IV Международный фестиваль актуальной музыки «Другое пространство» (17–21 ноября). Госоркестр имени Светланова, Владимир Юровский
Каталог концертов

IV Международный фестиваль актуальной музыки «Другое пространство» (17–21 ноября). Госоркестр имени Светланова, Владимир Юровский

Год выхода:
2014
Страна производитель:
Россия

Джонатан Харви (1939-2012)
«Телесная Мандала» (Body Mandala) для симфонического оркестра (2006)

В аннотации к партитуре автор говорит о «пребывании в Мандале, небесной обители, смысл которого – очищение от грубой материи» и о том, что он написал эту пьесу под впечатлением от «ритуалов очищения», которые наблюдал в тибетско-буддистских монастырях Северной Индии: «Знаменитые низкие рога («тангчен»), великолепные хриплые четырёхзвучные гобои («гелинг»), особые тарелочки («ролмо») – на этих и других инструментах монахи играли во время трогательных церемоний, сопровождаемых танцами ламы, пением и ритуальными действами. Некоторые из них отличаются яростной пылкостью, словно призывая мощную энергию, очищающую от дурных устремлений человеческого «я». Они сопровождаются и проявлениями великой радости, и умиротворением. А когда человеческое тело, движимое песнопениями, начинает вибрировать и согреваться в различных своих чакрах, оно начинает петь изнутри и словно освещаться звучанием».

Автор использует в основном традиционные оркестровые инструменты, но приближает их по звучанию к вышеупомянутым восточным аналогам. Вибрато губами на медных духовых, быстрые смены аппликатуры у деревянных, вращающиеся движения смычком у струнных – всё это создаёт пульсации и тембровые перекраски звука. Солирующие инструменты звучат намеренно дико, буйно: здесь автор желает игры, близкой по манере к джазовой. Под конец на передний план выходят тибетские тарелочки, на которых играют, окуная их в воду: их нежное звучание создаёт ощущение, будто бы мы присутствуем на таинственной церемонии очищения и просветления…

Произведение создано в годы сотрудничества композитора с Шотландском симфоническим оркестром Би-Би-Си и впервые исполнено в Глазго под управлением Илана Волкова.

Джон Кеннет Тавенер (1944-2013)
Смерть Ивана Ильича – монодрама для бас-баритона, солирующей виолончели и камерного оркестра (2012)

Одно из последних произведений Тавенера – и одно из тех в его творчестве, что были вдохновлены русской литературой. В качестве эпиграфа композитор предпосылает цитату из дневника Толстого 1901 года: «Для того, чтобы быть услышанным людьми, надо говорить с Голгофы, запечатлеть истину страданием, ещё лучше — смертью». Идея этого сочинения пришла к композитору, по его собственным словам, после долгой болезни:

«Оно стало одним из первых крупных моих произведений, написанных после этого периода – словно сам Толстой разбудил меня от долгого творческого сна. (…) История мучительной физической боли умирающего человека, его эмоционального и духовного кризиса выстроена мной интенсивно и немногословно. Проблеск света наступает ближе к концу, после того, как Иван Ильич подводит итог своей несчастной жизни. Завершается сочинение инструментальным апофеозом».

Премьера сочинения состоялась незадолго до кончины композитора (2013) на Международном фестивале в Манчестере в исполнении Джонатана Лемалу (бас-баритон), Стивена Иссерлиса (виолончель) и Симфонического оркестра Би-Би-Си.

Эдисон Денисов (1929-1996)
Симфония № 2 для большого оркестра (1996)

Вторая симфония Денисова – его последнее симфоническое произведение, написанное незадолго до смерти. Его можно считать кульминационной точкой в творчестве последних лет. (После неё следуют два камерных опуса – как своего рода постлюдия: «Женщина и птицы» и «Перед закатом».) Двухчастная, сжатая во времени композиция – сконцентрированное выражение энергии, драматизма и устремленности ввысь. Образы и настроения Второй симфонии во многом сформированы мироощущением композитора после перенесённой им тяжёлой автокатастрофы, под знаком которой прошли последние два года его жизни. Сам автор написал в предисловии к симфонии:

«Сочинение состоит из двух частей, следующих друг за другом без перерыва, и по своей концепции сильно отличается от моей Первой симфонии (1987). Вторая симфония развивает, скорее, те принципы организации музыкального пространства, которые были мной реализованы в Концерте для флейты, вибрафона и клавесина (1993) и во Второй камерной симфонии (1994): концентрация музыкальной информации, концертная трактовка инструментов оркестра, ритмический тематизм и работа с ритмическими структурами».

Произведение было написано к 125-летию Дрезденской филармонии, но мировая премьера с Дрезденским филармоническим оркестром прошла уже после смерти композитора (дирижёр Йорг-Петер Вайгле, 1997). Российская премьера состоялась в 2000 году (Государственный симфонический оркестр Московской филармонии, дирижёр Владимир Понькин).

Альфред Шнитке (1934-1998)
Pianissimo… (1968)

– Какая программа легла в основу этого сочинения?

– Рассказ Кафки «В исправительной колонии». Осужденного помещают в машину, которая состоит из части, удерживающей преступника, и верхней большой пластины, на которой укреплено огромное количество стеклянных трубочек. Пластина непрерывно ходит и вибрирует в разных направлениях, нанося на кожу осужденного очень сложный рисунок – вначале на одной стороне тела, а через шесть часов – на другой. (…) Где-то к концу двенадцатого часа осужденный начинает своим телом расшифровывать и понимать, что на нем пишется. В кульминационный момент, когда он это действительно понял, его пронзает шпиль насквозь, и тело падает в яму, – чудовищная развязка.

Идея сделать сетку, которая вся представляет собой попытку сплести множество вариантов одной и той же мысли, и явилась в какой-то мере отражением содержания рассказа Кафки. Однако самой программности в пьесе, связанной непосредственно с этим рассказом, никакой нет; есть только оттуда идея множественного повторения одной и той же структуры, её выяснения в самом конце – изложение серии уже на основе октавного звукоряда. (…)

– Осужденный приходит к пониманию того, что на нем пишется к концу 12-го часа, с числом 12 связано количество тонов серии – аналогично число скрипок. Находит ли оно свое отражение еще в чем-нибудь?

– Да, конечно. Например, в форме – это двенадцать как бы вползающих друг в друга вариаций, каждая из которых имеет свой интервальный ряд (…). (…) это с самого начала бесконечное блуждание в материале, выведенном разными путями из этой серии; всё здесь движется как бы вне определенности во времени и пространства, но достигается такое состояние как раз благодаря точному серийному расчету, которому подчиняется также и ритм, и инструментовка, и, как я уже говорил, сама идея вариационного построения формы. Технически же это осуществлялось на основе приемов, которые есть у Булеза в его "Структурах".

– Кто был первым исполнителем "Pianissimo" и когда состоялась премьера?

– В октябре (19. – Д.Ш.) 69 года на Донауэшингенских днях музыки, а играл Südwestfunkorchester [Оркестр Юго-Западного радио Германии – А.С.] с дирижером Эрнестом Буром.

(Из книги Д. И. Шульгина «Годы неизвестности Альфреда Шнитке»)

Антон Батагов (р. 1965)
“I fear no more” («Я больше не боюсь») — избранные песни и медитации Джона Донна для баритона с оркестром (2014)

Когда Владимир Юровский предложил мне написать сочинение для Госоркестра, почему-то прямо во время этого разговора возникла идея вокального цикла на тексты Джона Донна. Как будто бы сам Джон Донн пришел к нам и сказал:– Джентльмены. Я давно хотел поговорить кое о чем. Мне кажется, для этого наступил подходящий момент.Мы с радостью согласились.Джон Донн (1572-1631), английский поэт, священник, мистик, философ, алхимик.Человек, который не боялся смерти, потому что знал, что это никакой не конец, а долгожданный момент обновления и исцеления, когда тебя, как главу из книги, переводят на другой язык, гораздо более совершенный и красивый, и ты становишься частью всемирной библиотеки, где все книги открыты друг для друга.Человек, который называл свои проповеди словом "медитация".Человек, который бескомпромиссно отвергал всё, что не вело к познанию высшей правды.Человек, который на пути к этой правде без остатка сгорал в воде, а потом умывался огнем, как и положено мастеру алхимии.Человек, который знал, что такое любовь.Именно та любовь, для которой смерть не является преградой.И он знал, чем она отличается от иллюзии, которую люди часто принимают за любовь.А для того, кто познал это, не существует границ между Он и Она, между Я и Ты, между землей и небом, а прощание не означает утрату.Тот, кто почувствовал такую любовь, больше не имеет права на печаль.Тот, кто почувствовал такую любовь, больше ничего не боится (Антон Батагов).

Максим Михайлов

Максим Михайлов родился в Москве. Внук знаменитого баса М. Д. Михайлова. Учился в Государственном музыкально-педагогическом институте имени Гнесиных в классе А. А. Эйзена. В 1987 году стал лауреатом Международного конкурса вокалистов имени Глинки, после чего был приглашен в Большой театр. Его международная карьера началась с победы на Международном конкурсе вокалистов имени Х. Габора «Бельведер» (Вена) в 1993 году. В 1994 году он исполнил заглавную партию в опере Мусоргского «Борис Годунов» на Пасхальном фестивале в Зальцбурге (дирижер Клаудио Аббадо).

Максим Михайлов сотрудничает со многими оперными театрами мира, среди которых Метрополитен-опера, Ковент-Гарден, Парижская национальная опера, миланский Ла Скала, венецианский Ля Фениче, театры Сан-Карло в Неаполе, Комунале в Болонье, Ла Моннэ в Брюсселе, Лисео в Барселоне, Сан-Карлуш в Лиссабоне, Берлинская государственная опера, Фольксопер в Вене, Нидерландская опера, Гранд-опера в Хьюстоне. Певец — постоянный участник фестивалей в Глайндборне (Великобритания) и Уэксфорде (Ирландия), BBCProms в Лондоне, в Экс-ан-Провансе (Франция) и Турине (Италия). В обширном оперномрепертуаре певца ведущие партии в операх «Дон Жуан», «Свадьба Фигаро», «Волшебная флейта», «Иван Сусанин», «Борис Годунов», «Хованщина», «Русалка», «Князь Игорь», «Севильский цирюльник», «Аида», «Дон Карлос», «Макбет», «Отелло», «Фауст», «Пеллеас и Мелизанда», «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Мазепа», «Царская невеста», «Майская ночь», «Золотой петушок», «Скупой рыцарь», «Соловей», «Война и мир», «Леди Макбет Мценского уезда», «Нос» и многих других.

Выступал в сопровождении Лондонского филармонического оркестра, Оркестра Века Просвещения (Великобритания), Государственной капеллы Дрездена, Израильского филармонического оркестра и других известных коллективов. Сотрудничал с дирижерами Томасом Зандерлингом, Джеймсом Конлоном, Антонио Паппано, Михаилом Юровским. Принимает участие в ежегодном проекте Московской филармонии «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Много выступает на родине своего деда М. Д. Михайлова в Чувашии. Народный артист Чувашской Республики.

Александр Рудин

Александр Рудин – виолончелист с мировым именем, дирижер, пианист, клавесинист, педагог, исследователь старинных партитур, автор оркестровых редакций камерных произведений и уникальных тематических циклов. В его репертуар входят произведения четырех столетий – как самые известные, так и никогда не исполнявшиеся. Благодаря вниманию Рудина к забытым страницам музыкальной истории меломаны впервые услышали ряд сочинений. В их числе Тема с вариациями для виолончели с оркестром Михаила Виельгорского, виолончельные концерты Антонина Крафта, Жан-Бальтазара Триклира, Иоганна Генриха Фациуса, Роберта Фолькмана, Первый виолончельный концерт Дворжака, авторские версии сочинений для виолончели с оркестром Чайковского – «Вариаций на тему рококо» и Pezzo capriccioso. Значимую часть репертуара Рудина составляют произведения наших современников – Валентина Сильвестрова, Вячеслава Артёмова, Эдисона Денисова, Родиона Щедрина, Андрея Головина.

Рудин родился в 1960 году в Москве. В 1983 году окончил Государственный музыкально-педагогический институт имени Гнесиных (класс виолончели Льва Евграфова, класс фортепиано Юрия Понизовкина), в 1989 – класс оперно-симфонического дирижирования Московской консерватории (руководитель Дмитрий Китаенко). Лауреат международных конкурсов имени И. С. Баха в Лейпциге (1976), Г. Кассадо во Флоренции (1979), П. И. Чайковского в Москве (1978, 1982). Солист Московской государственной академической филармонии (1983). Художественный руководитель (с 1988) и главный дирижер камерного оркестра «Musica Viva». С 1989 года преподает на кафедре камерного ансамбля и квартета Московской консерватории, с 2002 – профессор. Лауреат Государственной премии Российской Федерации в области литературы и искусства (2003). Народный артист России. Член жюри ряда международных конкурсов, в том числе X, XI и XII (председатель жюри виолончелистов) конкурсов имени Чайковского.

Получив академическое образование, Александр Рудин увлекся аутентичным исполнением старинной музыки и со временем пришел к органичному синтезу обоих направлений. Играет как на современной виолончели, так и на виоле да гамба, исполняет музыку романтиков, произведения эпохи барокко и раннего классицизма. Эта линия творчества привела Рудина и оркестр MusicaViva к тесному сотрудничеству с признанными мэтрами в области аутентичного исполнительства, среди которых Кристофер Хогвуд, Роджер Норрингтон, Кристофер Мулдс, Андреас Штайер, Алексей Любимов.

«Мимо меня не прошли достижения аутентистов, я с этим направлением много соприкасался – в первую очередь благодаря записям, поскольку до недавнего времени подобные коллективы в нашу страну почти не приезжали, – говорит Рудин. – Я никогда не играл музыку с преувеличенно-экспрессивными намерениями, с большой вибрацией и жирным звуком. Это слышно даже в старых моих записях, и получается, что я не настолько уж и отошел от того, что делал раньше – как солист и как дирижер. Как виолончелист я имел дело с Гайдном почти с детского возраста – еще на своем первом конкурсе в Праге, где как лауреат I премии играл его До-мажорный концерт. И не могу сказать, что с тех пор мои принципы кардинально изменились».

С Московским камерным оркестром Musica Viva Рудин представил в столице уникальные концертные программы, зарекомендовал себя как блестящий интерпретатор оперных партитур и масштабных произведений кантатно-ораториального жанра. В Москве под его руководством состоялись российские премьеры ораторий «Торжествующая Юдифь» Вивальди, «Воскресение и Вознесение Иисуса» К. Ф. Э. Баха и авторской редакции оратории «Минин и Пожарский, или освобождение Москвы» Дегтярёва. Прозвучали оратории Гайдна «Сотворение мира» и «Времена года», Симфония № 2 («Хвалебный гимн») Мендельсона, концертные версии опер «Идоменей» Моцарта и «Оберон» Вебера.

Крупнейшим событием московской музыкальной жизни стал концерт, посвященный 50-летию Рудина, состоявшийся 22 ноября 2010 года. В течение вечера Рудин представил две российские премьеры (Концерт для виолончели с оркестром До мажор Вагензайля, Две пьесы для виолончели с оркестром Сибелиуса), а также пять крупных виолончельных концертов – Гайдна, К. Ф. Э. Баха, Крафта, Шостаковича, Дворжака.

Рудин выступает со многими известными оркестрами, среди которых Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии, Российский национальный оркестр, Большой симфонический оркестр имени Чайковского, Государственный академический симфонический оркестр России имени Светланова, симфонические и камерные оркестры Норвегии, Финляндии, Турции. Как солист и дирижер Рудин участвовал в международных фестивалях Les Pianos Folies (Франция), La Follе Journée (Франция, Испания, Япония) и других. Сольные концерты Рудина проходят в Германии, Финляндии, Голландии, Канаде, Великобритании, Венгрии, Словении, Турции и других странах.

В дискографии Рудина более 30 дисков. Особую известность получили его записи шести сюит Баха (Naxos), виолончельных концертов Триклира, Мясковского, произведений Алябьева и А. Черепнина, «Григ-альбом», а также запись концерта из Большого зала консерватории (Третья симфония Бетховена и Виолончельный концерт Крафта).

Владимир Юровский

Родился в 1972 году в Москве. Представитель российской музыкальной династии: сын дирижера Михаила Юровского, внук композитора Владимира Юровского, правнук дирижера Давида Блока (создателя Государственного симфонического оркестра кинематографии). Музыкальное образование получил в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории, Дрезденской Высшей школе музыки имени Вебера и Берлинской Высшей школе музыки имени Эйслера.

Дирижированию обучался у своего отца, затем у Александра фон Брюка, Рольфа Ройтера и сэра Колина Дэвиса, был ассистентом Геннадия Рождественского. В 1995 году с триумфом дебютировал на международной сцене – в рамках оперного фестиваля в Уэксфорде (опера «Майская ночь» Римского-Корсакова). С тех пор сотрудничает с крупнейшими театрами, среди которых Ковент-Гарден (Лондон), Опера Бастий (Париж), Метрополитен-опера (Нью-Йорк), Комише Опер (Берлин), Ла Фениче (Венеция), Ла Скала (Милан), Большой театр России и другие. Выступает с ведущими симфоническими коллективами: филармоническими оркестрами Берлина, Вены и Нью-Йорка, Филадельфийским, Кливлендским, Чикагским и Бостонским симфоническими оркестрами, Государственной капеллой Дрездена, оркестрами Гевандхауса, Консертгебау, Баварского радио и многими другими. В 2001-2013 гг. – музыкальный руководитель оперного фестиваля в Глайндборне. В 2005-2009 гг. – главный приглашенный дирижер Российского национального оркестра. С 2007 – главный дирижер Лондонского филармонического оркестра и один из трех постоянных дирижеров Оркестра Эпохи Просвещения (наряду с сэром Саймоном Рэттлом и Иваном Фишером), с которыми провел фестивали «Открывая Чайковского», «Меж двух миров» (к 75-летию со дня рождения Шнитке) и другие. С 2009 сотрудничает с Камерным оркестром Европы. С 2017 года – художественный руководитель Фестиваля имени Энеску в Бухаресте, главный дирижер Оркестра Берлинского радио.

С 2011 года – художественный руководитель Государственного академического симфонического оркестра России имени Евгения Светланова. Выступал с коллективом на фестивале «Площадь искусств» (Санкт-Петербург), на III симфоническом форуме России (Екатеринбург), в концертах, посвященных памяти Евгения Светланова и 100-летию начала Первой мировой войны, в симфонических собраниях для студентов Московского университета и Российской академии музыки им. Гнесиных, в городах России и Германии; осуществил мировые премьеры оперы «Король Лир» Слонимского, «Песни Лукерьи» и «Песни восхождения» Вустина, «Наваждения» Прокофьева в оркестровке Геннадия Гладкова, российские премьеры Симфонии № 3 Сильвестрова, «Гейлигенштадтского завещания Бетховена» Щедрина, Симфоний №№ 5 и 9 Бетховена в редакции Малера, оперы «Прометей» Орфа, мюзикла «Обыкновенное чудо» Гладкова в редакции для солистов, хора и симфонического оркестра и полной версии «Предварительного действа» Скрябина – Немтина, московскую премьеру «Погребальной песни» Стравинского. По инициативе дирижера в 2012 году возрождена традиция посвящения в студенты первокурсников Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (в Музее-заповеднике Чайковского в Клину). В 2016 году в зале имени Чайковского под руководством маэстро прошли четвертый ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает» и пятый фестиваль «Другое пространство».

Юровский был дирижером-постановщиком опер «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» Моцарта, «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские майстерзингеры» и «Парсифаль» Вагнера, «Отелло», «Фальстаф» и «Макбет» Верди, «Борис Годунов» Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковского, «Руслан и Людмила» Глинки, «Ариадна на Наксосе» и «Женщина без тени» Р. Штрауса, «Приключения лисички-плутовки» Яначека, «Похождения повесы» Стравинского, «Моисей и Аарон» Шёнберга, «Воццек» Берга, «Огненный ангел» Прокофьева, «Любовь и другие демоны» Этвеша, Vita Nuova Мартынова и других.

В дискографии Юровского – записи симфоний Бетховена, Брамса, Чайковского, Малера, Воана-Уильямса, Шостаковича, Шнитке, симфонических произведений Гайдна, Вагнера, Р. Штрауса, Рахманинова, Равеля, Холста, Онеггера, Бриттена, Джулиана Андерсона, опер Хумпердинка, Россини, Мейербера, Массне, Пуччини, Цемлинского, Рахманинова, Прокофьева, Стравинского, Казеллы, Блоха, Тернеджа, Мишеля ван дер Аа, Андрея Семёнова и других.

В 2000 году Юровский стал обладателем Abbiati Prize как «лучший дирижер года», в 2015 – BBC Music Magazine Award за запись оперы «Нюрнбергские майстерзингеры» Вагнера; в 2007 году отмечен Королевским филармоническим обществом Великобритании как «дирижер года», в 2012 и 2014 гг. назван российской газетой «Музыкальное обозрение» «персоной года», в 2013 номинирован на премию Grammy. Критика отмечает масштабность творческих замыслов и отточенность интерпретаций музыканта, просветительскую направленность его деятельности. В 2016 году Юровский удостоен званий почетного доктора Королевского колледжа музыки (Лондон) и почетного профессора Московского государственного университета.

Джонатан Харви

Родился близ Бирмингема в семье музыканта-любителя. Начал сочинять музыку в 6 лет. Учился в колледже Св. Иоанна в Кембридже, затем – в Университете Глазго, где играл на виолончели в Шотландском симфоническом оркестре Би-Би-Си, чьим композитором-резидентом стал впоследствии (2005-08). По совету Бенджамина Бриттена брал частные уроки у Эрвина Штайна и Ханса Келлера. В 1966 г. впервые посетил Международные летние курсы новой музыки в Дармштадте (Германия), где испытал сильное воздействие Штокхаузена. Затем обучался в Нью-Йорке в Принстонском университете (1969-70), где общался с Милтоном Бэббиттом, оказавшим сильное влияние на его музыку. В 1980-е годы по приглашению Пьера Булеза работал в Париже в Институте исследования и координации акустики и музыки (IRCAM). Преподавал в Университете Суссекса и Стэнфордском университете (США). Композитор-резидент Хаддерсфилдского фестиваля современной музыки и Берлинского института перспективных исследований (2009). Среди исполнителей его произведений – Берлинский филармонический оркестр, EnsembleModern (Германия), EnsembleInterContemporain (Франция), ASKO / SchoenbergEnsemble (Нидерланды), IctusEnsemble (Бельгия).

После серьёзных влияний Штокхаузена, Булеза и Бэббитта композитор обратился к музыкальным традициям и священным текстам Запада, Ближнего и Дальнего Востока. Особенно важную роль в его творчестве сыграло духовное влияние буддизма. Писал музыку на стихи Ли Бо, Рабиндраната Тагора, Джерарда Хопкинса, Уильяма Йейтса. Среди крупных сочинений – оперы «Страсти и Воскресение» (1981), «Дознание Любви» (1993), «Сон Вагнера» (2007), симфонические, камерные и электронные произведения.

Член Европейской Академии, лауреат Премии Бриттена (1993), Giga-HertzPrize (2007), Премии князя Монако Пьера (2009) и др.

Скончался в г. Льюисе (Восточный Суссекс).

Джон Тавенер

Родился в Лондоне. Прямой потомок Джона Тавернера, композитора и органиста эпохи Возрождения (ок. 1490-1545). Закончил Хайгейтскую школу и Королевскую Академию музыки (1965). Начиная с 1961 г. и в течение последующих 14 лет работал органистом и хормейстером церкви Св. Иоанна в Кенсингтоне.

Впервые известность ему принесла оратория «Кит» (1968), основанная на библейской легенде об Ионе. Особый интерес к духовной тематике (опера «Тереза» о монахине Терезе из Лизьё, 1973), а также к русской культуре (камерная опера «Кроткая» по рассказу Достоевского, 1977; «Ахматова: Реквием» для солистов с оркестром, 1980) привели композитора к крещению в Православной церкви от митрополита Антония (Блума). Оно стало результатом растущего убеждения в том, что восточные традиции сохранили изначальную сущность христианства, утраченную Западом. Большое влияние на Тавенера оказали традиция знаменного пения (Литургия Св. Иоанна Златоуста, 1977), творчество Стравинского (“In memoriam Igor Stravinsky”, 1971), Мессиана и Арво Пярта (с которым, по словам самого композитора, его роднит «восприятие роли автора как ретранслятора идей, исходящих от высших сфер»). Дальнейший успех ему принесли такие сочинения как «Агнец» (хорал на стихи Уильяма Блейка, 1982), «Покров Пресвятой Богородицы» для виолончели с оркестром (1988), «Песнь Афине» для хора (на слова православной монахини Матери Теклы, написанная на смерть британской актрисы Афины Ариадес, 1993).

Позднее композитор обращается в своем творчестве к самым различным источникам: к суфийской музыке, к искусству коптов и американских индейцев – в которых он находит духовное измерение и свободу, недоступные западной музыке. В 2000-е гг. объектом его интереса стала философия швейцарского метафизика Фритьофа Шуона, которая охватывает различные религиозные традиции (“Schuon Lieder” для сопрано и инструментального ансамбля, 2003). Он проявился и в таких произведениях Тавенера как «Святая Святых» (включающее элементы суфийской поэзии, христианские, и индуистские тексты, 2002), «Лалишри» (вдохновлённое индуистскими мотивами, 2006), «Прекраснейшие Имена» (в основе текста 99 коранических имен Аллаха, 2007), «Реквием» (где в католический текст включены фрагменты из Корана и Упанишады, 2008), “Popule Meus” (медитации на иудейский и христианский тексты, 2009).

Лауреат Премии Айвора Новелло, премии Грэмми и др. Возведен в рыцарское достоинство (2000).

Скончался в Чайлд-Оукфорде (графство Дорсет).

Эдисон Денисов

В этом году исполняется 85 лет со дня рождения Эдисона Денисова – одного из крупнейших отечественных композиторов послевоенного поколения, создавших свой собственный музыкально-поэтический мир и творческий стиль. Денисов был единственным среди композиторов-единомышленников из бывшего СССР (таких как Шнитке, Губайдулина, Сильвестров и др.), кто, будучи выдающимся педагогом, создал свою композиторскую школу и оказал влияние на несколько творческих поколений. Как музыкально-общественный деятель и пропагандист «новой русской композиторской школы», он способствовал её признанию во многих странах мира.

Начав свой творческий путь в середине 1950-х годов под воздействием русской музыки ХХ века (особенно – Шостаковича и Стравинского), в дальнейшем Денисов испытал знаковые для своего поколения влияния европейской музыки – начиная от «нововенцев» (Шёнберга и Веберна) и кончая звуковыми открытиями композиторов послевоенной Европы (прежде всего – Булеза и Лигети). К середине 1970-х гг. Денисов приходит к особого рода лиризму и элегичности, выразительной линеарной мелодике и тонкой, импрессионистической красочности, пронизывающей всю ткань его произведений. Важную роль в творчестве композитора играли поэзия, театр и изобразительное искусство – в том числе и творческое общение с такими выдающимися современниками как режиссёр Юрий Любимов и художник Борис Биргер.

Признанию музыки Денисова в России и за рубежом способствовали такие выдающиеся исполнители как Геннадий Рождественский, Пьер Булез, Даниэль Баренбойм, Леонид Коган, Гидон Кремер, Олег Каган, Юрий Башмет, Наталья Гутман, Алексей Любимов, Валерий Попов, Лев Михайлов, Эдуард Бруннер, Хайнц Холлигер, Орель Николе, Лидия Давыдова, Алексей Мартынов, Марк Пекарский, Ардитти-квартет и многие другие.

Альфред Шнитке

В 2014 году отмечался 80-летий юбилей Альфреда Шнитке – одного из наиболее самобытных отечественных композиторов послевоенной эпохи.

Помимо произведений для музыкального театра и симфоническом жанре (в котором он заявил о себе едва ли ни как самый значительный русский композитор после Шостаковича), Шнитке создал целое направление в музыке к драматическому театру и кино – в том числе благодаря сотрудничеству с такими режиссёрами, как Юрий Любимов, Элем Климов, Михаил Швейцер и др. Программность и театральность свойственны по сути всей его музыке. Композитор, начинавший свой творческий путь в конце 1950-х годов как последователь Шостаковича и Стравинского, а затем, в 1960-е годы продолживший его под воздействием «нововенцев» (Берга, Веберна) и композиторов-современников послевоенной Европы (Булеза, Штокхаузена, Лигети, Лютославского, Берио, Бернда Алоиза Циммермана), пришёл в результате к особого рода концептуальной, театрализированной полистилистике и коллажности, ставшей для многих «визитной карточкой» его творчества.

На сегодняшний день Шнитке относится к самым часто исполняемым в мире русским композиторам. Немалую роль в популяризации его творчества в России и за рубежом сыграли такие выдающиеся музыканты, как Геннадий Рождественский, Мстислав Ростропович, Александр Лазарев, Лев Маркиз, Марк Лубоцкий, Гидон Кремер, Олег Каган, Юрий Башмет, Наталья Гутман, Александр Ивашкин, Лев Михайлов, Хайнц Холлигер и многие другие. Владимир Юровский относится уже к следующему поколению музыкантов, в чьём репертуаре произведения Шнитке занимают столь же прочное место, как и у его предшественников.

Антон Батагов

Антон Батагов – композитор, пианист. Родился 10 октября 1965 года в Москве. Закончил Московскую консерваторию. За очень короткое время, прошедшее с того момента, как студент профессора Татьяны Николаевой получил специальный приз на Международном конкурсе Чайковского в 1986 году, а также ряд других премий, Батагов из неординарно одаренного пианиста превратился в принципиально важную, креативную, влиятельную и необычную фигуру современной российской музыкальной жизни.

Его концертные выступления и записи каждый раз становились знаковыми событиями, обсуждаемыми и аудиторией, и прессой. Они радикально меняют привычные представления о слушательском опыте, о традициях восприятия и даже о самих основах музыкального искусства. Его дебютный диск (точнее, комплект из трех CD "Двадцать взглядов на Младенца-Иисуса" Мессиана, изданный фирмой "Мелодия" в 1990 году) сразу же стал сенсацией. А о записи "Искусства фуги" Баха, сделанной в 1993 году, знаменитый американский музыковед Ричард Костеланец написал:"Это самая потрясающая интерпретация Баха со времен Гульда".Влияние концертных и студийных работ Батагова на понимание классики и новой музыки, на художественные тенденции в России конца XX – начала XXI века с самого начала было огромным и неизменно сохраняется.

В конце 80-х Батагов стал пропагандировать русскую музыку вне России, а не-русскую – на своей родине. Он стал первым в России исполнителем Филипа Гласса, Стива Райха, Мортона Фелдмана, Джона Кейджа. Под его пальцами рождались первые сезоны легендарного фестиваля «Альтернатива». Не только как музыкант, но и как художественный директор «Альтернативы» (с 1989 по 1996 год) Антон Батагов принципиально повлиял на расширение эстетических горизонтов музыкального сообщества, на смысл музыкальной практики в России, на качественное изменение взглядов публики.

В 1997 году Батагов отказался от концертных выступлений. Поразительно, как музыкант, избегая «магистральных» и «модных» направлений, и даже отказавшись по-гульдовски от публичных выступлений, с какой-то удивительной неизбежностью оказывается в центре самых важных событий искусства.

Как композитор Антон Батагов начинал в традициях минимализма, имеющего в России собственные черты и уникальную историю. Его сравнивали с классиками американского минимализма. Он изменил не только отношение публики и специалистов к подобной музыке. Из замкнутой сферы она стала превращаться в открытое и динамичное пространство. В его творчестве практически отсутствует граница между понятиями "сочинение" и "исполнение", и любые пласты звуковой культуры – от древних ритуальных практик до рок/поп-культуры и виртуальных технологий – органично сплетаются в единое целое. Колокольный звон и пение тибетских лам неразрывно связаны в сочинениях Батагова с отзвуками классического минимализма, пульсом русского авангарда и драйвом арт-рока. В его дискографии на данный момент более 30 компакт-дисков. Его музыка получила признание не только в России. В США его произведения регулярно звучат в эфире крупнейших радиостанций в одном ряду с сочинениями Гласса, Райха, Наймана, Пярта, Шнитке, Сильвестрова. С ним сотрудничают такие мастера, как великий хореограф Билл Т.Джонс и Calder Quartet.

Начав работать в сфере музыки для кино и телевидения, он заставил многих изменить отношение и к этой области творчества, считавшегося сугубо прикладным. Батагов – автор музыки к ряду кинофильмов, в том числе к пяти картинам Ивана Дыховичного. По мнению легендарного нью-йоркского продюсера и музыковеда Джона Шейфера (WNYC),"Киномузыка Антона Батагова – это переживание, способное изменить жизнь".

Он также является создателем музыкального оформления крупнейших российских телеканалов – Культура (2002 - 12), НТВ (1997 - 98), РТР (1998 - 2000) и других. Батагову удалось совершить переворот даже в такой области, как музыка для телевидения, и сломать все представления о том, как должен звучать телевизор. Он привнес глубину, красоту и тонкость современной классики в мир телевидения. Его стиль, неповторимо оригинальный и узнаваемый, стал недосягаемым эталоном телевизионной музыки в России. Достаточно услышать три секунды, чтобы сразу же определить автора. Несмотря на колоссальное количество сочиненных им композиций, он никогда не повторяется. Каждая новая композиция – это новая мелодия, новый звуковой образ. Многие другие композиторы осознанно или неосознанно пытаются подражать ему.

Духовной основой сочинений Батагова конца 90-х – начала 2000-х годов стала буддийская философия и практика. Он создал ряд масштабных произведений, которые фактически представляют собой новый, ранее не существовавший жанр, соединяющий древние буддийские тексты в их традиционном молитвенном исполнении с постмодернистской техникой композиции и практикой современного инструментального музицирования. В 2005 - 06 годах он также перевел на русский язык две книги: "Так называемый Я" и "Фонарь, освещающий путь". В этих книгах собраны наставления, данные западным и российским ученикам выдающимися тибетскими ламами XX века.

С начала 2000-х годов Антона Батагова уже привыкли воспринимать не столько как продолжателя постминималистской традиции, но как совершенно уникальную фигуру в мировом контексте. Его авторский взгляд и духовный опыт неповторимы, а принципы настолько же неортодоксальны, насколько ясны и убедительны.

В 2009 году он был удостоен престижной премии "Степной волк" в номинации "музыка года". В том же году он возобновил концертные выступления.

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова

Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, один из старейших симфонических коллективов страны, отметил 80-летие в 2016 году. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936-1941), Натан Рахлин (1941-1945), Константин Иванов (1946-1965) и Евгений Светланов (1965-2000). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Евгения Светланова. В 2000-2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002-2011 гг. – Марк Горенштейн. 24 октября 2011 года художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами мира. С сезона 2016/17 главный приглашенный дирижер Госоркестра – Василий Петренко.

Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 году оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За пультом коллектива стояли Герман Абендрот, Эрнест Ансерме, Лео Блех, Николай Голованов, Курт Зандерлинг, Отто Клемперер, Кирилл Кондрашин, Лорин Маазель, Курт Мазур, Николай Малько, Игорь Маркевич, Евгений Мравинский, Шарль Мюнш, Мстислав Ростропович, Саулюс Сондецкис, Игорь Стравинский, Арвид Янсонс, Шарль Дютуа, Геннадий Рождественский, Леонард Слаткин, Юрий Темирканов, Михаил Юровский, Валерий Гергиев, Александр Лазарев, Андрей Борейко, Александр Ведерников, Ион Марин, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали певцы Ирина Архипова, Галина Вишневская, Сергей Лемешев, Елена Образцова, Мария Гулегина, Пласидо Доминго, Монсеррат Кабалье, Йонас Кауфман, Дмитрий Хворостовский, пианисты Эмиль Гилельс, Ван Клиберн, Генрих Нейгауз, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мария Юдина, Валерий Афанасьев, Элисо Вирсаладзе, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Алексей Любимов, Борис Березовский, Николай Луганский, Денис Мацуев, скрипачи Леонид Коган, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Максим Венгеров, Виктор Пикайзен, Вадим Репин, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, альтист Юрий Башмет, виолончелисты Мстислав Ростропович, Наталия Гутман, Александр Князев, Александр Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов Вальтрауд Майер, Анны Нетребко, Хиблы Герзмавы, Александрины Пендачанской, Надежды Гулицкой, Екатерины Кичигиной, Ильдара Абдразакова, Дмитрия Корчака, Василия Ладюка, Рене Папе, пианистов Мицуко Учиды, Рудольфа Бухбиндера, скрипачей Леонидаса Кавакоса, Патриции Копачинской, Юлии Фишер, Дэниела Хоупа, Николая Цнайдера, Сергея Крылова. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры Станислав Кочановский, Андрис Пога, Мариус Стравинский, Филипп Чижевский, пианисты Люка Дебарг, Филипп Копачевский, Ян Лисецкий, Дмитрий Маслеев, Александр Романовский, скрипачи Алена Баева, Айлен Притчин, Валерий Соколов, Павел Милюков, виолончелист Александр Рамм.

Впервые побывав за рубежом в 1956 году, оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений Александра Вустина, Сергея Слонимского, Антона Батагова, Андрея Семёнова, Владимира Николаева, Олега Пайбердина, Ефрема Подгайца, Юрия Шерлинга, а также российские премьеры произведений Бетховена – Малера, Скрябина – Немтина, Орфа, Берио, Штокхаузена, Тавенера, Куртага, Адамса, Сильвестрова, Щедрина, Тарнопольского, Геннадия Гладкова; принял участие в XV Международном конкурсе имени Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; трижды участвовал в фестивале актуальной музыки «Другое пространство»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

В сентябре 2015 года Владимир Юровский объявил о долгосрочном проекте «80 премьер», в рамках которого отметивший 80-летие коллектив на протяжении нескольких сезонов исполняет восемьдесят премьер – мировых, российских и московских. С января 2016 года Госоркестр реализует специальный проект по поддержке композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество с современными российскими авторами. Первым в истории Госоркестра «композитором в резиденции» стал Александр Вустин.

За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 года носит почетное звание «академический»; в 1986 году был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.