«Золотые голоса России». Хибла Герзмава, Василий Ладюк. Музыкальный фестиваль Василия Ладюка «Опера Live»
Каталог концертов

«Золотые голоса России». Хибла Герзмава, Василий Ладюк. Музыкальный фестиваль Василия Ладюка «Опера Live»

Год выхода:
2014
Страна производитель:
Россия
Длительность:
117 мин.

Хибла Герзмава

Хибла Герзмава родилась в 1970 году в Пицунде. В 1989 году окончила Сухумское музыкальное училище по классу фортепиано, в 1994 — Московскую консерваторию по классу сольного пения (у профессора И.Масленниковой и профессора Е.Арефьевой), в 1996 — аспирантуру у И.Масленниковой. Также три года факультативно занималась в классе органа.

В годы учебы завоевала ряд премий на престижных международных конкурсах: «Вердиевские голоса» в Буссето (III премия), им. Н.А.Римского-Корсакова в Санкт-Петербурге (II премия), им. Ф.Виньяса в Испании (II премия). Наибольшего успеха певица достигла на Х Международном конкурсе им. П.И.Чайковского в Москве в 1994 году, завоевав Гран-при — единственное за всю более чем полувековую историю этого состязания.

С 1995 года Хибла Герзмава — солистка Московского академического музыкального театра им. К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко (дебютировала в партии Мюзетты в опере Пуччини «Богема»). В репертуаре певицы партии в операх «Руслан и Людмила» Глинки, «Сказка о царе Салтане», «Снегурочка», «Золотой петушок» и «Царская невеста» Римского-Корсакова, «Евгений Онегин» Чайковского, «Мавра» Стравинского, «Обручение в монастыре» Прокофьева, «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан» Моцарта, «Севильский цирюльник» Россини, «Лючия ди Ламмермур», «Любовный напиток» и «Дон Паскуале» Доницетти, «Риголетто», «Травиата», «Бал-маскарад» и «Фальстаф» Верди и ряде других, в оперетте И. Штрауса «Летучая мышь».

С театром им. Станиславского и Немировича-Данченко певица гастролировала в Корее, США и других странах. Пела на сценах Мариинского театра, «Театро Комунале» во Флоренции, «Гранд Театро де Лисео» в Барселоне, Софийской Национальной оперы в Болгарии, Театра Елисейских Полей и Театра дю Шатле в Париже, театра «Ковент Гарден» в Лондоне, Палау де лез Артс Королевы Софии в Валенсии, Токийском Бунка Кайкан в Японии и других.

Хибла Герзмава постоянно выступает с концертными программами. В концертном репертуаре певицы — 9-я симфония Бетховена, Реквиемы Моцарта и Верди, оратории Генделя («Иуда Маккавей») и Гайдна («Сотворение мира», «Времена года»), «Кофейная кантата» Баха; вокальные циклы Шумана («Любовь и жизнь женщины»), Р.Штрауса («Четыре последние песни»), Равеля («Шехеразада»); романсы Глинки, Чайковского, Римского-Корсакова, Рахманинова, Прокофьева, Мясковского, Ипполитова-Иванова.

Певице рукоплескали залы России, Швеции, Франции, Голландии, Бельгии, Австрии, Испании, Греции, Турции, США, Японии. Сотрудничает с В.Спиваковым и Национальным филармоническим оркестром России и «Виртуозами Москвы», А.Рудиным и оркестром Musica Viva, В.Гергиевым, В.Федосеевым, А.Лазаревым, М.Плетнёвым, В.Синайским, Ю.Башметом, Л.Маазелем. Участница фестивалей в Людвигсбурге (Германия; исполняла партию Евы в «Сотворении мира» Й.Гайдна и партию Ангела-хранителя в опере Э. де Кавальери «Представление о Душе и Теле»), в Кольмаре (Франция), «Владимир Спиваков приглашает…», «Посвящение…» в Государственной Третьяковской галерее, ArsLonga и других. Записала несколько компакт-дисков: Ave Maria, «Хибла Герзмава исполняет русские романсы», «Восточные романсы Хиблы Герзмава» и другие.

Певица — один из организаторов Фестиваля классической музыки «Хибла Герзмава приглашает», который проводится в Абхазии с 2001 года. Она была членом жюри конкурса имени Валерии Барсовой в Сочи и «Конкурса конкурсов» на Собиновском фестивале в Саратове.
Искусство Хиблы Герзмава отмечено многими наградами. Она — лауреат театральной премии Московского оперного фестиваля (2000) в номинации «Лучшая певица», лауреат театральной премии «Золотой Орфей» (2001) в номинации «Лучшая певица года». В 2006 удостоена званий заслуженной артистки РФ и народной артистки Республики Абхазия.

Особенно щедрым на запоминающиеся события стал в биографии певицы 2010 год.

Она была удостоена Российской оперной премии Casta Diva и Национальной театральной премии «Золотая Маска» за исполнение партии Лючии в спектакле театра им. К.С.Станиславского и В.И.Немировича-Данченко «Лючия ди Ламмермур», Премии города Москвы за исполнение ведущих партий в операх «Травиата», «Лючия ди Ламмермур» и в спектакле-концерте «Вечер классической оперетты». В сентябре и октябре Хибла Герзмава блестяще дебютировала на сцене Нью-Йоркской «Метрополитен Опера» в опере Оффенбаха «Сказки Гофмана» (Антония/Стелла).

Василий Ладюк

«Блистательный Онегин», «благородный Жермон», «искрометный и обаятельный Фигаро» – так пишут критики о ярких образах, созданных Василием Ладюком. Его голос – лирический баритон с красочной тембральной палитрой – украшает оперные постановки в России и за рубежом. Ладюк – ведущий солист Московского театра «Новая Опера» имени Колобова (с 2003 года), приглашенный солист Большого театра России (с 2007); выступает на сценах Мариинского театра, Метрополитен-оперы, Хьюстонской Большой оперы, театров Реджио и Ла Фениче, Норвежской Королевской оперы и многих других.

Выпускник Московского хорового училища имени Свешникова и Академии хорового искусства имени Попова (вокальный и дирижерско-хоровой факультеты, 2001), Ладюк совершенствовал мастерство в аспирантуре Академии (класс профессора Дмитрия Вдовина), на мастер-классах специалистов из театров Ла Скала, Метрополитен-оперы, Хьюстонской Большой оперы (2002-2005).

Уже в начале творческого пути музыкант стал победителем престижных международных конкурсов: имени Франсиско Виньяса в Барселоне (Гран-при и приз зрительских симпатий), «Опералии» Пласидо Доминго в Мадриде (Первая премия) и конкурса вокалистов в Сидзуоке в Японии (Гран-при). Затем последовали успешные выступления в крупнейших оперных театрах мира – Мариинском, Парижской опере, Метрополитен-опере, Ла Скала, Ковент-Гардене. В репертуаре певца свыше тридцати оперных и кантатно-ораториальных партий.

Ладюк сотрудничал с выдающимися дирижерами и режиссерами, среди которых Валерий Гергиев, Пласидо Доминго, Владимир Спиваков, Владимир Федосеев, Михаил Плетнев, Дмитрий Юровский, Джеймс Конлон, Джанандреа Нозеда, Андрей Кончаловский, Дмитрий Черняков, Франческа Замбелло, Каспер Холтен. Выступления артиста проходили в Брюсселе, Осло, Венеции, Турине, Токио, Хьюстоне. Ладюк – постоянный участник фестивалей «Владимир Спиваков приглашает», «Черешневый лес», «Крещендо» Дениса Мацуева, а также Международного музыкального фестиваля в Кольмаре (Франция). Ладюк – инициатор и художественный руководитель Музыкального фестиваля «ОПЕРА Live», в 2016 году состоявшегося в третий раз.

Ладюк принимал участие в спектакле «Милый друг», посвященном Петру Ильичу Чайковскому и Надежде Филаретовне фон Мекк, который был поставлен в Букингемском дворце при содействии принца Чарльза. Участвовал в работе жюри проекта телеканала «Культура» «Большая опера». Награжден Молодежной премией «Триумф» (2009) и «Премией Олега Янковского» (номинация «Творческое открытие», 2011-2012).

Лев Конторович

Народный артист России, профессор Лев Конторович с отличием окончил Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского (1969), где занимался хоровым дирижированием у К. Б. Птицы, симфоническим дирижированием у Л. М. Гинзбурга и инструментовкой у А. Г. Шнитке. Уже с первых шагов своей творческой деятельности в качестве дирижера и педагога он заявил о себе как о ярком, талантливом музыканте, обладающим широким музыкальным кругозором.

В течение 30 лет продолжалась активная деятельность Льва Конторовича в Московском хоровом училище имени А. В. Свешникова, а затем в созданной на базе училища Академии хорового искусства имени В. С. Попова. С 1996 года он — профессор, с 2012 года — заведующий кафедрой Современного хорового исполнительского искусства Московской консерватории. Ученики Л. Конторовичауспешно работают в хоровых коллективах, музыкальных театрах и учебных заведениях России и за рубежом.

Львом Конторовичем подготовлено множество концертных программ, включивших в себя хоровые произведения крупных и малых форм разных эпох и стилей. Он участвовал в международных фестивалях музыки И. С. Баха в Германии, Международных фестивалях хоров мальчиков в Грасе (Франция) и Познани (Польша), Европейском фестивале Православной музыки, посвященном 1000-летию Крещения Руси (Москва, Германия, Франция, Люксембург), Европейском симпозиуме хоровой музыки в Любляне (Словения).

В 1997 году Л. Конторович создал Камерный хор «Духовное возрождение» Московского государственного института музыки имени А. Г. Шнитке.
В 2005 году он был приглашен на должность художественного руководителя Академического Большого хора «Мастера хорового пения» Российского государственного музыкального телерадиоцентра. Под его руководством обновленный состав хора успешно продолжает традиции, заложенные предшественниками. Отличительной чертой Академического Большого хора является виртуозное исполнение большого количества произведений мировой классики в оригинальных переложениях Льва Конторовича для хора a cappella.

В 2013 году Лев Конторович был художественным руководителем Всероссийского мастер-класса «Национальный молодежный хор» для учащихся высших и средних учебных заведений России, а также организатором творческой встречи — мастер-класса с основателем Международной Баховской академии Хельмутом Риллингом в Штутгарте. В 2014 году был заместителем председателя жюри Первого Международного конкурса хоровых дирижеров имени Бориса Тевлина. В 2015 году — председателем жюри Всероссийского хорового фестиваля, организованного Всероссийским хоровым обществом, и Всероссийского музыкального конкурса по специальности «хоровое дирижирование». Проводит мастер-классы в городах России, Болгарии, Доминиканской Республике, Коста-Рике.

Лев Конторович — главный хормейстер Сводного хора празднования Дня Славянской письменности и культуры на Красной площади (с 2014 года) и концерта, посвященного 70-летию Победы у Театра Российской армии (9 мая 2015 года). 21 марта 2015 года в Храме «Всех скорбящих радости» на Большой Ордынке состоялась торжественная служба, посвященная юбилею С. Рахманинова, которую проводил митрополит Иларион. На ней под управлением Льва Конторовича было исполнено «Всенощное бдение» Рахманинова.

Со Львом Конторовичем в разные годы сотрудничали выдающиеся дирижеры: Мстислав Ростропович, Евгений Светланов, Владимир Спиваков, Владимир Федосеев, Михаил Плетнёв, Валерий Полянский, Владимир Юровский, Хельмут Риллинг, Альберто Дзедда, Сейджи Озава, Кент Нагано, Константин Орбелян, Эннио Морриконе, Кристоф Эшенбах и многие другие. В сопровождении хоров, руководимых Львом Конторовичем, исполняли свои концертные программы знаменитые певцы: Иван Козловский, Николай Гедда, Владислав Пьявко, Дмитрий Хворостовский, Владимир Маторин, Анна Нетребко, Мария Гулегина, Хибла Герзмава, Динара Алиева, Василий Ладюк, Любовь Казарновская, Демис Руссос, Роберто Аланья, Хосе Кура.

В 2014 году «За примерное служение Отечеству и высокополезные труды во благо Государства Российского» профессору Л. З. Конторовичу была объявлена Благодарность Главы Российского Императорского Дома Великой Княгини Марии Владимировны.

Джоаккино Россини

«Солнцем Италии» назвал Генрих Гейне композитора Джоаккино Россини и был прав. Россини завершает период классицизма в итальянской музыке и одновременно является представителем только зарождающейся национальной школы, тесно связанной с народными традициями.
Он родился 29 февраля 1792 года в небогатой семье в Пезаро. Еще маленьким мальчиком Джоаккино выступал в опере, исполнив роль маленького Адольфо в опере Фердинандо Паэра «Камилла». Первое появление оказалось очень успешным.

Многие современники пророчили юному Джоаккино блистательную певческую карьеру. Мальчик имел все данные для этого. Однако желание сочинять музыку взяло верх. Для семейной труппы Момбелли он пишет оперу «Деметрио и Полибио». Впервые опера увидела свет через 6 лет после ее написания, 18 мая 1812 года в римском театре «Балле», поразив современников теплыми и искренними чувствами, столь мало свойственными серьезной опере того времени. После этого опера «Деметрио и Полибио» ставилась многими крупнейшими театрами Европы.

Неотвратимая сила властно влекла Джоаккино к музыке. Могучий талант юного музыканта настойчиво напоминал о себе. Но чем больше он сочинял, тем больше становились заметны его пробелы в знаниях. И чем дальше, тем больше чувствовалась потребность в систематических, серьезных занятиях.

Как раз в то время в Болонье открылся музыкальный лицей под названием «Городская филармоническая школа», куда Джоаккино и поступил через два года после его открытия весной 1806 года.

Джоаккино четыре года учится в лицее, овладевает такой сложной дисциплиной, как контрапункт. Учиться было интересно, но сложные финансовые обстоятельства его семьи заставляли юношу все больше и больше работать.

Наконец учеба закончилась, и Джоаккино полностью посвятил себя работе. Но то, что Россини делал, ничем не отличалось от его приработков во время учебы: аккомпанемент речитативам в театре, сочинение вставных или самостоятельных концертных арий... Разве об этом мечтал начинающий композитор?

Удача пришла неожиданно. Еще с прежних артистических времен родители Джоаккино сохранили теплые дружеские отношения с музыкальной семьей Моранди. Благодаря поддержке Моранди юный композитор получает заказ на оперу для венецианского театра «Сан-Мойзе». Проходит два года, и юный маэстро пишет оперу уже для знаменитого «Ла Скала» с символическим названием «Пробный камень».

Успех был огромный. После премьеры, состоявшейся 26 сентября 1812 года, опера выдержала более 50 представлений и принималась слушателями неизменно с горячим одобрением.

На следующий день после премьеры газета «Миланский курьер» писала: «Россини - молодой гений, который подает надежду, что достигнет превосходных результатов. Воспитанный на принципах строгой школы, он отличается от множества современных композиторов великолепным и живым колоритом, самобытным стилем».

Итак, испытание в «Ла Скала» окончилось благополучно. Успех «Пробного камня», сделавший имя Россини известным, поставил молодого композитора наравне с самыми известными музыкантами. Джоаккино в 20 лет уже был автором шести опер, каждая из которых явилась очередным шагом на пути совершенствования композиторского мастерства.

В конце 1812 года, при подписании контракта с театром «Фениче», Россини предложили сюжет «Танкреда». Молодой композитор с радостью взялся писать оперу на героическую рыцарскую тему.

Либретто этой исторической мелодрамы написал известный тогда либреттист Гаэтано Росси. В его основу была положена вольтеровская трагедия. Вольтер! Мятежный французский мыслитель! Многие его идеи были созвучны настроениям итальянцев. На премьере «Танкреда» партию главного героя исполняла обладательница замечательного контральто Аделаида Меланотте-Монтрезор. Как все примадонны, она была капризна. Уже на генеральной репетиции Аделаида неожиданно заявила, что ей не нравится выходная ария, как раз та, которую Танкред исполняет по прибытии на родину. Что делать? Расстроенный Джоаккино вернулся домой. Как только Россини вошел, лакей спросил, начинать ли готовить рис. Маэстро кивнул, прошел в комнату, и вдруг его осенила мысль! В считанные минуты он записал пришедшую в голову мелодию, которая и стала выходной арией Танкреда «После всех волнений». Когда Джоаккино кончил писать, вошел лакей и сказал, что рис готов. Вот с тех пор ария и получила свое второе название - «ария риса».

Уже на следующий день после премьеры вся Венеция распевала арию «После всех волнений». Все газеты славили Россини. Все это окрылило молодого композитора в его стремлении к правдивости музыкально-сценической ситуации.

Сразу после триумфа «Танкреда», последовало предложение написать оперу от театра «Сан-Бенедетто». Новая опера должна была стать комической. Либретто (автор - поэт Анджело Анел-ли) оказалось интересным, содержало много удобных для музыкального воплощения эпизодов и живых сценических ситуаций. Да и его турецкая тематика была очень популярна в то время. Новое произведение называлось «Итальянка в Алжире».

Россини с энтузиазмом принялся за создание партитуры «Итальянки». 23 дня напряженного труда - и опера готова!

22 мая 1813 года, в день премьеры «Итальянки в Алжире», театр «Сан-Бенедетто» буквально ломился от зрителей. Россини занял место за клавичембало. Уже увертюра своим контрастом напыщенной величавости и все сметающим на своем пути потоком жизнерадостных звуков настроила слушателей на восприятие смешных и несуразных событий. Это как раз то, чего хотел Россини. И хотя итальянцы не имели привычки вслушиваться в увертюру, нововведение оказалось настолько очаровательным, что заставило обратить на себя внимание. Это был настоящий триумф искусства Россини.

Оперы его ставились одна за другой. Он подписал новый контракт с театром «Ди Торре Арджентина». Сюжет - из комедии Бомарше - предложил сам Россини. «Севильский цирюльник»! И пламенное вдохновение повлекло молодого композитора к созданию шедевра, восхитившего весь мир.

«Севильский цирюльник» замечательного французского комедиографа Пьера Огюстена Бомарше появился на свет в преддверии Великой французской революции. В 1775 году он был поставлен в одном из ведущих театров Парижа - «Комеди Франсез».

«Севильский цирюльник» был неоднократно взят за основу либретто. Первым после премьеры в «Комеди Франсез» взялся за этот сюжет Фридрих Людвиг Бенда, чья одноименная опера прозвучала еще в 1776 году в Дрездене. Джованни Паизиелло создал своего «Цирюльника» для Петербурга в 1782 году. В том же году появилась и опера «Тщетная предосторожность» Йозефа Вейгля. Затем за нашумевшую комедию французского мастера брались Захарий Эльспергер, Петер Шульц, Николо Изуао.

Чезаре Стербини начал сочинять либретто только 16 января 1816 года! Уму непостижимо, какая же должна была быть спешка, ведь первоначально герцог хотел назначить премьеру на 5 февраля. Как только появились первые стихи, Стербини сразу передал их Россини. И работа закипела! Впоследствии Россини рассказывал, что оперу «Севильский цирюльник» он сочинил всего за две недели. Скорость поистине фантастическая.

Однако спешка спешкой, а жизнь жизнью. Неугомонный и жизнерадостный Джоаккино просто не мог существовать без общения, шуток, смеха. Времени на все не хватало, но он был уверен, что опера будет готова к сроку. Много лет спустя Россини вспоминал: «...У меня быстро возникали идеи, и мне не хватало только времени, чтобы записывать их. Я никогда не принадлежал к тем, кто потеет, когда сочиняет музыку». Может быть, именно поэтому он мог бросить работу в самом разгаре ради дружеской пирушки?

Закончилось первое представление оперы, и у героев Россини, которым его вдохновение подарило музыкальную жизнь, все неприятное «рассеялось, как дым». А над головой их создателя тучи сгустились. Опера провалилась с треском. Россини стоически выдержал спектакль до конца и сразу ушел домой. Конечно, на душе было скверно. Но его трезвый рассудок подсказывал, что отрицательное суждение публики еще не означает действительно плохого качества музыки. Да, вкусы тех, для кого он создавал свои творения, были переменчивы!

Джельтруда Ригетти-Джорджи, одна из актрис, рассказывала, что «на следующий день Россини убрал из своей партитуры все то, что казалось ему действительно достойным порицания». Но было неизвестно, какое впечатление произведут на публику эти изменения. А выдерживать оскорбления оказалось слишком тяжело. Джоаккино притворился больным, чтобы, согласно контракту, не идти в театр и не появляться за чембало. И напрасно! В этот день оперу выслушали с большим вниманием и наградили бурными аплодисментами! Теперь-то создание Джоаккино нашло путь к сердцам слушателей. Театр звенел от «Да здравствует синьор маэстро Россини!»

Римский триумф «Цирюльника» был поистине ошеломляющим. Римляне, обычно довольно сдержанные в выражении своих чувств, буквально носили Джоаккино на руках. И двадцатичетырехлетний композитор по достоинству наслаждался славой.

В то же году Россини получил предложение написать серьезную оперу для королевского театра «Дель Фондо» на сюжет трагедии «Отелло» Шекспира. Молодой композитор с радостью согласился, поскольку обращение к творчеству великого английского драматурга было для него заманчивой перспективой.

Россини первым открыл непочатый в оперной литературе край этических, моральных и философских ценностей английского драматурга.
Согласно свидетельствам современников, постановка встретила благосклонный прием публики и на премьере, и на последующих спектаклях.

В творчестве Россини «Отелло» занимает значительное место. Ведь эта опера явилась новым этапом в восхождении композитора к правдивой драматической выразительности музыки. И в то же время она стала переломным моментом в развитии оперного творчества Джоаккино. Как же быстро идет время! Когда Джоаккино подписывал контракт с театром «Балле» на карнавальный сезон 1817 года, было 29 февраля 1816-го. Молодой маэстро даже думать тогда не хотел о будущей комической опере, ведь впереди целый год. Но в конце ноября он не смог представить копиистам первый акт, а в середине декабря - второй. Композитор приехал в Рим только в конце декабря. И вот за два дня до Рождества началось обсуждение сюжета будущей оперы. Контракт «горел»! К карнавальному сезону театр «Балле» оказывался без новой комической оперы. Тогда сочинять либретто предложили Ферретти. Тот предлагал один сюжет за другим, и десять, и двадцать, и тридцать, но все отвергалось. Пока либреттист не назвал «Золушку». Джоаккино сразу загорелся этой идеей и согласился. Он не ждал окончания всего текста, и опера была спешно написана, спешно отрепетирована и столь же спешно поставлена. Да и исполнители были посредственными. Подобное стечение обстоятельств ничего хорошего не предвещало. Так и случилось: актеры плохо пели и играли, да и завистники Россини постарались. И «Золушка» оказалась на грани провала. Один только Джоаккино оставался спокоен - ему это было не впервой, а в качествах своей музыки он не сомневался. Да и чувствовал, что знаменитая сказка в своем музыкальном воплощении должна найти путь к сердцам слушателей. Так и вышло, опера в дальнейшем шла с успехом.

Отдых композитора, как всегда, был недолог. И уже 19 марта 1817 года Джоаккино сообщает матери в Болонью: «Пищу оперу, которая называется «Сорока-воровка». Либретто, недавно положенное на стихи, сводит меня с ума... сюжет превосходен». Трагедия простых людей, их чувства и переживания - какая благодатная почва для воплощения реалистических устремлений композитора! Работа над оперой шла своим чередом. И вот 31 мая 1817 года в театре «Ла Скала» состоялась долгожданная премьера. Зрители были буквально ошеломлены красотой и необычностью этого произведения.

Едва отгремели аплодисменты в знаменитом театре «Ла Скала», композитор снова отправился в путь. Так и текла жизнь Джоаккино Россини - в постоянных переездах с места на место, в спешке, в стремительном сочинении опер, в торопливых их постановках, в пререканиях с исполнителями и импресарио.

Однако в марте 1822 года в его жизни произошло событие иного рода. На сей раз это было не пикантное приключение, а серьезно обдуманный поступок - Россини решил жениться. И его избранницей стала очаровательная примадонна театра «Сан-Карло» Изабелла Кольбран. Их знакомство, начавшееся за 7 лет до того с постановки оперы «Елизавета, королева Английская» и перепалки постепенно переросло в крепкую привязанность и верную дружбу, на основе которой возникла любовь.

При всей любви к бродячей артистической жизни Джоаккино уже достиг того возраста (30 лет), когда его могли привлечь прелести размеренной семейной жизни.

Теперь уже с молодой женой в конце 1822 года Россини спешно направился в Венецию. Там театр «Ла Фениче» с нетерпением ждал обещанной к этому карнавальному сезону новой оперы.

Замысел этого произведения возник у Джоаккино давно. Россини вновь хотел перенести на оперную сцену трагедию Вольтера. Его выбор пал на «Семирамиду».

Необычайно красочно в опере использованы хоры, которые вплетаются естественно и непринужденно в общий ход драматического действия с его ансамблевыми и сольными номерами. Большим богатством отличается и гармонический язык «Семирамиды», и ее оркестровка.

Прием оперы был восторженным сверх всех ожиданий. Сразу после увертюры раздалась буря аплодисментов. Правда, первое действие было принято весьма настороженно, зато второе уже прерывалось выражениями искреннего одобрения. После спектакля была длительная овация. В первый вечер композитор вызывался 9 раз!

В 1824 году композитор принимает предложение занять пост директора «Театр Итальен» в Париже и надолго остается во Франции. Постепенно поняв запросы и нравы парижан, их вкусы и привычки, Россини решился написать оперу специально для Парижа. Хотя первые пробы были сделаны в жанре большой оперы, Россини решил написать оперу комическую. Либреттисты Скриб и Делетр-Пуарсон предложили сюжет, использованный ими в 1813 году при создании комедии «Граф Ори».

В его основе старинная пикардийская баллада. Действие происходит в XIII веке в Турени. Комедия, насыщенная веселыми происшествиями и остроумными, порой даже пикантными положениями, увлекла композитора, работа спорилась, и опера, содержащая хоровые и ансамблевые сцены, два обширных финала, оркестровые и сольные сцены, была закончена меньше чем за месяц.

Премьера, состоявшаяся 20 августа 1828 года, принесла ошеломляющий успех. Парижскую прессу буквально захлестнул шквал хвалебных откликов. Однако целью Россини было создание народно-героической оперы... Мысли композитора уже были заняты «Вильгельмом Теллем».

Герой и народ - вот тема «Вильгельма Телля», еще новая для оперного искусства. Открывается опера увертюрой, которая поражает необычностью и новизной своего решения. Это целая симфоническая поэма, программная по смыслу, естественно и непринужденно вводящая слушателя в образный мир будущих событий. Ее назначение не столько в том, чтобы приготовить к восприятию грядущих драматических событий, сколько создать эмоциональную атмосферу произведения. И эта самая эмоциональная связь увертюры с оперой очевидна, хотя нет связей тематических. Перед нами предстает цепь различных эпизодов: лирических и драматических, живописных и эпических, единых с оперой по смыслу.

Долгожданная премьера состоялась 3 августа 1829 года. Париж был потрясен. События оперы удалены от современности по времени, но разве восстание против угнетателей не перекликалось с настроениями парижан последнего предреволюционного года? Россини отлично понимал революционную сущность произведения. Он всегда придерживался прогрессивных взглядов.

Шедевр! Но оперу ждала судьба всех творений, прямо откликавшихся на злобу дня в те времена. Начались бессовестные сокращения не только целых кусков, но и актов. Посещалась опера не очень хорошо. Конечно, автор был уязвлен таким отношением.

А опера тем временем начала свое шествие по театрам мира. В Италии, чтобы попасть на сцену, ей пришлось претерпеть ряд сюжетных поправок. В Германии цензура изменила название на «Андреас Гофер», тем самым приблизив к современности. Ведь это было имя предводителя тирольских крестьян в начале XIX века! В России цензура назвала оперу «Карл Смелый». Но музыка итальянского композитора приживалась в разных странах, восхищая слушателей красотой и изяществом, потрясая драматической страстностью, говоря языком правдивым и романтически приподнятым.

В 37 лет Россини был самым знаменитым, самым богатым и самым модным оперным композитором. Но вдруг неожиданно для всех прекратил сочинять оперы. Может быть, он устал от непрекращающейся бесконечной работы и приводящих в изнеможение переездов из театра в театр, где ставились его произведения, и пожелал покоя?

Определенно известно только то, что кроме эмоционально насыщенной «Stabat mater» и нескольких еще небольших вещей, написанных скорее ради развлечения, он больше до своей смерти 13 ноября 1868 года ничего не написал. Но все созданное им навсегда останется огромным вкладом в искусство музыки.

Винченцо Беллини

Винченцо Сальваторе Кармело Франческо Беллини (3 ноября 1801, Катания, Сицилия — 23 сентября 1835, Пюто, близ Парижа) — итальянский композитор.

Происходил из семьи музыкантов (отец — дирижер, дед — органист и композитор). Учился в Неаполитанской консерватории. Написал 11 опер, из которых большим успехом пользовались «Капулетти и Монтекки» (1830, театр «Фениче», Венеция), «Сомнамбула» (1831, театр «Каркано», Милан), «Пуритане» (1835, «Театр Итальен», Париж). Наиболее значительное произведение — опера «Норма» (1831, театр «Ла Скала», Милан).

Постановки опер Беллини часто сопровождались патриотическими демонстрациями: в условиях роста национально-освободительного движения в Италии зрители находили в его операх актуальное политическое содержание. Беллини — крупнейший мастер итальянского стиля бельканто. Основу его музыки составляет яркая вокальная мелодика, гибкая, пластичная, отличающаяся непрерывностью развития. На произведениях Беллини совершенствовали своё искусство выдающиеся итальянские певцы.

23 сентября 1835 года в предместье Парижа Беллини скончался от острого воспаления кишечника, осложненного абсцессом печени. Прах композитора покоится на Сицилии, в кафедральном соборе города Катания.

Павел Чесноков

Чесноков Павел Григорьевич (24 (12) октября 1877 — 14 марта 1944) — русский хоровой дирижер, композитор, церковный регент, профессор Московской консерватории (с 1921 года).

Родился 24 (12 по старому стилю) октября 1877 года близ города Воскресенска (ныне Истра) Звенигородского уезда Московской губернии в семье церковного регента. Кроме Павла, у Григория Чеснокова было еще два сына — Алексей и Александр (последний также был известен как духовный композитор, автор многих произведений для хора, в том числе «Литургии» op. 8 для смешанного хора). В 1895-1916 преподаватель Синодального училища (Народная хоровая академия), в 1917-1922 главный дирижер Московского государственного хора, в 1922-1928 руководитель Московской капеллы. Автор первого отечественного капитального труда по хороведению. Скончался в Москве 14 марта 1944 года.

Сергей Рахманинов

Сергей Васильевич Рахманинов (1 апреля (20 марта) 1873 — 28 марта 1943) — русский композитор, пианист и дирижер.

Синтезировал в своем творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.

Сергей Васильевич Рахманинов родился 1 апреля 1873 года в дворянской семье. Долгое время местом рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода; исследования последних лет называют усадьбу Семеново Старорусского уезда Новгородской губернии (Россия).

Отец композитора, Василий Аркадьевич (1841―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным. Мать, Любовь Петровна (урожденная Бутакова) ― дочь директора Кадетского корпуса генерала П. И. Бутакова. Дед композитора по отцовской линии, Аркадий Александрович, был музыкантом, учился игре на фортепиано у Дж. Филда и выступал с концертами в Тамбове, Москве и Петербурге. Сохранились романсы и фортепианные пьесы его сочинения, в том числе «Прощальный галоп 1869-му году» для фортепиано в четыре руки. Василий Рахманинов тоже был музыкально одаренным, но музицировал исключительно любительски.

Интерес С. В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская. При ее поддержке осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В. В. Демьянского [4]. Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н. С. Звереву.

Несколько лет провел Рахманинов в известном московском частном пансионе музыкального педагога Николая Зверева, воспитанником которого был также Александр Николаевич Скрябин и многие другие выдающиеся русские музыканты (Александр Ильич Зилоти, Константин Николаевич Игумнов, Арсений Николаевич Корещенко, Матвей Леонтьевич Пресман и др). Здесь в возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Петру Ильичу Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта.

В 1888 году Рахманинов продолжил обучение на старшем отделении Московской консерватории в классе двоюродного брата А. И. Зилоти, а спустя год под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского начал заниматься композицией.

В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист (у А. И. Зилоти) и как композитор с большой золотой медалью. К тому времени появилась его первая опера — «Алеко» (дипломная работа) по произведению А. С. Пушкина «Цыганы», первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для фортепиано, в том числе, прелюдия до-диез минор, которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова.

В возрасте 20 лет, из-за нехватки денег, он стал преподавателем в московском Мариинском женском училище, в 24 года — дирижером Московской русской частной оперы Саввы Мамонтова, где работал в течение одного сезона, однако успел сделать значительный вклад в развитие русской оперы.

Рахманинов рано приобрел известность как композитор, пианист и дирижер. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии (дирижер — А. К. Глазунов), которая окончилась полным провалом как из-за некачественного исполнения, так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки. По мнению А. В. Оссовского, определенную роль сыграла неопытность Глазунова как руководителя оркестра во время репетиций[5]. Это событие послужило причиной серьезной нервной болезни. В течение 1897—1901 годов Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра, доктора Николая Даля, помогла ему выйти из кризиса.

В 1901 году закончил свой Второй фортепианный концерт, создание которого ознаменовало выход Рахманинова из кризиса и одновременно — вступление в следующий, зрелый период творчества. Вскоре он принял приглашение занять место дирижера в московском Большом театре. После двух сезонов отправился в путешествие по Италии (1906 г.), затем на три года поселился в Дрездене, чтобы полностью посвятить себя композиции. В 1909 году Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижер. В 1911 году С. В. Рахманинов, находясь в Киеве, по просьбе своего друга и коллеги А. В. Оссовского прослушал молодую певицу Ксению Держинскую, вполне оценив ее талант; он сыграл большую роль в становлении оперной карьеры знаменитой певицы [5].

Вскоре после революции 1917 года воспользовался неожиданно пришедшим из Швеции предложением выступить в концерте в Стокгольме и в конце 1917 года вместе с женой Натальей Александровной и дочерьми покинул Россию. В середине января 1918 года Рахманинов отправился через Мальме в Копенгаген. 15 февраля он впервые выступил в Копенгагене, где сыграл свой Второй концерт с дирижером Хеэбергом[6]. До конца сезона он выступил в одиннадцати симфонических и камерных концертах, что дало ему возможность расплатиться с долгами.

1 ноября 1918 года, вместе с семьей, отплыл из Норвегии в Нью-Йорк. Вплоть до 1926 года не писал значительных произведений; творческий кризис, таким образом, продолжался около 10 лет. Лишь в 1926—1927 гг. появляются новые произведения: Четвертый концерт и Три русские песни. В течение жизни за рубежом (1918—1943 гг.) Рахманинов создал всего 6 произведений, которые принадлежат к вершинам русской и мировой музыки.

Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан одним из величайших пианистов своей эпохи и крупнейшим дирижером. В 1941 году закончил свое последнее произведение, многими признанное как величайшее его создание, — Симфонические танцы. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии. Денежный сбор от одного из своих концертов передал в Фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу».

Последние годы Рахманинова были омрачены смертельной болезнью (рак легких). Однако несмотря на это, он продолжал концертную деятельность, прекращенную лишь незадолго до смерти.

Рахманинов умер 28 марта 1943 года в Беверли-Хиллз, штат Калифорния США.

Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор». В этой краткой и неполной характеристике выражены как объективные качества стиля Рахманинова, так и место его наследия в исторической перспективе мировой музыки. Именно творчество Рахманинова выступило тем синтезирующим знаменателем, который объединил и сплавил творческие принципы московской (П.Чайковский) и Петербургской школ в единый и цельный русский стиль. Тема «Россия и ее судьба», генеральная для русского искусства всех видов и жанров, нашла в творчестве Рахманинова исключительно характерное и законченное воплощение. Рахманинов в этом отношении явился как продолжателем традиции опер Мусоргского, Римского-Корсакова, симфоний Чайковского, так и связующим звеном в непрерывной цепи национальной традиции (эта тема была продолжена в творчестве С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Шнитке и др.). Особая роль Рахманинова в развитии национальной традиции объясняется историческим положением творчества Рахманинова — современника русской революции: именно революция, отраженная в русском искусстве как «катастрофа», «конец света», всегда была смысловой доминантой темы «Россия и ее судьба» (см. Н. Бердяев, «Истоки и смысл русского коммунизма»).

Творчество Рахманинова хронологически относится к тому периоду русского искусства, который принято называть «серебряным веком». Основным творческим методом искусства этого периода был символизм, черты которого ярко проявились и в творчестве Рахманинова. Произведения Рахманинова насыщены сложной символикой, выражаемой с помощью мотивов-символов, главным из которых является мотив средневекового хорала Dies Irae. Этот мотив символизирует у Рахманинова предчувствие катастрофы, «конца света», «возмездия».

В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов не только сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки (Литургия св. Иоанна Златоуста, 1910, Всенощное бдение, 1916), но и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.

Творчество Рахманинова принято условно делить на три или четыре периода: ранний (1889—1897), зрелый (его иногда делят на два периода: 1900—1909 и 1910—1917) и поздний (1918—1941).

Стиль Рахманинова, выросший из позднего романтизма, впоследствии претерпел значительную эволюцию. Подобно своим современникам А. Скрябину и И. Стравинскому Рахманинов по крайней мере дважды (ок. 1900 и ок. 1926) кардинально обновлял стиль своей музыки. Зрелый и особенно поздний стиль Рахманинова выходит далеко за пределы постромантической традиции («преодоление» которой началось еще в ранний период) и в то же время не принадлежит ни одному из стилистических течений музыкального авангарда XX в. Творчество Рахманинова, таким образом, стоит особняком в эволюции мировой музыки XX века: впитав многие достижения импрессионизма и авангарда, стиль Рахманинова остался неповторимо индивидуальным и своеобразным, не имеющим аналогов в мировом искусстве (исключая подражателей и эпигонов). В современном музыковедении часто используется параллель с Л. ван Бетховеном: так же, как и Рахманинов, Бетховен вышел в своем творчестве далеко за пределы воспитавшего его стиля (в данном случае — венского классицизма), не примкнув при этом к романтикам и оставшись чуждым романтическому миросозерцанию.

Первый — ранний период — начинался под знаком позднего романтизма, усвоенного главным образом через стиль Чайковского (Первый Концерт, ранние пьесы). Однако уже в Трио ре-минор (1893), написанном в год смерти Чайковского и посвященном его памяти, Рахманинов дает пример смелого творческого синтеза традиций романтизма (Чайковский), «кучкистов», древнерусской церковной традиции и современной бытовой и цыганской музыки. Это произведение — один из первых в мировой музыке примеров полистилистики — словно символически возвещает преемственность традиции от Чайковского — Рахманинову и вступление русской музыки в новый этап развития. В Первой Симфонии принципы стилистического синтеза были развиты еще более смело, что и послужило одной из причин ее провала на премьере.

Период зрелости отмечен формированием индивидуального, зрелого стиля, основанного на интонационном багаже знаменного распева, русской песенности и стиля позднего европейского романтизма. Эти черты ярко выражены в знаменитых Втором Концерте и Второй Симфонии, в фортепианных прелюдиях ор. 23. Однако начиная с симфонической поэмы «Остров мертвых» стиль Рахманинова усложняется, что вызвано, с одной стороны, обращением к тематике символизма и модерна, а с другой — претворением достижений современной музыки: импрессионизма, неоклассицизма, новых оркестровых, фактурных, гармонических приемов. Центральное произведение этого периода — грандиозная поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра, на слова Эдгара По в переводе К. Бальмонта (1913). Ярко новаторское, насыщенное небывало новыми хоровыми и оркестровыми приемами, это произведение оказало огромное влияние на хоровую и симфоническую музыку XX века. Тематика этого произведения характерна для искусства символизма, для данного этапа русского искусства и творчества Рахманинова: в нем символически воплощены различные периоды человеческой жизни, подводящей к неизбежной смерти; апокалипсическая символика Колоколов, несущая идею Конца Света, предположительно оказала влияние на «музыкальные» страницы романа Т. Манна «Доктор Фаустус».

Поздний — зарубежный период творчества — отмечен исключительным своеобразием. Стиль Рахманинова складывается из цельного сплава самых различных, порой противоположных стилистических элементов: традиций русской музыки — и джаза, древнерусского знаменного распева — и «ресторанной» эстрады 1930-х гг., виртуозного стиля XIX века — и жесткой токкатности авангарда. В самой разнородности стилистических предпосылок заключен философский смысл — абсурдность, жестокость бытия в современном мире, утрата духовных ценностей. Произведения этого периода отличаются загадочной символикой, смысловой полифонией, глубоким философским подтекстом.

Последнее произведение Рахманинова — Симфонические танцы (1941), ярко воплощающее все эти особенности, многие сравнивают с романом М. Булгакова «Мастер и Маргарита», законченным в это же время.

Значение композиторского творчества Рахманинова огромно: Рахманинов синтезировал различные тенденции русского искусства, различные тематические и стилистические направления, и объединил их под одним знаменателем — Русским национальным стилем. Рахманинов обогатил русскую музыку достижениями искусства XX века и был одним из тех, кто вывел национальную традицию на новый этап. Рахманинов обогатил интонационный фонд русской и мировой музыки интонационным багажом древнерусского знаменного распева. Рахманинов впервые (наряду со Скрябиным) вывел русскую фортепианную музыку на мировой уровень, стал одним из первых русских композиторов, чьи фортепианные произведения входят в репертуар всех пианистов мира. Рахманинов одним из первых осуществил синтез классической традиции и джаза.

Значение исполнительского творчества Рахманинова не менее велико: Рахманинов-пианист стал эталоном для многих поколений пианистов разных стран и школ, он утвердил мировой приоритет русской фортепианной школы, отличительными чертами которой являются: 1) глубокая содержательность исполнения; 2) внимание к интонационному богатству музыки; 3) «пение на фортепиано» — имитация средствами фортепиано вокального звучания и вокальной интонации. Рахманинов-пианист оставил эталонные записи многих произведений мировой музыки, на которых учатся многие поколения музыкантов.

Иоганн Себастьян Бах

Иоганн Себастьян Бах (Johann Sebastian Bach, 1685–1750) — немецкий композитор, органист. При жизни славился как органист и клавесинист; его композиторское творчество воспринималось современниками в связи с практической деятельностью, протекавшей в типичной для музыканта 17–18 вв. обстановке церкви, двора и города. Детские годы провёл в Эйзенахе, в 1695–1702 учился в Ордруфе и Линебурге. В 17-летнем возрасте играл на органе, клавире, скрипке, альте, пел в хоре, был помощником кантора. В 1703–07 органист Нойкирхе в Арнштадте, в 1707–08 органист Блазиускирхе в Мюльхаузене, в 1708–17 придворный органист, камер-музыкант, с 1714 придворный концертмейстер в Веймаре, в 1717–23 придворный капельмейстер в Кётене, в 1723–50 кантор Томаскирхе и городской музик-директор в Лейпциге (1729–41 глава Collegium musicum).

Бах — один из величайших представителей мировой гуманистической культуры. Творчество Баха, музыканта-универсала, отличающееся всеохватностью жанров (кроме оперы), обобщило достижения музыкального искусства нескольких веков на грани барокко и классицизма. Ярко национальный художник, Бах соединил традиции протестантского хорала с традициями австрийской, итальянской, французской музыкальных школ. Для Баха, непревзойдённого мастера полифонии, характерно единство полифонического и гомофонного, вокального и инструментального мышления, чем объясняется глубокое взаимопроникновение различных жанров и стилей в его творчестве.

Ведущий жанр в вокально-инструментальном творчестве Баха — духовная кантата. Бах создал 5 годовых циклов кантат, которые различаются по принадлежности к церковному календарю, по текстовым источникам (псалмы, хоральные строфы, «свободная» поэзия), по роли хорала и т.д. Из светских кантат наиболее известны «Крестьянская» и «Кофейная». Выработанные в кантате драматургия, принципы нашли претворение в мессах, «Страстях». «Высокая» месса h-moll, «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею» стали кульминацией многовековой истории этих жанров. Центральное место в инструментальном творчестве Баха занимает органная музыка. Синтезируя унаследованные от своих предшественников (Д.Букстехуде, И.Пахельбеля, Г.Бёма, И.А.Рейнкена) опыт органной импровизации, разнообразные вариационные и полифонические приёмы сочинения и современные ему принципы концертирования, Бах переосмыслил и обновил традиционные жанры органной музыки — токкату, фантазию, пассакалью, хоральную прелюдию. Исполнитель-виртуоз, один из крупнейших в своё время знатоков клавишных инструментов, Бах создал обширную литературу для клавира. Среди клавирных сочинений важнейшее место занимает «Хорошо темперированный клавир» — первый в истории музыки опыт художественного применения разработанного на рубеже 17–18 вв. темперированного строя. Величайший полифонист, в фугах ХТК Бах создал непревзойдённые образцы, своего рода школу контрапунктического мастерства, что нашло продолжение и завершение в «Искусстве фуги», над которым Бах работал на протяжении последних 10 лет жизни. Бах — автор одного из первых клавирных концертов — Итальянского концерта (без оркестра), полностью утвердившего самостоятельное значение клавира как концертного инструмента. Музыка Баха для скрипки, виолончели, флейты, гобоя, инструментального ансамбля, оркестра — сонаты, сюиты, партиты, концерты — знаменует значительное расширение выразительных и технических возможностей инструментов, обнаруживает глубокое знание инструментов и универсализм в их трактовке. 6 Бранденбургских концертов для различных инструментальных составов, претворившие жанровые и композиционные принципы concerto grosso, явились важным этапом на пути к классической симфонии.

При жизни Баха была опубликована небольшая часть его произведений. Подлинный масштаб гения Баха, оказавшего сильнейшее влияние на последующее развитие европейской музыкальной культуры, начал осознаваться лишь спустя полвека после его смерти. Среди первых ценителей — родоначальник баховедения И.Н.Форкель (опубликовал в 1802 очерк жизни и творчества Баха), К.Ф.Цельтер, чья деятельность по сохранению и пропаганде наследия Баха привела к исполнению «Страстей по Матфею» под управлением Ф.Мендельсона в 1829. Это исполнение, имевшее историческое значение, послужило импульсом к возрождению творчества Баха в 19–20 вв. В 1850 в Лейпциге было образовано Баховское общество.

Сочинения:

Для солистов, хора и оркестра — Страсти по Иоанну (1724), Страсти по Матфею (1727 или 1729; окончательная редакция 1736), Магнификат (1723), Высокая месса (h-moll, около 1747–49; 1-я редакция 1733), 4 короткие мессы (1730-е гг.), оратории (Рождественская, Пасхальная, около 1735), кантаты (сохранилось около 200 духовных, свыше 20 светских); для оркестра — 6 Бранденбургских концертов (1711–20), 5 увертюр (сюит, 1721–30); концерты для инструментов с оркестром — для 1, 2, 3, 4 клавиров, 2 для скрипки, для 2 скрипок; камерно-инструментальные ансамбли — 6 сонат для скрипки и клавира, 3 сонаты для флейты и клавира, 3 сонаты для виолончели и клавира, трио-сонаты; для органа — 6 органных концертов (1708–17), прелюдии и фуги, фантазии и фуги, токкаты и фуги, пассакалья c-moll, хоральные прелюдии; для клавира — 6 английских сюит, 6 французских сюит, 6 партит, Хорошо темперированный клавир (том 1 — 1722, том 2 — 1744), Итальянский концерт (1734), Гольдберг-вариации (1742); для скрипки — 3 сонаты, 3 партиты; 6 сюит для виолончели; духовные песни, арии; сочинения без указания исполнительского состава — Музыкальное приношение (1747), Искусство фуги (1740–50) и др.

Франц Шуберт

Франц Петер Шуберт (31 января 1797, Лихтенталь, Австрия — 19 ноября 1828, Вена) — великий австрийский композитор, один из основоположников романтизма в музыке, автор около 600 песен, девяти симфоний (в том числе знаменитой «Неоконченной симфонии»), а также большого количества камерной и сольной фортепианной музыки.

Франц Петер Шуберт родился 31 января 1797 года в Лихтентале (сейчас Альзергрунд), небольшом пригороде Вены, в семье школьного учителя, по-любительски занимавшегося музицированием. Отец его происходил из крестьянской семьи. Мать была дочерью слесаря. Из пятнадцати детей в семье десятеро умерли в раннем возрасте. Франц очень рано проявил музыкальные способности. С шести лет он учился в приходской школе, а домочадцы научили его играть на скрипке и фортепиано.

В возрасте одиннадцати лет Франц был принят в Конвикт — придворную капеллу, где, кроме пения, изучал игру на многих инструментах и теорию музыки (под руководством Антонио Сальери). Оставив капеллу в 1813 году, Шуберт устроился преподавателем в школу. Изучал преимущественно Глюка, Моцарта и Бетховена. Первые самостоятельные произведения — оперу «Увеселительный замок сатаны» и мессу фа мажор — он написал в 1814 году.

Композитор умер от брюшного тифа в Вене 19 ноября 1828 года. Согласно последнему пожеланию, Шуберта похоронили на кладбище, где за год до того был погребен боготворимый им Бетховен. На памятнике выгравирована красноречивая надпись: «Смерть похоронила здесь богатое сокровище, но ещё более прекрасные надежды» В честь Шуберта назван кратер на Меркурии.

В области песни Шуберт явился продолжателем Бетховена. Благодаря Шуберту этот жанр получил художественную форму, обогатив область концертной вокальной музыки. Баллада «Лесной царь», написанная в 1816 г., принесла композитору славу. Вскоре после неё появились «Скиталец», «Похвала слезам», «Зулейка» и др.

Большое значение в вокальной литературе имеют большие сборники песен Шуберта на стихи Вильгельма Мюллера — «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь», являющиеся как бы продолжением идеи Бетховена, выраженной в сборнике песен «К далёкой возлюбленной» . Во всех этих произведениях Шуберт выказал замечательный мелодический талант и большое разнообразие настроений; он дал аккомпанементу большее значение, больший художественный смысл. Замечателен также сборник «Лебединая песня», из которого многие песни приобрели всемирную известность (например, «Серенада», «Приют», «Рыбачка», «У моря») . Шуберт не старался, как его предшественники, подражать народному характеру, но в его песнях невольно отразилась национальная струя, и они стали достоянием страны. Шуберт написал почти 600 песен. Удивительный музыкальный дар Шуберта сказался и в области фортепьянной и симфонической. Его фантазии до мажор и фа минор, экспромты, музыкальные моменты, сонаты являются доказательством богатейшего воображения и большой гармонической эрудиции. В струнном квартете ре минор, квинтете до мажор, фортепианном квинтете «Форель» (часто также называется «Forellenquintett», «Форельный»), большой симфонии до мажор и незавершённой симфонии си минор Шуберт является продолжателем Бетховена. В области оперы Шуберт не был так одарен; хотя их написано им около 20, но они немного прибавят к его славе. Среди них выделяется «Заговорщики, или Домашняя война» . Отдельные номера его опер (например, «Розамунды») вполне достойны великого музыканта. Из многочисленных церковных сочинений Шуберта (мессы, офертории, гимны и проч.) возвышенным характером и музыкальным богатством отличается особенно месса ми-бемоль мажор. Музыкальная производительность Шуберта была громадна. Начиная с 1813 г. он сочинял непрестанно. В высшем кругу, куда Шуберта приглашали для аккомпанемента его вокальных сочинений, он был чрезвычайно сдержан, не интересовался похвалами и даже избегал их; среди друзей, наоборот, он высоко ценил одобрение. Из опер, исполнявшихся в то время, Шуберту всего более нравились «Швейцарское семейство» Вейгеля, «Медея» Керубини, «Иоанн Парижский» Буальдье, «Сандрильона» Изуарда и особенно «Ифигения в Тавриде» Глюка. Итальянской оперой, которая была в его время в большой моде, Шуберт интересовался мало; только «Севильский цирюльник» и некоторые отрывки из «Отелло» Россини прельщали его. Как утверждают биографы, Шуберт в своих сочинениях никогда ничего не изменял, потому что не имел для того времени. Он не щадил своего здоровья и в расцвете лет и таланта скончался в возрасте 31 года. Последний год его жизни, несмотря на расстроенное здоровье, был особенно плодотворен: именно тогда он написал симфонию до мажор и мессу ми-бемоль мажор. При жизни он не пользовался выдающимся успехом. После его смерти осталась масса рукописей, уже позднее увидевших свет (6 месс, 7 симфоний, 15 опер и проч.).

Джулио Каччини

Джулио Каччини (1546-1618) — итальянский композитор и певец.

Каччини принадлежал к кружку музыкантов (Галилеи, Пери, Кавальери) и поэтов (Ринуччини, Барди), способствовавших возникновению оперы в Италии. Этот кружок (так называемая Флорентийская камерата) собирался во Флоренции у Джованни Барди, позже у Джованни Корси. Каччини считается одним из основателей сольного пения, облечённого в художественную форму, благодаря чему многоголосная контрапунктическая музыка лишилась своего безусловно преобладающего значения.

Первый опыт Каччини в речитативном стиле — монодрама «Combattimento d’Appoline col serpente», на текст Барди (1590). За ним последовали драма с музыкой «Дафна», написанная в сотрудничестве с Пери на текст Ринуччини (1594); драма «Эвридика», сначала написанная совместно с Пери (1600), а затем переписанная Каччини на текст Ринуччини, и «Новая музыка» (Le nuove musiche) — собрание одноголосных мадригалов, канцон и арий («монодий») (Флоренция, 1602; Венеция, 1607 и 1615). Другое собрание, «Nuove arie», издано в Венеции в 1608 году.

Дочь, Франческа Каччини — певица и композитор.

Георгий Свиридов

Георгий Васильевич Свиридов (16 декабря 1915, Фатеж, Курская губерния — 6 января 1998, Москва) — русский композитор, пианист. Ученик Дмитрия Шостаковича.

Георгий Васильевич Свиридов родился в городе Фатеже Курской губернии Российской империи. Его отец был почтовым служащим, а мать — учителем. Его отец, Василий Свиридов, сторонник большевиков в гражданской войне, был убит, когда Георгию было 4 года.

В 1924 году, когда Георгию было 9 лет, семья переехала в Курск. В Курске Георгий Свиридов продолжал учиться в начальной школе, где началось его страстное увлечение книгами. Постепенно на первое место в кругу его интересов стала выдвигаться музыка. Там, в начальной школе, Георгий Свиридов учился играть на своем первом музыкальном инструменте, балалайке. Учась подбирать на слух, он демонстрировал такой талант и способность, что был принят в местный ансамбль народных инструментов. С 1929 по 1932 год он учился в Курской музыкальной школе у Веры Уфимцевой и Мирона Крутянского. По совету последнего переехал в Ленинград в 1932 году, где он занимался по классу фортепиано у Исайи Браудо и классу композиции у Михаила Юдина в Центральном музыкальном техникуме, который он закончил в 1936 году.

Свои первые сочинения Свиридов написал еще в 1935 году — ставший знаменитым цикл лирических романсов на слова Пушкина. Пока он учился в Ленинградской консерватории, с 1936 по 1941, Свиридов экспериментировал с разными жанрами и разными типами композиции. Он написал Концерт для фортепиано № 1 (1936—1939), Симфонию № 1 и камерную симфонию для струнных (1940).

С 1936 по 1941 он учился в Ленинградской консерватории у Петра Рязанова и Дмитрия Шостаковича (с 1937 года).

В 1937 году Георгий Свиридов был принят в Союз композиторов СССР.

Стиль Свиридова значительно менялся на ранних этапах его творчества. Его ранние вещи были написаны в стиле классической романтической музыки и были похожи на работы немецких романтиков. Позже многие сочинения Свиридова писались под влиянием его учителя Дмитрия Шостаковича, но также, например в Первой партите для фортепиано, заметно внимание композитора к музыкальному языку Пауля Хиндемита. Начиная с середины 50-х годов, Свиридов обрел свой яркий самобытный стиль, и старался писать произведения, которые носили исключительно русский характер. Музыка Свиридова долго оставалась малоизвестна на Западе, но в России его работы пользовались грандиозным успехом у критиков и слушателей за их простые, но тонкие по форме лирические мелодии, масштаб, мастерскую инструментовку и ярко выраженный, но оснащенный мировым опытом национальный характер высказывания.

Свиридов продолжал и развивал опыт русских классиков, прежде всего Модеста Мусоргского, обогащая его достижениями XX столетия. Он использует традиции старинного канта, обрядовых попевок, знаменного пения, а в то же время — и современной городской массовой песни. Творчество Свиридова сочетает в себе новизну, самобытность музыкального языка, отточенность, изысканную простоту, глубокую духовность и выразительность.

Мобилизированный в Советские Вооруженные силы в 1941году, несколько дней спустя окончания консерватории, Свиридов был отправлен в военную академию в Уфе, но был комиссован в конце года по состоянию здоровья.

До 1944 года жил в Новосибирске, куда была эвакуирована Ленинградская филармония. Как и другие композиторы, он начинает писать военные песни, из которых самой известной стала, пожалуй, «Песня смелых» на стихи А. Суркова. Кроме того, он писал музыку для спектаклей эвакуированных в Сибирь театров.

В 1944 году Свиридов возвратился в Ленинград, а в 1956 году поселился в Москве. Он пишет симфонии, концерты, оратории, кантаты, песни и романсы.

C 1957 года член правления Союза композиторов СССР, в 1962 году избран секретарем правления Союза. В 1963 году Георгию Свиридову было присвоено почетное звание народного артиста РСФСР, а в 1970 году — народного артиста СССР. В 1965 году был награжден орденом Ленина. Свиридов — лауреат Ленинской премии (1960 за «Патетическую ораторию») и Государственной премии СССР (1946).

В июне 1974 года на фестивале русской и советской песни, проходившем во Франции, местная печать представила Свиридова своей искушенной публике как «наиболее поэтичного из современных советских композиторов».

В последние годы Георгий Свиридов много болел. 6 января 1998 года он скончался. Гражданская панихида и похороны Георгия Свиридова состоялись 9 января в Москве. После отпевания в храме Христа Спасителя состоялись похороны. Композитор похоронен на Новодевичьем кладбище.

Николай Римский-Корсаков

Николай Андреевич Римский-Корсаков (18 марта 1844 г., Тихвин — 21 июня 1908 г., усадьба Любенск, близ Луги, Санкт-Петербургская губерния) — русский композитор, педагог, дирижер, общественный деятель, музыкальный критик; представитель «Могучей кучки», возглавлял Беляевский кружок. Среди его сочинений — 15 опер, 3 симфонии, симфонические произведения, инструментальные концерты, кантаты, камерно-инструментальная, вокальная и духовная музыка.

Римский-Корсаков родился в небольшом городе Тихвине Новгородской губернии Российской империи. Отец композитора — Андрей Петрович Римский-Корсаков (1784-1862) — служил некоторое время новгородским вице-губернатором, а затем Волынским гражданским губернатором, мать — Софья Васильевна — дочь крепостной крестьянки и богатого помещика Скарятина, женщина достаточно образованная. Сильное влияние на будущего композитора оказал и его старший брат Воин Андреевич — контр-адмирал, реорганизатор системы военно-морского образования. Семейный дом Римских-Корсаковых находился на берегу реки Тихвинки, напротив Тихвинского Богородичного Успенского монастыря.

Игре на фортепиано композитор обучался дома, а потом в пансионе, где уроки музыки были в числе прочих общеобразовательных дисциплин. Известно, что с детства композитор был увлечен музыкой, познакомился с сочинениями Россини, Бетховена, Мейербера, Мендельсона, однако наибольшее впечатление на него произвела музыка Михаила Глинки — его «Камаринская», «Испанские увертюры», оперы «Иван Сусанин» и «Руслан и Людмила». В 1859-1869, чувствуя необходимость получения более профессиональных музыкальных навыков, Римский-Корсаков брал уроки у пианиста Федора Канилле.

В 1856 году отец отвез юного Николая в Морской кадетский корпус, который он окончил с отличием весной 1862 года (в то время учебное заведение сменило свое название на Морское училище). К тому времени умер отец композитора (в 1861 году) и семья Римских-Корсаковых перебралась в Санкт-Петербург.

В 1861 году Канилле познакомил Римского-Корсакова с Милием Балакиревым. Юный композитор сразу стал членом Балакиревского кружка («Могучая кучка»), оказавшего решающее воздействие на формирование его личности и эстетических взглядов композитора. В то время в кружок, помимо его главы — Балакирева — и самого Римского-Корсакова входили Цезарь Кюи и Модест Мусоргский. Руководивший работой более молодых коллег Балакирев не только подсказывал верные композиторские решения для создаваемых ими сочинений, но и помогал товарищам с инструментовкой.

Под влиянием и руководством Балакирева было начато первое крупное сочинение Римского-Корсакова — Первая симфония ор. 1. По словам самого Римского-Корсакова, эскизы начала симфонии существовали еще в годы обучения у Канилле, однако серьезная работа над сочинением развернулась лишь в 1861—1862 годах — и «к маю 1862 года первая часть, скерцо и финал симфонии были мною сочинены и кое-как оркестрованы».

В 1862—1865 годах Римский-Корсаков был назначен на морскую службу на клипере «Алмаз», благодаря чему посетил ряд стран — Англию, Норвегию, Польшу, Францию, Италию, Испанию, США, Бразилию. Впечатления от морской жизни воплотились через некоторое время в морских пейзажах, которые ему удалось запечатлеть в своих произведениях средствами оркестровых красок. Работа на клипере не оставляла много времени для совершенствования музыкальных навыков, так что единственное сочинение, появившееся в этот период из-под пера композитора — вторая часть (Andante) Первой симфонии (конец 1862 года), после которой Римский-Корсаков надолго забросил сочинительство.

Возвратившись из морского путешествия, Римский-Корсаков снова попадает в общество членов Могучей кучки, в том числе подружился и с новым участником кружка — начинающим композитором и профессиональным химиком Александром Бородиным. Балакирев познакомил молодого композитора с кумиром участников кружка Александром Даргомыжским, с Людмилой Шестаковой (сестрой Михаила Глинки) и с Петром Чайковским.

По настоянию Балакирева Римский-Корсаков вновь принимается за Первую симфонию — сочиняет недостающие трио для скерцо и полностью переоркестровывает. Получившаяся партитура (известная как первая редакция симфонии) была исполнена в 1865 году под управлением самого Балакирева — неизменного исполнителя всех ранних симфонических партитур Римского-Корсакова.

Найденный в Первой симфонии музыкальный язык успешно развит в таких сочинениях, как Увертюра на три русские темы (первая редакция — 1866) и «Сербская фантазия» (1867). Обратившись под влиянием Балакирева к славянским народным мелодиям, Римский-Корсаков придерживается в музыке национального колорита, который и в дальнейшем будет характеризовать большую часть его творчества.

Музыкальная картина «Садко» (1867, позже ее музыка частично использована в одноименной опере) стала этапным произведением Римского-Корсакова. Во-первых, это самое раннее из программных сочинений композитора. В данном случае он выступает как продолжатель традиций европейского программного симфонизма — прежде всего Гектора Берлиоза и Ференца Листа, творчество которых очень повлияло на композитора. В дальнейшем большая часть произведений Римского Корсакова также будет связана с определенной литературной программой. Во-вторых, именно в этом сочинении он впервые соприкоснулся с миром сказки (позже Римского-Корсакова так и будут называть — «Сказочником»). В-третьих, в музыке этого сочинения он попытался оркестровыми красками изобразить море, что позже неоднократно делал в дальнейших своих сочинениях (сюите «Шехеразада», прелюдии-кантате «Из Гомера», операх «Садко» и «Сказка о царе Салтане»). Еще одно важное открытие, сделанное в музыкальной картине — придуманный самим композитором симметричный лад — так называемая «Гамма Римского-Корсакова», применявшаяся в дальнейших его произведениях для характеристики фантастического мира.

Программно-сказочное начало было развито во Второй симфонии «Антар» (1868, позже названа симфонической сюитой), написанной на сюжет восточной сказки Осипа Сенковского.

В конце 1860-х годов Римский-Корсаков работает над инструментовкой чужих произведений: помогает Кюи с оркестровкой оперы «Вильям Радклиф» и заканчивает, согласно завещанию умершего Даргомыжского, партитуру его оперы «Каменный гость».

С 1870-х годов расширились границы музыкальной деятельности Римского-Корсакова: он был профессором Санкт-Петербургской консерватории (с 1871, классы практического сочинения, инструментовки, оркестровый), инспектором духовых оркестров Морского ведомства (1873—1884), директором Бесплатной музыкальной школы (1874—1881), дирижером симфонических концертов (с 1874), а позже и оперных спектаклей, помощником управляющего Придворной певческой капеллой (1883—1894), возглавлял Беляевский кружок (с 1882). В середине 1870-х работал над совершенствованием своей композиторской техники. Именно в этот период Римский-Корсаков обнаруживает серьезные недостатки в своем музыкальном образовании и сам начинает увлеченно изучать дисциплины, преподаваемые в консерватории. Итогом совершенствования композиторской техники Римского-Корсакова стала Симфония № 3 C-dur.

В эти же годы он обратился к оперному жанру, ставшему впоследствии ведущим в его творчестве (в 1872 году окончена опера «Псковитянка», по драме Льва Мея).

В 1880-х годах большое внимание уделял симфоническим жанрам, именно в этот период создает свое крупнейшее эпическое симфоническое полотно — симфоническую сюиту «Шехеразада».

В начале 1890-х годов наблюдался некоторый спад творческой деятельности (в этот период изучал философию, писал статьи, пересмотрел и отредактировал некоторые из своих прежних сочинений). Во 2-й половине 1890-х творчество приобрело исключительную интенсивность: появились оперы «Садко» (1896), «Царская невеста» (по Мею, 1898).

Во время Революции 1905-1907 годов Римский-Корсаков выступил с активной поддержкой требований бастующих студентов, открыто осудил действия администрации Петербургской консерватории (был уволен из Консерватории, вернулся лишь после предоставления консерватории частичных автономных прав и смены руководства).

Умер 21 июня 1908 в усадьбе Любенск, близ Луги (Санкт-Петербургская губерния).

Вольфганг Амадей Моцарт

Вольфганг Амадей Моцарт, полное имя Иоганн Хризостом Вольфганг Теофил Моцарт (27 января 1756, Зальцбург — 5 декабря 1791, Вена) — австрийский композитор, капельмейстер, скрипач-виртуоз, клавесинист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Наряду с Гайдном и Бетховеном, принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы.

Моцарт родился в Зальцбурге, бывшем тогда столицей Зальцбургского архиепископства, теперь этот город находится на территории Австрии. На второй день после рождения он был крещен в соборе святого Руперта. Запись в книге крещений дает его имя на латыни как Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. В этих именах первые два слова — имя святого Иоанна Златоуста, не использующееся в повседневной жизни, а четвертое при жизни Моцарта варьировалось: лат. Amadeus, нем. Gottlieb, итал. Amadeo, что значит «возлюбленный Богом». Сам Моцарт предпочитал, чтобы его называли Вольфганг.

Музыкальные способности Моцарта проявились в очень раннем возрасте, когда ему было около трех лет. Его отец Леопольд был одним из ведущих европейских музыкальных педагогов. Его книга «Опыт основательной скрипичной школы» (нем. Versuch einer gründlichen Violinschule) была опубликована в 1756 году — в год рождения Моцарта, выдержала много изданий и была переведена на множество языков, в том числе и на русский. Отец обучил Вольфганга основам игры на клавесине, скрипке и органе.

В Лондоне малолетний Моцарт был предметом научных исследований, а в Голландии, где во время постов строго изгонялась музыка, для Моцарта было сделано исключение, так как в его необычайном даровании духовенство усматривало перст Божий.

В 1762 году отец Моцарта предпринял с сыном и дочерью Анной, также замечательной исполнительницей на клавесине, артистическое путешествие в Мюнхен и Вену, а затем и во многие другие города Германии, Париж, Лондон, Голландию, Швейцарию. Всюду Моцарт возбуждал удивление и восторг, выходя победителем из труднейших испытаний, которые ему предлагались людьми как сведущими в музыке, так и дилетантами. В 1763 году изданы в Париже первые сонаты Моцарта для клавесина и скрипки. С 1766 по 1769 годы, живя в Зальцбурге и Вене, Моцарт изучал творчество Генделя, Страделла, Кариссими, Дуранте и других великих мастеров. По повелению императора Иосифа II Моцарт написал за несколько недель оперу «Мнимая простушка» (итал. La Finta semplice), но члены итальянской труппы, в руки которых попало это произведение 12-летнего композитора, не пожелали исполнять музыку мальчика, и их интриги были столь сильны, что его отец не решился настаивать на исполнении оперы.

1770-1774 годы Моцарт провел в Италии. В 1771 году в Милане, опять же при противодействии театральных импресарио, все же была поставлена опера Моцарта «Митридат, царь Понтийский» (итал. Mitridate, Re di Ponto), которая была принята публикой с большим энтузиазмом. С таким же успехом была дана и вторая его опера, «Lucio Sulla» (Луций Сулла) (1772 год). Для Зальцбурга Моцарт написал «Сон Сципиона» (итал. Il sogno di Scipione), по поводу избрания нового архиепископа, 1772 год, для Мюнхена — оперу «La bella finta Giardiniera», 2 мессы, офферторий (1774 год). Когда ему минуло 17 лет, среди его произведений насчитывались уже 4 оперы, несколько духовных стихотворений, 13 симфоний, 24 сонаты, не говоря о массе более мелких композиций.

В 1775-1780 годах, несмотря на заботы о материальном обеспечении, бесплодную поездку в Мюнхен, Мангейм и Париж, потерю матери, Моцарт написал, среди прочего, 6 клавирных сонат, концерт для флейты и арфы, большую симфонию № 31 D-dur, прозванную Парижской, несколько духовных хоров, 12 балетных номеров.

В 1779 году Моцарт получил место придворного органиста в Зальцбурге (сотрудничал с Михаэлем Гайдном). 26 января 1781 года в Мюнхене с огромным успехом была поставлена опера «Идоменей». С «Идоменея» начинается реформа лирико-драматического искусства. В этой опере видны еще следы староитальянской opera seria (большое число колоратурных арий, партия Идаманта, написанная для кастрата), но в речитативах и в особенности в хорах ощущается новое веяние. Большой шаг вперед замечается и в инструментовке. Во время пребывания в Мюнхене Моцарт написал для мюнхенской капеллы офферторий «Misericordias Domini» — один из лучших образцов церковной музыки конца XVIII века. С каждой новой оперой творческая сила и новизна приемов Моцарта проявлялись все ярче и ярче. Опера «Похищение из сераля» (нем. Die Entführung aus dem Serail), написанная по поручению императора Иосифа II в 1782 году, была принята с энтузиазмом и вскоре получила большое распространение в Германии, где ее стали считать первой национальной немецкой оперой. Она была написана во время романтических отношений Моцарта с Констанцей Вебер, которая впоследствии стала его женой.

Несмотря на успех Моцарта, его материальное положение было не блестящим. Оставив место органиста в Зальцбурге и пользуясь скудными щедротами венского двора, Моцарт для обеспечения своей семьи должен был давать уроки, сочинять контрдансы, вальсы и даже пьесы для стенных часов с музыкой, играть на вечерах венской аристократии (отсюда его многочисленные концерты для фортепиано). Оперы «L’oca del Cairo» («Каирский гусь», 1783 год) и «Lo sposo deluso» («Обманутый жених», 1784 год) остались неоконченными.

В 1783-1785 годах созданы 6 знаменитых струнных квартетов, которые Моцарт посвятил Йозефу Гайдну, мастеру этого жанра, и которые тот принял с величайшим почтением. К этому же времени относится его оратория «Davide penitente» (Кающийся Давид).

С 1786 года начинается необычайно плодовитая и неустанная деятельность Моцарта, которая была главной причиной расстройства его здоровья. Примером невероятной быстроты сочинения может служить опера «Женитьба Фигаро», написанная в 1786 году в 6 недель и, тем не менее, поражающая мастерством формы, совершенством музыкальной характеристики, неиссякаемым вдохновением. В Вене «Женитьба Фигаро» прошла почти незамеченной, но в Праге она вызвала необычайный восторг. Не успел соавтор Моцарта Лоренцо да Понте закончить либретто «Женитьбы Фигаро», как ему пришлось по требованию композитора спешить с либретто «Дон-Жуана», которого Моцарт писал для Праги. Это великое произведение, не имеющее аналогов в музыкальном искусстве, увидело свет в 1787 году в Праге и имело еще больший успех, чем «Женитьба Фигаро».

Гораздо меньший успех выпал на долю этой оперы в Вене, вообще относившейся к Моцарту холоднее, чем другие центры музыкальной культуры. Звание придворного композитора с содержанием в 800 флоринов (1787 год), было весьма скромной наградой за все труды Моцарта. Тем не менее, он был привязан к Вене, и когда в 1789 году, посетив Берлин, он получил приглашение стать во главе придворной капеллы Фридриха-Вильгельма II с содержанием в 3 тысячи талеров, то все же не решился оставить Вену.

Однако множество исследователей жизни Моцарта утверждают, что ему не было предложено место при прусском дворе. Фридрих Вильгельм II лишь сделал заказ на шесть простых фортепьянных сонат для своей дочери и шесть струнных квартетов для него самого. Моцарт не хотел признавать, что поездка в Пруссию провалилась, и сделал вид, будто Фридрих Вильгельм II пригласил его на службу, но из уважения к Иосифу II он от места отказался. Заказ, полученный в Пруссии, придавал его словам видимость правды. Денег, вырученных во время поездки, было мало. Их едва хватило на уплату долга в 100 гульденов, которые были взяты у брата масона Гофмеделя на дорожные расходы.

После «Дон-Жуана» Моцарт сочиняет 3 наиболее известные симфонии: № 39 ми-бемоль мажор (KV 543), № 40 соль минор (KV 550) и № 41 до мажор «Юпитер» (KV 551), написанные в течение полутора месяцев в 1788 году; из них в особенности знамениты две последние. В 1789 году Моцарт посвятил прусскому королю струнный квартет с партией концертирующей виолончели (ре мажор).

После смерти императора Иосифа II (1790 год) материальное положение Моцарта оказалось настолько безвыходным, что он должен был уехать из Вены от преследований кредиторов и артистическим путешествием хоть немного поправить свои дела. Последними операми Моцарта были «Così fan tutte» (1790 год), «Милосердие Тита» (1791 год), заключающая в себе чудные страницы, несмотря на то, что была написана в 18 дней для коронации императора Леопольда II, и наконец, «Волшебная флейта» (1791 год), имевшая колоссальный успех, чрезвычайно быстро распространившийся. Эта опера, в старых изданиях скромно названная опереттой, вместе с «Похищением из Сераля» послужила основанием самостоятельного развития национальной немецкой оперы. В обширной и разнообразной деятельности Моцарта опера занимает самое видное место. В мае 1791 года Моцарт поступил на неоплачиваемую должность ассистента капельмейстера Кафедрального собора Святого Стефана, рассчитывая занять место капельмейстера после смерти тяжелобольного Леопольда Хофмана; Хофман, однако, его пережил.

Мистик по натуре, Моцарт много работал для церкви, но великих образцов в этой области он оставил немного: кроме «Misericordias Domini» — «Ave verum corpus» (KV 618), (1791 год) и величественно-горестный Реквием (KV 626), над которым Моцарт неустанно, с особенной любовью, работал в последние дни жизни. Интересна история написания «Реквиема». Незадолго до смерти Моцарта посетил некий таинственный незнакомец во всем черном и заказал ему «Реквием» (траурную заупокойную мессу). Как установили биографы композитора, это был граф Франц фон Вальзегг-Штуппах, решивший выдать купленное сочинение за собственное. Моцарт погрузился в работу, но недобрые предчувствия не покинули его. Таинственный незнакомец в черной маске, «черный человек» неотступно стоит перед его глазами. Композитору начинает казаться, что эту заупокойную мессу он пишет для себя… Работу над незавершенным «Реквиемом», по сегодняшний день потрясающим слушателей скорбным лиризмом и трагической выразительностью, закончил его ученик Франц Ксавер Зюсмайер, ранее принимавший некоторое участие в сочинении оперы «Милосердие Тита».

Умер Моцарт в 00:55 5 декабря 1791 года от неустановленной болезни. Тело его нашли вздутым, мягким и эластичным, как это бывает при отравлениях. Этот факт, а также некоторые другие обстоятельства, связанные с последними днями жизни великого композитора, дали основание некоторым биографам отстаивать именно эту версию причины его смерти. В настоящее время большинство исследователей считает ее несостоятельной. Похоронен Моцарт был в Вене, на кладбище Святого Марка в общей могиле, так что само место захоронения осталось неизвестным. В память о композиторе на девятый день после его смерти в Праге при огромном стечении народа 120 музыкантами исполнялся «Реквием» Антонио Розетти.

Отличительной чертой творчества Моцарта является удивительное сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Уникальность его творчества состоит в том, что он не только писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, но и в каждом из них оставил произведения непреходящего значения. Музыка Моцарта обнаруживает множество связей с разными национальными культурами (особенно итальянской), тем не менее она принадлежит национальной венской почве и носит печать творческой индивидуальности великого композитора.

Моцарт — один из величайших мелодистов. Его мелодика сочетает черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской кантилены. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии мужественного характера, с большим драматическим пафосом и контрастными элементами.

Особое значение Моцарт придавал опере. Его оперы — целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Наряду с Глюком, он был величайшим реформатором жанра оперы, но в отличие от него, основой оперы считал музыку. Моцарт создал совершенно иной тип музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с развитием сценического действия. Как следствие — в его операх нет однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».

Большое внимание Моцарт уделял симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью. Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»). Также Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта.

Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Моцарт отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, отчетливостью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Композитором создано множество духовных произведений: мессы, кантаты, оратории, а также знаменитый Реквием.

Тематический каталог сочинений Моцарта, с примечаниями, составленный Кехелем («Chronologisch-thematisches Verzeichniss sämmtlicher Tonwerke W. A. Mozart´s», Лейпциг, 1862), представляет том в 550 страниц. По исчислению Кехеля, Моцарт написал 68 духовных произведений (мессы, оффертории, гимны и пр.), 23 произведения для театра, 22 сонаты для клавесина, 45 сонат и вариаций для скрипки и клавесина, 32 струнных квартета, около 50 симфоний, 55 концертов и пр., в общей сложности 626 произведений.

Академический Большой хор

Академический Большой хор создан в 1928 году; его организатором и первым художественным руководителем стал выдающийся мастер хорового искусства Александр Свешников. Впоследствии коллективом руководили выдающиеся музыканты – Николай Голованов, Иван Кувыкин, Клавдий Птица, Людмила Ермакова. За неполный век хором исполнено более 5000 сочинений отечественных и зарубежных композиторов – опер, ораторий, кантат, произведений a cappella, народных песен, духовной музыки. Многие записи хора вошли в золотой фонд отечественной музыки, получили признание за рубежом (Grand Prix конкурса грамзаписей в Париже, «Золотая медаль» в Валенсии). В исполнении Большого хора впервые прозвучали многие хоровые произведения Прокофьева, Шостаковича, Щедрина, Хачатуряна, Тактакишвили, Агафонникова и других композиторов.

С Большим хором работали дирижеры Евгений Светланов, Мстислав Ростропович, Владимир Спиваков, Дмитрий Китаенко, Владимир Федосеев, Гельмут Риллинг, Геннадий Рождественский, Альберто Дзедда, Эннио Морриконе, Владимир Юровский, Михаил Плетнев, Кристоф Эшенбах; певцы Елена Образцова, Ирина Архипова, Николай Гедда, Дмитрий Хворостовский, Анна Нетребко, Мария Гулегина, Динара Алиева, Василий Ладюк, Дмитрий Корчак, Зураб Соткилава, Евгений Нестеренко, Роберто Аланья, Анжела Георгиу и многие другие. Хор выступал в лучших залах России, Италии, Франции, Германии, Израиля, Болгарии, Чехословакии, Японии, Южной Кореи, Катара, Индонезии. «Мастера хорового пения» гастролируют по всей России, в том числе на Урале, в Сибири и на Дальнем Востоке.

В 2005 году на должность художественного руководителя Академического Большого хора, получившего к этому моменту название «Мастера хорового пения», был приглашен народный артист России, профессор Лев Конторович. Название «Мастера хорового пения» предопределило профессионализм, высокий исполнительский уровень, оперативность и универсальность коллектива, где каждый артист может выступать и как участник хора, и как солист.

Хор принимал участие в «Международном осеннем хоровом фестивале имени профессора Б. Г. Тевлина» (2012-2014), фестивалях «К 80-летию Родиона Щедрина» (2012), «Дню Победы посвящается» (2013), «Дирижирует и рассказывает Владимир Юровский» (2014-2015). На сцене Большого зала консерватории под управлением Льва Конторовича исполнялись Реквием Верди, Месса си минор Баха (с Национальным филармоническим оркестром России), «Маленькая торжественная месса» Россини (2014), русская литургия «Запечатленный ангел» Щедрина (2015), был проведен Юбилейный фестиваль «85 лет Академического Большого хора «Мастера хорового пения» и другие проекты.

Коллектив – постоянный участник Московского Рождественского фестиваля духовной музыки (художественные руководители Владимир Спиваков и митрополит Иларион) и Московского Пасхального фестиваля Валерия Гергиева.