Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф.Светланова, Василий Синайский, Борис Березовский
Каталог концертов

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф.Светланова, Василий Синайский, Борис Березовский

Год выхода:
2017
Страна производитель:
Россия

Борис Березовский

Борис Березовский – один из самых востребованных пианистов мира. Его искусство отличается виртуозностью, совершенным звуком с богатым спектром динамических оттенков, репертуарным разнообразием. Родился в Москве в 1969 году. Учился в Московской консерватории у Элисо Вирсаладзе и частным образом у Александра Саца. В 1987 завоевал IV премию конкурса пианистов в Лидсе (Великобритания). После блестящего дебюта в лондонском Уигмор-холле в 1988 году газета The Times охарактеризовала его как «исключительно многообещающего артиста». Подтверждением тому стали I премия и Золотая медаль на IX Международном конкурсе имени Чайковского в Москве, завоеванные Березовским в 1990 году.

С этого момента разворачивается международная карьера пианиста. Он выступает с лучшими оркестрами мира, среди которых Нью-Йоркский филармонический и Филадельфийский, лондонская «Филармония» и Симфонический оркестр Би-Би-Си, Резиденц-оркестр Гааги и Симфонический оркестр радио Франкфурта, Национальный оркестр Датского радио и амстердамский Консертгебау, Национальный оркестр Франции, Симфонические оркестры Бирмингема и Сиднея, филармонические оркестры Роттердама, Мюнхена, Осло, Берлина, Российский национальный, Уральский академический филармонический (УАФО), Новый Японский филармонический оркестр и другие. Партнерами Березовского были Курт Мазур, Шарль Дютуа, Вольфганг Заваллиш, Эндрю Литтон, Антонио Паппано, Лоранс Экильбе, Владимир Ашкенази, Александр Лазарев, Михаил Плетнев, Юрий Башмет, Дмитрий Китаенко, Александр Рудин, Дмитрий Лисс, Александр Ведерников и многие другие известные дирижеры.

Сольные концерты Березовского проходят в лучших залах мира, таких как Берлинская филармония, амстердамский Консертгебау, лондонский Ройал-фестивал-холл, Театр Елисейских полей в Париже, венский Концертхаус, Дворец изящных искусств в Брюсселе, зал «Мегарон» в Афинах, Большой зал Московской консерватории, Концертный зал имени Чайковского. Среди партнеров Березовского по камерному ансамблю – Вадим Репин, Дмитрий Махтин, Александр Князев, Яна Иванилова, Акико Суванаи, Хэмиш Милн.

В обширной дискографии Березовского – около 40 CD и DVD. На лейбле Teldec пианист записал произведения Шопена, Шумана, Рахманинова, Мусоргского, Балакирева, Метнера, Равеля и все «Трансцендентные этюды» Листа. На лейбле Mirare – все Прелюдии и фортепианные концерты Рахманинова (с УАФО под управлением Дмитрия Лисса) и сочинения Рахманинова для двух фортепиано (в ансамбле с Брижит Анжерер). Березовский – обладатель многих премий в области звукозаписи. Его записи сочинений Равеля, Чайковского, Шостаковича, Рахманинова, Хиндемита, Шопена, Сен-Санса удостоены премий Diapason d'Or, EchoKlassik, CHOC, многократно отмечены журналами Le Monde de la Musique и Gramophone. В 2006 году Березовский был удостоен премии BBC Music Magazine.

Пианист – участник крупнейших международных музыкальных фестивалей в России, Германии, Франции, Швейцарии, Австрии, Словакии, Японии, США. По инициативе Березовского в городах России (Москва, Екатеринбург, Владимир) с 2006 по 2011 гг. проходил «Метнер-фестиваль». Пианист активно концертирует в России: в Оренбурге, Новосибирске, Белгороде и многих других городах, проводит авторские фестивали, в том числе Фестиваль Бориса Березовского в Екатеринбурге (2012, 2014), идею которого сам музыкант определил как «музыкально-географическое путешествие». Схожими идеями вдохновлен и проект пианиста «Музыка Земли» (2014, 2016). «У меня возникло желание создать несколько концертов, посвященных влиянию фольклора на классику, – объяснял пианист. – Ведь многие гениальные русские композиторы вдохновлялись фольклором, любили его и обожали. Я думаю, что тема огромная, и хватит фестивалей на сорок, не меньше. Уж на мою жизнь точно хватит». В сентябре 2015 Березовский участвовал в I фестивале «Безумные дни в Екатеринбурге».

Летом 2015 года Березовский был членом жюри состязания пианистов на XV международном конкурсе имени Чайковского. На телеканале «Россия – Культура» он вел программу «Вспоминая великие страницы», посвященную конкурсным выступлениям пианистов прежних лет. Лауреат премии национальной газеты «Музыкальное обозрение» в номинации «Персона года» (2013). В 2015 удостоен Премии города Москвы в номинации «Музыкальное искусство». В июле 2016 удостоен звания Заслуженный артист РФ. Носит звание Steinway Artist.

Василий Синайский

Василий Синайский — один из наиболее авторитетных российских дирижеров наших дней. Он родился в 1947 году в Коми АССР. Обучался в Ленинградской консерватории и аспирантуре по классу симфонического дирижирования у прославленного И. А. Мусина. В 1971-1973 годах работал вторым дирижером Симфонического оркестра в Новосибирске. В 1973 году 26-летний дирижер принял участие в одном из самых сложных и представительных международных соревнований — конкурсе Фонда Герберта фон Караяна в Берлине, где первым из наших соотечественников стал обладателем Золотой медали и удостоился чести дважды дирижировать Берлинским филармоническим оркестром.

После победы на конкурсе В. Синайский получил приглашение Кирилла Кондрашина стать его ассистентом в оркестре Московской филармонии и занимал эту должность с 1973 по 1976 год. Затем дирижер работал в Риге (1976-1989): руководил Государственным симфоническим оркестром Латвийской ССР — одним из лучших в СССР, преподавал в Латвийской консерватории. В 1981 году Василий Синайский был удостоен звания «Народный артист Латвийской ССР».

Вернувшись в 1989 году в Москву, В. Синайский некоторое время был главным дирижером Государственного Малого симфонического оркестра СССР, работал в Большом театре, а в 1991-1996 возглавлял Академический симфонический оркестр Московской государственной академической филармонии. В 2000-2002 гг. руководил Государственным академическим симфоническим оркестром России. С 1996 года является главным приглашенным дирижером Филармонического оркестра ВВС и постоянным дирижером ВВС Proms («Променад-концертов»). Он также являлся главным приглашенным дирижером Нидерландского симфонического оркестра (Амстердам), с января 2007 — главным дирижером Симфонического оркестра г. Мальмё (Швеция). Газета Skånska Dagbladet писала: «С приходом Василия Синайского началась новая эра в истории оркестра. Теперь он, несомненно, заслуживает того, чтобы занять почетное место на европейской музыкальной сцене».

Список оркестров, которыми маэстро дирижировал за последние годы, необычайно широк и включает Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии, Российский национальный оркестр, амстердамский Concertgebouw, Роттердамский и Чешский филармонические оркестры, лейпцигский Gewandhaus, оркестры радио Берлина, Гамбурга, Лейпцига и Франкфурта, Национальный оркестр Франции, Лондонский филармонический оркестр, Симфонический оркестр ВВС, Симфонический оркестр Бирмингема, Королевский Шотландский национальный оркестр, Оркестр Финского радио, филармонический оркестр Люксембурга. За океаном дирижер выступал с Монреальским и Филадельфийским симфоническими оркестрами, симфоническими оркестрами Атланты, Детройта, Лос-Анджелеса, Питтсбурга, Сан-Диего, Сент-Луиса, гастролировал в Австралии с оркестрами Сиднея и Мельбурна.

Одним из выдающихся событий в европейской карьере В. Синайского стало участие оркестра корпорации ВВС в фестивале к 100-летию Д. Шостаковича (Shostakovich and his Heroes’ festival, Манчестер, весна 2006), где маэстро буквально поразил воображение публики и критики исполнением симфоний великого композитора. Шостакович, а также Глинка, Римский-Корсаков, Бородин, Чайковский, Глазунов, Рахманинов, Стравинский, Прокофьев, Берлиоз, Дворжак, Малер, Равель входят в число репертуарных предпочтений В. Синайского. В последнее десятилетие к ним добавились английские композиторы — Элгар, Воан-Уильямс, Бриттен и другие, музыку которых дирижер постоянно и с успехом исполняет с британскими оркестрами.

Василий Синайский — крупный оперный дирижер, осуществивший целый ряд постановок в оперных театрах России и других стран. В их числе: «Мавра» Стравинского и «Иоланта» Чайковского (обе в концертном исполнении) в Париже с Национальным оркестром Франции; «Пиковая дама» Чайковского в Дрездене, Берлине, Карлсруэ (режиссер Ю.Любимов); «Иоланта» в Национальной опере Уэльса; «Леди Макбет» Шостаковича в берлинской Komische Oper; «Кармен» Бизе и «Кавалер розы» Р. Штрауса в Английской национальной опере; «Борис Годунов» Мусоргского в Опере Сан-Франциско, «Борис Годунов» Мусоргского и «Пиковая дама» Чайковского с труппами Большого театра и Латвийской государственной оперы.

В. Синайский — участник многих музыкальных фестивалей, член жюри международных конкурсов дирижеров. Многочисленные звукозаписи дирижера (в основном с Филармоническим оркестром ВВС на студии Chandos Records, а также на Deutsche Grammophon и др.) включают сочинения Аренского, Балакирева, Глинки, Глиэра, Дворжака, Кабалевского, Лядова, Ляпунова, Рахманинова, Шимановского, Шостаковича, Щедрина. Его запись произведений немецкого композитора I половины ХХ века Ф. Шрекера авторитетный британский музыкальный журнал Gramophone назвал «диском месяца».

С сезона 2009/10 Василий Синайский начал сотрудничество с Большим театром России в качестве одного из постоянных приглашенных дирижеров, а затем в течение 2010-2013 гг. был главным дирижером – музыкальным руководителем театра. Осуществил постановки опер «Золотой петушок» Римского-Корсакова, «Князь Игорь» Бородина, первой в истории Большого театра постановки оперы «Кавалер розы» Р. Штрауса. Дирижировал также операми «Царская невеста», «Иоланта», «Евгений Онегин», «Кармен», «Травиата» и «Леди Макбет Мценского уезда».

Анатолий Лядов

Анатолий Константинович Лядов (29 апреля (11 мая) 1855, Санкт-Петербург — 15 (28) августа 1914, усадьба Полыновка, близ Боровичей, ныне Новгородская область) — русский композитор, дирижер и педагог, профессор Петербургской консерватории.

Будущий композитор родился в семье известного русского дирижера Константина Лядова. Первые уроки музыки начал получать в пять лет от отца, а в 1870 году поступил в Петербургскую консерваторию в классы фортепиано и скрипки. Вскоре Лядов заинтересовался теоретическими дисциплинами и стал усиленно изучать контрапункт и фугу. К этому же времени относятся его первые композиторские опыты. Талант молодого музыканта высоко ценил Модест Мусоргский. Лядов перевелся в класс теории композиции к Римскому-Корсакову, однако в 1876 году был отчислен из консерватории за непосещаемость. Два года спустя Лядов восстановился в консерватории и успешно ее окончил. В том же году композитор получил приглашение на должность преподавателя элементарной теории музыки, гармонии и инструментовки в консерватории, где и работал до самой смерти. А. К. Лядов был одним из членов Беляевского кружка.

А. К. Лядов был известен тем, что очень медленно работал над своими произведениями. Так Сергей Лифарь вспоминал, что Сергей Дягилев в первую очередь обратился к Лядову с просьбой написать музыку для балета «Жар-птица». Однако, когда он задержал выполнение заказа, Дягилев был вынужден передать этот заказ молодому Игорю Стравинскому. Большим поклонником творчества А. К. Лядова и специалистом по его музыкальному наследию был композитор и педагог Н. Н. Вилинский, также написавший «Четыре миниатюры памяти А. Лядова», соч. 40 (1956).

Преподавал в Петербургской консерватории, причем преподавательская деятельность композитора началась сразу по его окончании этой же консерватории[1]. Среди учеников: Б. В. Асафьев, М. Ф. Гнесин, Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, В. М. Беляев, И. И. Чекрыгин, А. В. Оссовский, А. А. Оленин, Майкапар и другие.

Значительная часть сочинений Лядова написана для фортепиано: «Бирюльки», «Арабески», «Про старину», «Идиллия», пьесы, прелюдии, вальсы. Композитор считается одним из мастеров жанра миниатюры — многие его произведения написаны в простых формах и длятся несколько минут (Музыкальная табакерка). Среди самых известных сочинений Лядова — симфонические поэмы «Баба-Яга», «Волшебное озеро», «Кикимора», «Танец Амазонки», «Скорбная песнь». Лядов также известен как фольклорист — он составил несколько сборников русских народных песен. Для голоса и ф-но: 18 детских песен на народные слова, сборники народных песен, романсы и др. Для хора а cappella: «10 русских народных песен», «15 русских народных песен», 10 переложений из Обихода и т. д.

Сергей Рахманинов

Сергей Васильевич Рахманинов (1 апреля (20 марта) 1873 — 28 марта 1943) — русский композитор, пианист и дирижер.

Синтезировал в своем творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.

Сергей Васильевич Рахманинов родился 1 апреля 1873 года в дворянской семье. Долгое время местом рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода; исследования последних лет называют усадьбу Семеново Старорусского уезда Новгородской губернии (Россия).

Отец композитора, Василий Аркадьевич (1841―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным. Мать, Любовь Петровна (урожденная Бутакова) ― дочь директора Кадетского корпуса генерала П. И. Бутакова. Дед композитора по отцовской линии, Аркадий Александрович, был музыкантом, учился игре на фортепиано у Дж. Филда и выступал с концертами в Тамбове, Москве и Петербурге. Сохранились романсы и фортепианные пьесы его сочинения, в том числе «Прощальный галоп 1869-му году» для фортепиано в четыре руки. Василий Рахманинов тоже был музыкально одаренным, но музицировал исключительно любительски.

Интерес С. В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская. При ее поддержке осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В. В. Демьянского [4]. Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н. С. Звереву.

Несколько лет провел Рахманинов в известном московском частном пансионе музыкального педагога Николая Зверева, воспитанником которого был также Александр Николаевич Скрябин и многие другие выдающиеся русские музыканты (Александр Ильич Зилоти, Константин Николаевич Игумнов, Арсений Николаевич Корещенко, Матвей Леонтьевич Пресман и др). Здесь в возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Петру Ильичу Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта.

В 1888 году Рахманинов продолжил обучение на старшем отделении Московской консерватории в классе двоюродного брата А. И. Зилоти, а спустя год под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского начал заниматься композицией.

В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист (у А. И. Зилоти) и как композитор с большой золотой медалью. К тому времени появилась его первая опера — «Алеко» (дипломная работа) по произведению А. С. Пушкина «Цыганы», первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для фортепиано, в том числе, прелюдия до-диез минор, которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова.

В возрасте 20 лет, из-за нехватки денег, он стал преподавателем в московском Мариинском женском училище, в 24 года — дирижером Московской русской частной оперы Саввы Мамонтова, где работал в течение одного сезона, однако успел сделать значительный вклад в развитие русской оперы.

Рахманинов рано приобрел известность как композитор, пианист и дирижер. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии (дирижер — А. К. Глазунов), которая окончилась полным провалом как из-за некачественного исполнения, так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки. По мнению А. В. Оссовского, определенную роль сыграла неопытность Глазунова как руководителя оркестра во время репетиций[5]. Это событие послужило причиной серьезной нервной болезни. В течение 1897—1901 годов Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра, доктора Николая Даля, помогла ему выйти из кризиса.

В 1901 году закончил свой Второй фортепианный концерт, создание которого ознаменовало выход Рахманинова из кризиса и одновременно — вступление в следующий, зрелый период творчества. Вскоре он принял приглашение занять место дирижера в московском Большом театре. После двух сезонов отправился в путешествие по Италии (1906 г.), затем на три года поселился в Дрездене, чтобы полностью посвятить себя композиции. В 1909 году Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижер. В 1911 году С. В. Рахманинов, находясь в Киеве, по просьбе своего друга и коллеги А. В. Оссовского прослушал молодую певицу Ксению Держинскую, вполне оценив ее талант; он сыграл большую роль в становлении оперной карьеры знаменитой певицы [5].

Вскоре после революции 1917 года воспользовался неожиданно пришедшим из Швеции предложением выступить в концерте в Стокгольме и в конце 1917 года вместе с женой Натальей Александровной и дочерьми покинул Россию. В середине января 1918 года Рахманинов отправился через Мальме в Копенгаген. 15 февраля он впервые выступил в Копенгагене, где сыграл свой Второй концерт с дирижером Хеэбергом[6]. До конца сезона он выступил в одиннадцати симфонических и камерных концертах, что дало ему возможность расплатиться с долгами.

1 ноября 1918 года, вместе с семьей, отплыл из Норвегии в Нью-Йорк. Вплоть до 1926 года не писал значительных произведений; творческий кризис, таким образом, продолжался около 10 лет. Лишь в 1926—1927 гг. появляются новые произведения: Четвертый концерт и Три русские песни. В течение жизни за рубежом (1918—1943 гг.) Рахманинов создал всего 6 произведений, которые принадлежат к вершинам русской и мировой музыки.

Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан одним из величайших пианистов своей эпохи и крупнейшим дирижером. В 1941 году закончил свое последнее произведение, многими признанное как величайшее его создание, — Симфонические танцы. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии. Денежный сбор от одного из своих концертов передал в Фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу».

Последние годы Рахманинова были омрачены смертельной болезнью (рак легких). Однако несмотря на это, он продолжал концертную деятельность, прекращенную лишь незадолго до смерти.

Рахманинов умер 28 марта 1943 года в Беверли-Хиллз, штат Калифорния США.

Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор». В этой краткой и неполной характеристике выражены как объективные качества стиля Рахманинова, так и место его наследия в исторической перспективе мировой музыки. Именно творчество Рахманинова выступило тем синтезирующим знаменателем, который объединил и сплавил творческие принципы московской (П.Чайковский) и Петербургской школ в единый и цельный русский стиль. Тема «Россия и ее судьба», генеральная для русского искусства всех видов и жанров, нашла в творчестве Рахманинова исключительно характерное и законченное воплощение. Рахманинов в этом отношении явился как продолжателем традиции опер Мусоргского, Римского-Корсакова, симфоний Чайковского, так и связующим звеном в непрерывной цепи национальной традиции (эта тема была продолжена в творчестве С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Шнитке и др.). Особая роль Рахманинова в развитии национальной традиции объясняется историческим положением творчества Рахманинова — современника русской революции: именно революция, отраженная в русском искусстве как «катастрофа», «конец света», всегда была смысловой доминантой темы «Россия и ее судьба» (см. Н. Бердяев, «Истоки и смысл русского коммунизма»).

Творчество Рахманинова хронологически относится к тому периоду русского искусства, который принято называть «серебряным веком». Основным творческим методом искусства этого периода был символизм, черты которого ярко проявились и в творчестве Рахманинова. Произведения Рахманинова насыщены сложной символикой, выражаемой с помощью мотивов-символов, главным из которых является мотив средневекового хорала Dies Irae. Этот мотив символизирует у Рахманинова предчувствие катастрофы, «конца света», «возмездия».

В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов не только сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки (Литургия св. Иоанна Златоуста, 1910, Всенощное бдение, 1916), но и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.

Творчество Рахманинова принято условно делить на три или четыре периода: ранний (1889—1897), зрелый (его иногда делят на два периода: 1900—1909 и 1910—1917) и поздний (1918—1941).

Стиль Рахманинова, выросший из позднего романтизма, впоследствии претерпел значительную эволюцию. Подобно своим современникам А. Скрябину и И. Стравинскому Рахманинов по крайней мере дважды (ок. 1900 и ок. 1926) кардинально обновлял стиль своей музыки. Зрелый и особенно поздний стиль Рахманинова выходит далеко за пределы постромантической традиции («преодоление» которой началось еще в ранний период) и в то же время не принадлежит ни одному из стилистических течений музыкального авангарда XX в. Творчество Рахманинова, таким образом, стоит особняком в эволюции мировой музыки XX века: впитав многие достижения импрессионизма и авангарда, стиль Рахманинова остался неповторимо индивидуальным и своеобразным, не имеющим аналогов в мировом искусстве (исключая подражателей и эпигонов). В современном музыковедении часто используется параллель с Л. ван Бетховеном: так же, как и Рахманинов, Бетховен вышел в своем творчестве далеко за пределы воспитавшего его стиля (в данном случае — венского классицизма), не примкнув при этом к романтикам и оставшись чуждым романтическому миросозерцанию.

Первый — ранний период — начинался под знаком позднего романтизма, усвоенного главным образом через стиль Чайковского (Первый Концерт, ранние пьесы). Однако уже в Трио ре-минор (1893), написанном в год смерти Чайковского и посвященном его памяти, Рахманинов дает пример смелого творческого синтеза традиций романтизма (Чайковский), «кучкистов», древнерусской церковной традиции и современной бытовой и цыганской музыки. Это произведение — один из первых в мировой музыке примеров полистилистики — словно символически возвещает преемственность традиции от Чайковского — Рахманинову и вступление русской музыки в новый этап развития. В Первой Симфонии принципы стилистического синтеза были развиты еще более смело, что и послужило одной из причин ее провала на премьере.

Период зрелости отмечен формированием индивидуального, зрелого стиля, основанного на интонационном багаже знаменного распева, русской песенности и стиля позднего европейского романтизма. Эти черты ярко выражены в знаменитых Втором Концерте и Второй Симфонии, в фортепианных прелюдиях ор. 23. Однако начиная с симфонической поэмы «Остров мертвых» стиль Рахманинова усложняется, что вызвано, с одной стороны, обращением к тематике символизма и модерна, а с другой — претворением достижений современной музыки: импрессионизма, неоклассицизма, новых оркестровых, фактурных, гармонических приемов. Центральное произведение этого периода — грандиозная поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра, на слова Эдгара По в переводе К. Бальмонта (1913). Ярко новаторское, насыщенное небывало новыми хоровыми и оркестровыми приемами, это произведение оказало огромное влияние на хоровую и симфоническую музыку XX века. Тематика этого произведения характерна для искусства символизма, для данного этапа русского искусства и творчества Рахманинова: в нем символически воплощены различные периоды человеческой жизни, подводящей к неизбежной смерти; апокалипсическая символика Колоколов, несущая идею Конца Света, предположительно оказала влияние на «музыкальные» страницы романа Т. Манна «Доктор Фаустус».

Поздний — зарубежный период творчества — отмечен исключительным своеобразием. Стиль Рахманинова складывается из цельного сплава самых различных, порой противоположных стилистических элементов: традиций русской музыки — и джаза, древнерусского знаменного распева — и «ресторанной» эстрады 1930-х гг., виртуозного стиля XIX века — и жесткой токкатности авангарда. В самой разнородности стилистических предпосылок заключен философский смысл — абсурдность, жестокость бытия в современном мире, утрата духовных ценностей. Произведения этого периода отличаются загадочной символикой, смысловой полифонией, глубоким философским подтекстом.

Последнее произведение Рахманинова — Симфонические танцы (1941), ярко воплощающее все эти особенности, многие сравнивают с романом М. Булгакова «Мастер и Маргарита», законченным в это же время.

Значение композиторского творчества Рахманинова огромно: Рахманинов синтезировал различные тенденции русского искусства, различные тематические и стилистические направления, и объединил их под одним знаменателем — Русским национальным стилем. Рахманинов обогатил русскую музыку достижениями искусства XX века и был одним из тех, кто вывел национальную традицию на новый этап. Рахманинов обогатил интонационный фонд русской и мировой музыки интонационным багажом древнерусского знаменного распева. Рахманинов впервые (наряду со Скрябиным) вывел русскую фортепианную музыку на мировой уровень, стал одним из первых русских композиторов, чьи фортепианные произведения входят в репертуар всех пианистов мира. Рахманинов одним из первых осуществил синтез классической традиции и джаза.

Значение исполнительского творчества Рахманинова не менее велико: Рахманинов-пианист стал эталоном для многих поколений пианистов разных стран и школ, он утвердил мировой приоритет русской фортепианной школы, отличительными чертами которой являются: 1) глубокая содержательность исполнения; 2) внимание к интонационному богатству музыки; 3) «пение на фортепиано» — имитация средствами фортепиано вокального звучания и вокальной интонации. Рахманинов-пианист оставил эталонные записи многих произведений мировой музыки, на которых учатся многие поколения музыкантов.

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова

Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, один из старейших симфонических коллективов страны, отметил 80-летие в 2016 году. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936-1941), Натан Рахлин (1941-1945), Константин Иванов (1946-1965) и Евгений Светланов (1965-2000). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Евгения Светланова. В 2000-2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002-2011 гг. – Марк Горенштейн. 24 октября 2011 года художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами мира. С сезона 2016/17 главный приглашенный дирижер Госоркестра – Василий Петренко.

Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 году оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За пультом коллектива стояли Герман Абендрот, Эрнест Ансерме, Лео Блех, Николай Голованов, Курт Зандерлинг, Отто Клемперер, Кирилл Кондрашин, Лорин Маазель, Курт Мазур, Николай Малько, Игорь Маркевич, Евгений Мравинский, Шарль Мюнш, Мстислав Ростропович, Саулюс Сондецкис, Игорь Стравинский, Арвид Янсонс, Шарль Дютуа, Геннадий Рождественский, Леонард Слаткин, Юрий Темирканов, Михаил Юровский, Валерий Гергиев, Александр Лазарев, Андрей Борейко, Александр Ведерников, Ион Марин, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали певцы Ирина Архипова, Галина Вишневская, Сергей Лемешев, Елена Образцова, Мария Гулегина, Пласидо Доминго, Монсеррат Кабалье, Йонас Кауфман, Дмитрий Хворостовский, пианисты Эмиль Гилельс, Ван Клиберн, Генрих Нейгауз, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мария Юдина, Валерий Афанасьев, Элисо Вирсаладзе, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Алексей Любимов, Борис Березовский, Николай Луганский, Денис Мацуев, скрипачи Леонид Коган, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Максим Венгеров, Виктор Пикайзен, Вадим Репин, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, альтист Юрий Башмет, виолончелисты Мстислав Ростропович, Наталия Гутман, Александр Князев, Александр Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов Вальтрауд Майер, Анны Нетребко, Хиблы Герзмавы, Александрины Пендачанской, Надежды Гулицкой, Екатерины Кичигиной, Ильдара Абдразакова, Дмитрия Корчака, Василия Ладюка, Рене Папе, пианистов Мицуко Учиды, Рудольфа Бухбиндера, скрипачей Леонидаса Кавакоса, Патриции Копачинской, Юлии Фишер, Дэниела Хоупа, Николая Цнайдера, Сергея Крылова. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры Станислав Кочановский, Андрис Пога, Мариус Стравинский, Филипп Чижевский, пианисты Люка Дебарг, Филипп Копачевский, Ян Лисецкий, Дмитрий Маслеев, Александр Романовский, скрипачи Алена Баева, Айлен Притчин, Валерий Соколов, Павел Милюков, виолончелист Александр Рамм.

Впервые побывав за рубежом в 1956 году, оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений Александра Вустина, Сергея Слонимского, Антона Батагова, Андрея Семёнова, Владимира Николаева, Олега Пайбердина, Ефрема Подгайца, Юрия Шерлинга, а также российские премьеры произведений Бетховена – Малера, Скрябина – Немтина, Орфа, Берио, Штокхаузена, Тавенера, Куртага, Адамса, Сильвестрова, Щедрина, Тарнопольского, Геннадия Гладкова; принял участие в XV Международном конкурсе имени Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; трижды участвовал в фестивале актуальной музыки «Другое пространство»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

В сентябре 2015 года Владимир Юровский объявил о долгосрочном проекте «80 премьер», в рамках которого отметивший 80-летие коллектив на протяжении нескольких сезонов исполняет восемьдесят премьер – мировых, российских и московских. С января 2016 года Госоркестр реализует специальный проект по поддержке композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество с современными российскими авторами. Первым в истории Госоркестра «композитором в резиденции» стал Александр Вустин.

За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 года носит почетное звание «академический»; в 1986 году был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.