов Соломона написал свои лучшие симфонии, еще более упрочили славу Гайдна.

Затем Гайдн поселился в Вене, где и написал свои две знаменитые оратории: «Сотворение мира» и «Времена года».

Проезжая через Бонн в 1792 г., он знакомится с молодым Бетховеном и берет его в ученики.

Гайдн пробовал свои силы во всех родах музыкального сочинения, но не во всех жанрах его творчество проявлялось с одинаковой силой. В области инструментальной музыки он по справедливости считается одним из крупнейших композиторов второй половины XVIII и начала XIX столетий. Величие Гайдна как композитора максимально проявилось в двух итоговых его сочинениях: больших ораториях — «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801 г.). Оратория «Времена года» может служить образцовым эталоном музыкального классицизма. Под конец жизни Гайдн пользовался громадной популярностью.

Работа над ораториями подорвала силы композитора. Последними его произведениями стали «Harmoniemesse» (1802 г.) и неоконченный струнный квартет op. 103 (1803 г.). Последние наброски относятся к 1806 г., после этой даты Гайдн уже не писал ничего. Скончался композитор в Вене 31 мая 1809 года.

Творческое наследие композитора включает 104 симфонии, 83 квартета, 52 фортепианные сонаты, оратории («Сотворение мира» и «Времена года»), 14 месс, оперы.

Знаменитый романист Стендаль опубликовал жизнеописание Гайдна, Моцарта, Россини и Метастазио в письмах.

В честь Гайдна назван кратер на Меркурии.

Вольфганг Амадей Моцарт

Вольфганг Амадей Моцарт, полное имя Иоганн Хризостом Вольфганг Теофил Моцарт (27 января 1756, Зальцбург — 5 декабря 1791, Вена) — австрийский композитор, капельмейстер, скрипач-виртуоз, клавесинист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Наряду с Гайдном и Бетховеном, принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы.<<cut>>

Моцарт родился 27 января 1756 года в Зальцбурге, бывшем тогда столицей Зальцбургского архиепископства, теперь этот город находится на территории Австрии. На второй день после рождения он был крещен в соборе святого Руперта. Запись в книге крещений дает его имя на латыни как Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. В этих именах первые два слова — имя святого Иоанна Златоуста, не использующееся в повседневной жизни, а четвертое при жизни Моцарта варьировалось: лат. Amadeus, нем. Gottlieb, итал. Amadeo, что значит «возлюбленный Богом». Сам Моцарт предпочитал, чтобы его называли Вольфганг.

Музыкальные способности Моцарта проявились в очень раннем возрасте, когда ему было около трех лет. Его отец Леопольд был одним из ведущих европейских музыкальных педагогов. Его книга «Опыт основательной скрипичной школы» (нем. Versuch einer gründlichen Violinschule) была опубликована в 1756 году — в год рождения Моцарта, выдержала много изданий и была переведена на множество языков, в том числе и на русский. Отец обучил Вольфганга основам игры на клавесине, скрипке и органе.

В Лондоне малолетний Моцарт был предметом научных исследований, а в Голландии, где во время постов строго изгонялась музыка, для Моцарта было сделано исключение, так как в его необычайном даровании духовенство усматривало перст Божий.

В 1762 году отец Моцарта предпринял с сыном и дочерью Анной, также замечательной исполнительницей на клавесине, артистическое путешествие в Мюнхен и Вену, а затем и во многие другие города Германии, Париж, Лондон, Голландию, Швейцарию. Всюду Моцарт возбуждал удивление и восторг, выходя победителем из труднейших испытаний, которые ему предлагались людьми как сведущими в музыке, так и дилетантами. В 1763 году изданы в Париже первые сонаты Моцарта для клавесина и скрипки. С 1766 по 1769 годы, живя в Зальцбурге и Вене, Моцарт изучал творчество Генделя, Страделла, Кариссими, Дуранте и других великих мастеров. По повелению императора Иосифа II Моцарт написал за несколько недель оперу «Мнимая простушка» (итал. La Finta semplice), но члены итальянской труппы, в руки которых попало это произведение 12-летнего композитора, не пожелали исполнять музыку мальчика, и их интриги были столь сильны, что его отец не решился настаивать на исполнении оперы.

1770–1774 годы Моцарт провел в Италии. В 1771 году в Милане, опять же при противодействии театральных импресарио, все же была поставлена опера Моцарта «Митридат, царь Понтийский» (итал. Mitridate, Re di Ponto), которая была принята публикой с большим энтузиазмом. С таким же успехом была дана и вторая его опера, «Lucio Sulla» (Луций Сулла) (1772 год). Для Зальцбурга Моцарт написал «Сон Сципиона» (итал. Il sogno di Scipione), по поводу избрания нового архиепископа, 1772 год, для Мюнхена — оперу «La bella finta Giardiniera», 2 мессы, офферторий (1774 год). Когда ему минуло 17 лет, среди его произведений насчитывались уже 4 оперы, несколько духовных стихотворений, 13 симфоний, 24 сонаты, не говоря о массе более мелких композиций.

В 1775–1780 годах, несмотря на заботы о материальном обеспечении, бесплодную поездку в Мюнхен, Мангейм и Париж, потерю матери, Моцарт написал, среди прочего, 6 клавирных сонат, концерт для флейты и арфы, большую симфонию № 31 D-dur, прозванную Парижской, несколько духовных хоров, 12 балетных номеров.

В 1779 году Моцарт получил место придворного органиста в Зальцбурге (сотрудничал с Михаэлем Гайдном). 26 января 1781 года в Мюнхене с огромным успехом была поставлена опера «Идоменей». С «Идоменея» начинается реформа лирико-драматического искусства. В этой опере видны еще следы староитальянской opera seria (большое число колоратурных арий, партия Идаманта, написанная для кастрата), но в речитативах и в особенности в хорах ощущается новое веяние. Большой шаг вперед замечается и в инструментовке. Во время пребывания в Мюнхене Моцарт написал для мюнхенской капеллы офферторий «Misericordias Domini» — один из лучших образцов церковной музыки конца XVIII века. С каждой новой оперой творческая сила и новизна приемов Моцарта проявлялись все ярче и ярче. Опера «Похищение из сераля» (нем. Die Entführung aus dem Serail), написанная по поручению императора Иосифа II в 1782 году, была принята с энтузиазмом и вскоре получила большое распространение в Германии, где ее стали считать первой национальной немецкой оперой. Она была написана во время романтических отношений Моцарта с Констанцей Вебер, которая впоследствии стала его женой.

Несмотря на успех Моцарта, его материальное положение было не блестящим. Оставив место органиста в Зальцбурге и пользуясь скудными щедротами венского двора, Моцарт для обеспечения своей семьи должен был давать уроки, сочинять контрдансы, вальсы и даже пьесы для стенных часов с музыкой, играть на вечерах венской аристократии (отсюда его многочисленные концерты для фортепиано). Оперы «L’oca del Cairo» (1783 год) и «Lo sposo deluso» (1784 год) остались неоконченными.

В 1783–1785 годах созданы 6 знаменитых струнных квартетов, которые Моцарт посвятил Йозефу Гайдну, мастеру этого жанра, и которые тот принял с величайшим почтением. К этому же времени относится его оратория «Davide penitente» (Кающийся Давид).

С 1786 года начинается необычайно плодовитая и неустанная деятельность Моцарта, которая была главной причиной расстройства его здоровья. Примером невероятной быстроты сочинения может служить опера «Женитьба Фигаро», написанная в 1786 году в 6 недель и, тем не менее, поражающая мастерством формы, совершенством музыкальной характеристики, неиссякаемым вдохновением. В Вене «Женитьба Фигаро» прошла почти незамеченной, но в Праге она вызвала необычайный восторг. Не успел соавтор Моцарта Лоренцо да Понте закончить либретто «Женитьбы Фигаро», как ему пришлось по требованию композитора спешить с либретто «Дон-Жуана», которого Моцарт писал для Праги. Это великое произведение, не имеющее аналогов в музыкальном искусстве, увидело свет в 1787 году в Праге и имело еще больший успех, чем «Женитьба Фигаро».

Гораздо меньший успех выпал на долю этой оперы в Вене, вообще относившейся к Моцарту холоднее, чем другие центры музыкальной культуры. Звание придворного композитора с содержанием в 800 флоринов (1787 год), было весьма скромной наградой за все труды Моцарта. Тем не менее, он был привязан к Вене, и когда в 1789 году, посетив Берлин, он получил приглашение стать во главе придворной капеллы Фридриха-Вильгельма II с содержанием в 3 тысячи талеров, то все же не решился оставить Вену.

Однако множество исследователей жизни Моцарта утверждают, что ему не было предложено место при прусском дворе. Фридрих Вильгельм II лишь сделал заказ на шесть простых фортепьянных сонат для своей дочери и шесть струнных квартетов для него самого. Моцарт не хотел признавать, что поездка в Пруссию провалилась, и сделал вид, будто Фридрих Вильгельм II пригласил его на службу, но из уважения к Иосифу II он от места отказался. Заказ, полученный в Пруссии, придавал его словам видимость правды. Денег, вырученных во время поездки, было мало. Их едва хватило на уплату долга в 100 гульденов, которые были взяты у брата масона Гофмеделя на дорожные расходы.

После «Дон-Жуана» Моцарт сочиняет 3 наиболее известные симфонии: № 39 ми-бемоль мажор (KV 543), № 40 соль минор (KV 550) и № 41 до мажор «Юпитер» (KV 551), написанные в течение полутора месяцев в 1788 году; из них в особенности знамениты две последние. В 1789 году Моцарт посвятил прусскому королю струнный квартет с партией концертирующей виолончели (ре мажор).

После смерти императора Иосифа II (1790 год) материальное положение Моцарта оказалось настолько безвыходным, что он должен был уехать из Вены от преследований кредиторов и артистическим путешествием хоть немного поправить свои дела. Последними операми Моцарта были «Così fan tutte» (1790 год), «Милосердие Тита» (1791 год), заключающая в себе чудные страницы, несмотря на то, что была написана в 18 дней для коронации императора Леопольда II, и наконец, «Волшебная флейта» (1791 год), имевшая колоссальный успех, чрезвычайно быстро распространившийся. Эта опера, в старых изданиях скромно названная опереттой, вместе с «Похищением из Сераля» послужила основанием самостоятельного развития национальной немецкой оперы. В обширной и разнообразной деятельности Моцарта опера занимает самое видное место. В мае 1791 года Моцарт поступил на неоплачиваемую должность ассистента капельмейстера Кафедрального собора Святого Стефана, рассчитывая занять место капельмейстера после смерти тяжелобольного Леопольда Хофмана; Хофман, однако, его пережил.

Мистик по натуре, Моцарт много работал для церкви, но великих образцов в этой области он оставил немного: кроме «Misericordias Domini» — «Ave verum corpus» (KV 618), (1791 год) и величественно-горестный Реквием (KV 626), над которым Моцарт неустанно, с особенной любовью, работал в последние дни жизни. Интересна история написания «Реквиема». Незадолго до смерти Моцарта посетил некий таинственный незнакомец во всем черном и заказал ему «Реквием» (траурную заупокойную мессу). Как установили биографы композитора, это был граф Франц фон Вальзегг-Штуппах, решивший выдать купленное сочинение за собственное. Моцарт погрузился в работу, но недобрые предчувствия не покинули его. Таинственный незнакомец в черной маске, «черный человек» неотступно стоит перед его глазами. Композитору начинает казаться, что эту заупокойную мессу он пишет для себя… Работу над незавершенным «Реквиемом», по сегодняшний день потрясающим слушателей скорбным лиризмом и трагической выразительностью, закончил его ученик Франц Ксавер Зюсмайер, ранее принимавший некоторое участие в сочинении оперы «Милосердие Тита».

Умер Моцарт 5 декабря в 00:55 ночи 1791 года от неустановленной болезни. Тело его нашли вздутым, мягким и эластичным, как это бывает при отравлениях. Этот факт, а также некоторые другие обстоятельства, связанные с последними днями жизни великого композитора, дали основание некоторым биографам отстаивать именно эту версию причины его смерти. В настоящее время большинство исследователей считает ее несостоятельной. Похоронен Моцарт был в Вене, на кладбище Святого Марка в общей могиле, так что само место захоронения осталось неизвестным. В память о композиторе на девятый день после его смерти в Праге при огромном стечении народа 120 музыкантами исполнялся «Реквием» Антонио Розетти.

Отличительной чертой творчества Моцарта является удивительное сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Уникальность его творчества состоит в том, что он не только писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, но и в каждом из них оставил произведения непреходящего значения. Музыка Моцарта обнаруживает множество связей с разными национальными культурами (особенно итальянской), тем не менее она принадлежит национальной венской почве и носит печать творческой индивидуальности великого композитора.

Моцарт — один из величайших мелодистов. Его мелодика сочетает черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской кантилены. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии мужественного характера, с большим драматическим пафосом и контрастными элементами.

Особое значение Моцарт придавал опере. Его оперы — целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Наряду с Глюком, он был величайшим реформатором жанра оперы, но в отличие от него, основой оперы считал музыку. Моцарт создал совершенно иной тип музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с развитием сценического действия. Как следствие — в его операх нет однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».

Большое внимание Моцарт уделял симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью. Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»). Также Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта.

Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Моцарт отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, отчетливостью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Композитором создано множество духовных произведений: мессы, кантаты, оратории, а также знаменитый Реквием.

Тематический каталог сочинений Моцарта, с примечаниями, составленный Кехелем («Chronologisch-thematisches Verzeichniss sämmtlicher Tonwerke W. A. Mozart´s», Лейпциг, 1862), представляет том в 550 страниц. По исчислению Кехеля, Моцарт написал 68 духовных произведений (мессы, оффертории, гимны и пр.), 23 произведения для театра, 22 сонаты для клавесина, 45 сонат и вариаций для скрипки и клавесина, 32 струнных квартета, около 50 симфоний, 55 концертов и пр., в общей сложности 626 произведений.

Рихард Штраус

Рихард Штраус — один из крупнейших творцов в немецкой культуре конца XIX — первой половины XX века. Автор масштабных программных симфоний и опер, продолжатель традиций Листа и Вагнера, он подводит своего рода черту под эпохой европейского музыкального романтизма и приоткрывает завесу экспрессионизма и неоклассицизма.<<cut>>

В этой личности сочеталось несколько дарований. И если сегодня Штраус больше известен как композитор, то современники знали его как выдающегося дирижера и прекрасного руководителя, который также успевал заниматься общественной деятельностью. Он возглавлял крупнейшие оперные театры Германии — притом порой это приходилось делать в условиях жесткой экономической ситуации, много и успешно гастролировал, в том числе в США, где его очень любили и платили сумасшедшие по европейским меркам гонорары. Штраус был одним из руководителей Зальцбургского фестиваля, стоял у истоков общества, защищающего права композиторов. Человек невероятного трудолюбия и выносливости, он был чрезвычайно уравновешен и всегда подчеркнуто-элегантен. Сегодня сложно поверить, что в его операх, написанных аккуратным почерком, могут властвовать нечеловеческие страсти. Ценитель и знаток живописи, высокосветский человек, примерный муж — все это подходит автору «Ариадны» и «Каприччио», но никак не связуется с «Саломеей» и «Электрой».

Штраус прожил долгую жизнь, на которой отразились ключевые события истории ХХ века. Он не менял гражданства, но до неузнаваемости менялась сама страна, которую он любил, перед культурой которой преклонялся. Когда ему было 50 и он уже являлся фигурой мирового масштаба, разразилась мучительная «окопная война»; в 60, когда в ранее процветающей Германии по талонам выдавали хлеб пополам с опилками, он руководил Венской оперой; в 70 столкнулся с гитлеровским режимом, в 81 год видел окончание Второй мировой войны.

При этом формирование Штрауса происходило в совершенно иной стране. Во второй половине XIX века Германия переживала политический и культурный подъем, и первая часть жизни композитора являет собой образец того, что сегодня называют «успешной карьерой», которая состоялась благодаря и окружению, и выдающемуся дарованию.

Он родился в семье первого валторниста Мюнхенского Придворного театра Франца Штрауса и дочери состоятельного пивовара Джозефины Пшор. Не зная ни нужды, ни расточительности, он рос в здоровой атмосфере баварской семьи и имел доступ к высочайшим культурным ценностям. К музыке Рихарда приобщил отец, один из лучших исполнителей своего времени, — будущий композитор видел спектакли Придворного театра, обучался теории, игре на фортепиано и скрипке (в дальнейшем он не раз выступал в качестве пианиста). Первую песню Рихард сочинил в возрасте шести лет, затем последовали пьесы для солирующих инструментов и камерных ансамблей, концерты, наконец, Первая симфония, которая прозвучала в исполнении любительского оркестра под руководством его отца. Штраусу повезло — начиная с ранней молодости, он имел возможность слышать свои сочинения. Его музыка отражала вкусы Франца Штрауса: будучи человеком консервативным, он ненавидел Вагнера, под управлением которого ему самому не раз приходилось играть, и старался, чтобы сын был воспитан на «высокой классике» в духе Моцарта и Мендельсона. Любовь к Моцарту Рихард Штраус пронес через всю жизнь.

Он прилежно и с удовольствием обучался в гимназии, в 18 лет поступил в Мюнхенский университет, где изучал несколько гуманитарных (не музыкальных) курсов, но спустя год оставил его и отправился в Берлин, чтобы там самостоятельно осваивать музыку. Консерваторского образования Штраус не получил, что никак не сказалось на его творчестве. Он посещает театры и заводит знакомства, с невероятной скоростью впитывая все новое, открывает для себя Брамса и Вагнера. Решающей в жизни молодого музыканта становится встреча с Гансом фон Бюловым — блестящим пианистом и выдающимся дирижером. Именно он впервые поставил 20-летнего Штрауса за дирижерский пульт — без репетиций, на концерте в родном Мюнхене, — он же много он сделал и для популяризации композиторского творчества молодого коллеги. «Рихардом Третьим» провидчески называл Бюлов Штрауса, имея ввиду, что первым был Вагнер, а второго после Вагнера, по мнению Бюлова, быть не могло. В 1885 году Бюлов, фактически на свой страх и риск, рекомендует Штрауса, не имеющего дирижерского опыта, герцогу Мейнингенскому: сначала он становится заместителем Бюлова — придворного музыкального директора, проходит школу мастерства, наблюдая за ним на концертах и репетициях, а затем сменяет его на этом посту. Интенсивная работа над собой и постоянное расширение кругозора очень скоро делают Штрауса заметной фигурой музыкальной жизни своей страны — как на дирижерском, так и на композиторском поприще. В Мейнингене он увлекся драмтеатром (труппа считалась одной из лучших в Германии), здесь же произошло судьбоносное знакомство со скрипачом Александром Риттером, боготворившим Вагнера, Шопенгауэра и грезившим немецкими легендами. Летом Штраус впервые посещает Италию, где на него производят огромное впечатление ландшафты и произведения искусства (пока молодой немец культурно обогащался, его несколько раз обокрали). Этой поездке мы обязаны, прежде всего, первой симфонической поэмой Штрауса — «Из Италии», которую он посвятил Бюлову. В то же время композитор побывал в Байрёйте, где познакомился с Козимой Вагнер, а осенью приступил к обязанностям третьего дирижера в оперном театре родного Мюнхена. В эти годы Штраус начинает гастролировать по Европе; встречает свою первую и единственную любовь, а в будущем, жену — певицу Паулину де Ана, дочь баварского генерала. Вдохновленный нежными чувствами, он создает свои первые песни — Штраус будет писать их на протяжении всей жизни, и даже не будь в его наследии других произведений, только песни могли бы обессмертить его имя. Все шло хорошо, но не складывались отношения с руководством Мюнхенского театра — молодому, прогрессивно мыслящему и амбициозному музыканту доставалась второсортная продукция, и поэтому, когда в 1889 году по рекомендации Бюлова ему предложили работу Веймарской опере, он согласился. Здесь он провел четыре плодотворных года, невероятно расширив репертуар труппы и превратив город в центр музыкальной жизни Германии. Затем Штраус возвращается в Мюнхен — руководство театра предложило ему более высокий пост и жалование. Окрыленный успехами композитор создает в последнее десятилетие уходящего века яркие, новаторские и сложные по музыкальному языку программные симфонические поэмы: «Дон Жуан», «Макбет», «Смерть и просветление», «Веселые проделки Тиля Уленшпигеля», «Так говорил Заратустра», «Дон Кихот», «Жизнь героя». Их премьеры становятся значительными событиями, а Штрауса сопровождают громкие триумфы. К примеру, по инициативе Оркестра Консертгебау и Виллема Менгельберга его имя было выгравировано золотыми буквами на стене концертного зала в окружении Вагнера и Листа (для этого стерли имя Гуно). Но с оперой ему везет меньше: первая, «Гунтрам», написана на собственное довольно сумбурное либретто по мотивам средневековых легенд и выигрывает только за счет музыки, которая хоть и не обходится без влияния Вагнера, но уже содержит зачатки будущих штраусовских свершений.

Под занавес уходящего века Штраусу поступают сразу два предложения — от Берлинской оперы (на пост первого придворного дирижера) и от Нью-Йоркского филармонического оркестра (на пост главного дирижера, с невиданным для европейца жалованием). Отдав предпочтение столице Германии и блеску двора, Штраус одновременно осуществляет музыкальное руководство Берлинским симфоническом оркестром и Берлинской филармонией, а позже — руководство Берлинской оперой; много сочиняет и гастролирует (в том числе по США, где он выступал перед Рузвельтом); занимается созданием Товарищества немецких композиторов (позже — могущественное Общество по защите авторских прав на исполнение и воспроизведение музыкальных произведений).

Первое десятилетие ХХ века ознаменовано бурным техническим и культурным развитием Европы (при одновременном вооружении Германии). В эти годы появляются знаменитые штраусовские оперы, которые обессмертили имя композитора и стали одними из вершин уходящей «Прекрасной эпохи». После оперы «Погасшие огни», которую вновь отличает красивая музыка и пересыщенное событиями либретто (на основе древней фламандской легенды), Штраус создает «Саломею» по Оскару Уайльду, «Электру», «Кавалер розы», «Ариадну на Наксосе». Случайно или нет, но большинство опер Штрауса было впервые поставлено в Дрездене (9 из 15) — поскольку композитор уже пользовался значительным авторитетом, он сам выбирал труппу для премьеры из выстроившихся в очередь театров. Самой «громкой» заявкой Штрауса в оперном жанре стала, конечно, «Саломея» — после премьеры слушатели запрыгивали на кресла, подбрасывали программки и кричали, в дальнейшем она была показана в 50 театрах. В это же время начинается долгое сотрудничество Штрауса с талантливым поэтом и писателем Гуго фон Гофмансталем, вплоть до его смерти в 1929-м, оставившей невосполнимую пустоту в жизни композитора. Этот великолепный союз дает миру шесть замечательных опер, литературные достоинства которых столь же высоки, сколь музыкальные. Уже первый совместный труд — «Электра», — хоть и был принят не так бурно, как «Саломея», оказался гораздо выше своей предшественницы, значительно повлияв на современную музыку и на становление экспрессионизма. Следующее произведение — «Кавалер розы» — наглядный пример того, насколько многообразны таланты авторов, способных после мрачных необузданных страстей «по Фрейду» и экзотической роскоши красок переключиться на лирическую комедию в моцартовском ключе. Успех «Кавалера розы» был колоссален — опера ставилась по всей Европе и за Атлантикой. Правда, за исключением Берлина — двор нашел этот музыкально-поэтический шедевр несколько фривольным. Впрочем, тут же появилась фирма, организовавшая спецпоезд из германской столицы к месту в партере. Последним предвоенным творением Штрауса и Гофмансталя стал гибрид драмтеатра и оперы — адаптированный «Мещанин во дворянстве» Мольера с включенной в него оперой «Ариадна на Наксосе». Увы, постановка была обречена на провал из-за своей протяженности и художественных предпочтений публики: любители драматических спектаклей не интересовал оперный жанр и наоборот. После переделки появились три замечательных произведения: пьеса «Мещанин во дворянстве» с музыкой Штрауса, полная юмора и обаяния одноименная оркестровая сюита и опера «Ариадна на Наксосе», которая по сей день является одной из самых репертуарных. В балетном жанре Штраус и Гофмансталь создают по заказу Сергея Дягилева «Легенду об Иосифе» — спектакль в постановке Михаила Фокина был успешно показан в Париже.

1914 год стал пограничным и в истории Европы, и в жизни Штрауса. 50-летие композитора празднуется повсюду, сопровождаясь многочисленными наградами и почестями. Через месяц начинается Первая мировая война, вслед за которой Германию постигает страшная инфляция и голод. Мир, сформировавший Штрауса как личность и как художника, более того — мир, который к своему полувековому юбилею знаменитый композитор уже формировал сам, — рушится. Моцарт, Брамс, Вагнер, немецкий романтизм, наконец, материальное благополучие — все это остается в прошлом. Спасаясь от настоящего, Штраус обращается в своих произведениях к легендам и воспоминаниям. Таковы роскошная большая опера «Женщина без тени» — бегство в мир иллюзий и психоанализа, или же большая симфония — «Альпийская». На собственные либретто он создает автобиографичную «бюргерскую комедию» «Интермеццо» и пересыщенный сладкими мелодиями балет «Взбитые сливки», по сюжету напоминающий второе действие «Щелкунчика» — его премьера состоялась в рамках празднования 60-летия Штрауса в Венской опере. В эти сложные годы музыканта приглашают на должность соруководителя театра, который достается ему в плачевном состоянии; также он принимает предложения стать президентом Общества зальцбургского Фестшпильхауза и одним из художественных руководителей Моцартовского фестиваля (среди которых был и Гофмансталь). В 20-е годы Штраус и Гофмансталь создают две оперы «в духе времени» — «Елену Египетскую» по греческим мифам, снабженную изрядной долей фрейдизма и мистицизма, и комедийную «Арабеллу» (своего рода попытка возродить «Кавалера розы»). Работу над последней прерывает смерть поэта и Штраусу требуется три долгих года, чтобы завершить оперу. Гофмансталь, который болезненно переживал события Первой мировой войны, уже не застал новую эпоху: перед премьерой «Арабеллы» к власти пришли национал-социалисты и руководство Дрезденской оперы, которому посвящена «Арабелла», уволили.

70-летнему Штраусу было суждено пережить еще один режим. В своих произведениях композитор продолжает погружаться в мир иллюзий. Одну оперу (комическая «Молчаливая женщина») он создает в соавторстве с талантливым либреттистом Стефаном Цвейгом. Однако сотрудничество закончилось, едва начавшись — Цвейг эмигрирует, спасаясь от преследований нацистами евреев, а переписка с ним приносит неприятности самому Штраусу. Либреттистом трех следующих опер («День мира», «Дафна» и «Любовь Данаи») становится Йозеф Грегор, большой поклонник творчества композитора, хороший историк театра, куратор Театральной библиотеки в Вене и довольно слабый автор.

Одна из загадок Штрауса — расцвет его таланта в 1940-е годы. Словно на «втором дыхании» появляются произведения в разных жанрах: опера «Каприччо» на либретто самого композитора и дирижера Клеменса Крауса (в последние годы они много работали вместе и вели переписку); Второй концерт для валторны — своего рода посвящение памяти отца; «Метаморфозы» для 23-х струнных инструментов — скорбь великого музыканта по разрушенным немецким культурным столицам и, наверное, шире, — скорбь об ушедшей «Прекрасной эпохе». В музыке этих произведений нет буйства эмоций и роскоши красок, здесь отметено все лишнее и наносное, композитор словно перестает прятать свое «Я» и приходит к гениальной простоте. В 1948-м году он пишет «Четыре последние песни» — глубоко-эмоциональное и вместе с тем просветленное «прощание», примирение с миром. Впрочем, Штраус никогда не был сентиментален и умирать не собирался, поэтому после «Четырех последних песен» взялся за комическую оперу «Тень осла». Достаточно активно для своего возраста он продолжал работать с оркестром — в возрасте 80 лет записал с Венским филармоническим почти все свои произведения. По окончании войны Рихард и Паулина Штраусы переехали в Швейцарию, а в 1947 композитор впервые в жизни сел на самолет, чтобы по приглашению Томаса Бичема дирижировать на посвященном ему лондонском фестивале. Позже, уже в Германии, он дирижировал на торжествах по случаю своего 85-летия, а через месяц — фрагментом из «Каприччо». Через два месяца Штрауса не стало. Паулина пережила его на восемь месяцев.