Цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Истории с оркестром. Похитители огня
Каталог концертов

Цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Истории с оркестром. Похитители огня

Год выхода:
2014
Страна производитель:
Россия
Длительность:
174 мин.

Габриель Форе. «Кортеж Пандоры» из музыкальной драмы «Прометей»

Музыкальная драма Габриэля Форе «Прометей» была написана в 1900 году для открытия нового сезона в Театре Безье на юге Франции. Огромный античный амфитеатр, построенный прямо посреди величественных Пиренейских гор, как нельзя лучше подходил для воплощения истории об античном герое Прометее, спустившемся с Олимпа и даровавшем людям огонь. Масштабность природных «декораций» и величие мифа вдохновили композитора на создание поистине грандиозной партитуры: в ее исполнении приняли участие более 800 музыкантов. При подготовке премьеры не обошлось без мистики: во время генеральной репетиции началась страшная гроза, а одна из молний ударила прямо в то место, где по идее спектакля Прометей должен был разжечь огонь. Однако на следующий день выдалась прекрасная погода, и премьера «Прометея», на которой присутствовали 10 тысяч зрителей, прошла с ошеломляющим успехом.

Альбан Берг. «Лулу-сюита»

Наряду с образом Прометея программа абонемента повествует и о других персонажах, задействованных в знаменитом мифе. Одним из них является Пандора — женщина, сотворенная Зевсом в наказание людям, ставшая женой брата Прометея — Эпиметея. Открыв подаренный Зевсом заветный ларец, Пандора выпустила в мир все запертые там беды и несчастья, оставив на дне только надежду.

В XX веке образ Пандоры — роковой женщины, несущей зло, — нашел воплощение в героине пьес немецкого драматурга Франка Ведекинда «Земной дух» и «Ящик Пандоры», которые легли в основу последней оперы Альбана Берга — «Лулу».

Главная героиня оперы — обольстительная женщина-хищница, которая губит всех попавших под ее очарование: одни скоропостижно умирают или сводят счеты с жизнью, пораженные глубиной ее развращенности, других она убивает сама, третьи опускаются на самое дно безнравственности. Однако зло, порождаемое Лулу, в итоге настигает и ее, — в конце оперы Лулу становится жертвой Джека Потрошителя.

В 1935 году, в последний год своей жизни, Берг составил из музыки незавершенной оперы сюиту для сопрано и симфонического оркестра.

Ян Сибелиус. Симфоническая поэма «Океаниды»

Симфоническая поэма «Океаниды» — одно из самых поэтичных сочинений Сибелиуса, отличающееся красотой и изысканностью оркестровой палитры. По своему настрою оно удивительно близко музыке французских импрессионистов Дебюсси и Равеля. Это единственная симфоническая поэма Сибелиуса, где он обращается не к финскому эпосу, а к древнегреческой мифологии. Океаниды — дочери Океана и Тефиды — нимфы, обитательницы морских вод, стали сочувствующими слушательницами рассказа Прометея, прикованного к скале.

Александр Скрябин. Поэма «Прометей»

Александр Скрябин – композитор эпохи символизма. Его увлекают мистические настроения своего времени, концепции Елены Блаватской, идея синтеза искусств. Для Скрябина образ мифического титана абстрактен: композитор уверял, что его «Прометей» не имеет отношения к древнегреческому мифу, это символ огня, символ активного начала и творческого принципа. Скрябин выходит за пределы мифа с его героями, за пределы жанра симфонической поэмы и даже за пределы музыки, написав для своего «Прометея» световую партитуру.

Чулпан Хаматова

Чулпан Хаматова — одна из самых ярких актрис современности.

Получила образование в Казанском театральном училище и ГИТИСе (курс Алексея Бородина), во время обучения выступала на сценах нескольких московских театров — РАМТа, «Театра Луны», Театра Антона Чехова, Центрального детского театра, «Независимой антрепризы».

В 1998 году актриса была приглашена в труппу Московского театра «Современник», где дебютировала в роли Патриции Хольман («Три товарища»). Играла в спектаклях «Три сестры» (Ирина, Маша), «Мамапапасынсобака» (Андрия), «Гроза» (Катерина), «Антоний & Клеопатра» (Клеопатра), «Враги. История любви» (Маша).

Участвовала в постановках Театра Наций «Рассказы Шукшина» (2008) и «Фрекен Жюли» (2011). В 2009 году дебютировала в хореографической новелле по повести Н. Карамзина «Бедная Лиза» (музыка Л. Десятникова, постановка А. Сигаловой).

В кино Чулпан Хаматова начала сниматься на третьем курсе (роль Кати во «Времени танцора» В. Абдрашитова). Роль Риты в фильме В. Тодоровского «Страна глухих» стала для нее поистине звездной, — и зрители, и критики признали ее одной из самых талантливых молодых актрис отечественного кино. Чулпан Хаматова снялась в более чем 40 фильмах, среди которых «Лунный папа», «Львиная доля», «72 метра», «Гарпастум», «Многоточие», «Бумажный солдат», многосерийные фильмы «Дети Арбата», «Гибель империи», «Доктор Живаго», «Достоевский», «Пепел», «Синдром Петрушки» и другие. Актриса много работает в европейском кино.

Чулпан Хаматова принимала участие в абонементе Московской филармонии «Сказки с оркестром» на сцене Концертного зала имени П. И. Чайковского.

Вместе с Диной Корзун она организовала благотворительную акцию «Подари жизнь» и создала одноименный фонд в помощь больным детям. Работала в составе Общественной палаты РФ (с 2008 года).

На телевидении Чулпан Хаматова была одной из ведущих в телепередаче «Жди меня» (2005—2006), в паре с фигуристом Романом Костомаровым стала победительницей в проекте Первого канала «Ледниковый период» (2007).

Чулпан Хаматова — заслуженная артистка Российской Федерации (2004), народная артистка Российской Федерации (2012). Удостоена наград кинофестивалей «Кинотавр», «Бригантина», кинофестиваля в Сочи и других; премий «Чайка», «Золотая маска», «Кумир», «Каронация», «ТЭФИ», «Золотой орел», «Хрустальная Турандот» и других; Государственной премии Российской Федерации, Ордена Дружбы. В 2008 году удостоена звезды на «Аллее славы» на площади Звезд российского кинематографа, а в 2012 году ее именем назван астероид (279119) «Хаматова».

Александр Филиппенко

Первые шаги в области актерского искусства Александр Филиппенко осуществил в драмкружке Алма-Атинского Дворца пионеров. Занятия там ему «ужасно нравились». Но время было такое, что физики были в почёте, а лирики «в загоне». Поэтому решено было идти только на физтех и молодой Александр поступил в один из лучших вузов Москвы – Московский физико-технический институт. Вот как видит себя тогдашнего Александр Георгиевич: «В 20 лет я был умным физтеховским мальчиком». В МФТИ в то время была одна из сильнейших команд КВН, и студент с азартом и воодушевлением погрузился в атмосферу веселья, творчества, экспромтов и юмора. Потом был студенческий театр МГУ (эстрадная студия «Наш дом»), где играли Семён Фарада, Михаил Филиппов и Геннадий Хазанов, и творили молодые Виктор Славкин и Марк Розовский. Это была типичная юность шестидесятника. Когда студию закрыли, Филиппенко, по его словам, «ушёл в профессионалы», то есть поступил в Щукинское театральное училище и начал работать в театре на Таганке. Тогда же его увлекло сценическое исполнение произведений великой русской литературы, и он начал читать Есенина, Горького и Зощенко. Из стен Щуки вышел с двумя дипломами – актерским и режиссёрским, после чего почти двадцать лет работал в Академическом театре имени Евгения Вахтангова, продолжая параллельно нарабатывать чтецкий репертуар (Платонов, Булгаков, Зощенко).

В настоящее время это очень востребованный актёр. Он не служит в конкретном театре, но как приглашённый артист играл в «Сатириконе», сейчас играет в Театре имени Моссовета, Театре под руководством О. Табакова, Et Cetera.

Александр Филиппенко много снимается в кино. Из последних значимых работ – Коровьев в фильме Ю. Кары «Мастер и Маргарита» и Азазелло в одноименном фильме В. Бортко. Он – один из лучших острохарактерных актёров. Характерность для него (по Станиславскому) – это не сумма внешних приёмов и приспособлений, а умение найти другую, не похожую на него индивидуальность, перевоплотиться в неё и стать другим человеком, подчас не имеющим ничего общего с ним самим. Он настоящий актёр-труженик, но без циничной «всеядности».

В 1999 году Александр Филиппенко получил Государственную премию за моноспектакль «Мёртвые души» (последние главы), то есть фактически за чтецкую работу! У него есть ещё одна, очень ценная для него награда, полученная в номинации «За верность идеалам высокой литературы на эстраде». Это очень точно – в чтецком репертуаре артиста только хорошая литература. Выбор тех или иных авторов в чтецком концерте – это всегда субъективный выбор исполнителя. И он не случаен, поскольку зависит от того, в каком городе концерт, каков возраст и уровень подготовленности зрителя. Александр Филиппенко читает со сцены вот уже 40 лет, но по-прежнему ему это интересно, он делает новые чтецкие программы, много ездит с концертами по стране, полон новых замыслов.

«В России вновь возникает тяга к хорошему слову. Лысые шестидесятники-родители ведут детей послушать Гоголя, Булгакова, Платонова. Я выступаю, я знаю», – говорит актер. У него особые отношения не только с музыкой слова, но и с музыкой к слову, к тексту. А поскольку Александр Филиппенко обращается к творчеству самых разных авторов (Гоголь, Довлатов, Жванецкий, Достоевский, Платонов, Пушкин, Зощенко), то и музыканты, участвующие в его программах, тоже разные: ансамбль солистов «Эрмитаж», оркестр Kremlin под управлением М. Рахлевского, Московский государственный академический хор под управлением В. Минина, пианист Ю. Векслер. Одной из последних работ актера является моноспектакль «Отражение в воде» по произведениям А. Солженицына на музыку Д. Шостаковича: эта постановка, с участием ансамбля «Эрмитаж», была представлена в 2013 году на гастролях в Рязани.

Александр Филиппенко удостоен звания «Народный артист России».

Эллисон Белл

Эллисон Белл обладает репутаций одной из самых эффектных исполнительниц музыки ХХ–ХХI веков.

Уроженка Тасмании, она училась в Университете Сиднея, параллельно участвуя в спектаклях Австралийского театра юных актеров. Затем певица продолжила образование в Европе. Она участвовала в мастер-классах Джоан Сазерленд, Вирджинии Дзеани, Магды Оливеро, Гены Димитровой, Иляны Котрубаш, Гундулы Яновиц, Далтона Болдуина, Пола Хамбургера, Дитриха Фишера-Дискау.

Оперный репертуар Эллисон Белл достаточно широк. Она исполняла такие партии, как Моргана («Альцина» Г. Ф. Генделя), Вздорность («Платея» Ж.–Ф. Рамо), Аспазия («Митридат, царь Понтийский» В. А. Моцарта), Госпожа Зильберкланг / Госпожа Херц («Директор театра» В. А. Моцарта), Блондхен («Похищение из сераля» В. А. Моцарта), Царица ночи («Волшебная флейта» В. А. Моцарта), Главка («Медея» Л. Керубини), Адель (оперетта «Летучая мышь» И. Штрауса), Оскар («Бал-маскарад» Дж. Верди), Лесная птица («Зигфрид» Р. Вагнера), Офелия («Гамлет» А. Тома), Олимпия («Сказки Гофмана» Ж. Оффенбаха), Джульетта («Ромео и Джульетта» Ш. Гуно), Лакме («Лакме» Л. Делиба), Зербинетта («Ариадна на Наксосе» Р. Штрауса), Бубикопф («Император Атлантиды» В. Ульмана), Соловей («Птицы» В. Браунфельса), Куниганда (оперетта «Кандид» Л. Бернстайна), Прелестная Полли («Панч и Джуди» Х. Бёртуистла), роль Поли Пичем в «Трехгрошовой опере» Б. Брехта – К. Вайля и др.

В репертуаре певицы множество вокально-инструментальных произведений: «Жалобная песнь» Г. Малера, «Шехеразада» М. Равеля, «Поэмы для Ми» О. Мессиана, «Камерная музыка» Л. Берио, «Песнецветы и песнесказки» В. Лютославского, «Четыре песни на переход через порог восприятия» Ж. Гризе, Troisairs К. Вивье, LibrodelFrio Ф. Панизелло, Lost Ф. Ромителли, Третья симфония Х. Гурецкого.

Среди ярких работ Эллисон Белл в опере – партия Сиервы Марии на мировой премьере оперы «Любовь и другие демоны» Петера Этвеша, которая состоялась на Глайндборнском фестивале под управлением Владимира Юровского. В дальнейшем Э. Белл была приглашена выступить этой роли в Литовском национальном театре оперы и балета в Вильнюсе, в Национальной Рейнской опере – в Страсбурге и Мюлузе.

Сотрудничество с Петером Этвешем певица продолжила в проекте «Ретроспективы», концерты которого прошли в Кане, Страсбурге, Будапеште и Мадриде. В 2011 году был выпущен компакт-диск с произведениями композитора, который получил венгерскую премию FONOGRAM и был удостоен парижской награды Orpheed’Or.

Эллисон Белл часто выступает с Лондонским филармоническим оркестром, участвует в различных художественных проектах его главного дирижера Владимира Юровского. Хороших отзывов удостоился ее концерт в Вигмор-холле, где певица дебютировала в цикле «Лунный Пьеро» А. Шенберга, а также исполнила сольную партию в британских премьерах сочинений А. Шнитке – «Три сцены для сопрано и ансамбля», Три мадригала на стихи Ф. Танцера и Der gelbe Klang («Желтый звук»).

Певица выступала в Куин Элизабет-холле в Лондоне, в Музее королевы Софии в Мадриде, в Большом театре России («Дитя и Волшебство» М. Равеля); пела на Эдинбургском фестивале, Лондонском фестивале современной музыки, Варшавском Осеннем фестивале, Страсбургском музыкальном фестивале.

В числе оркестров, с которыми доводилось сотрудничать Эллисон Белл, – лондонские Sinfonietta и «Филармония», Шотландский симфонический оркестр Би-Би-Си, камерные оркестры «Северная симфония», BrittenSinfonia, Молодежный симфонический оркестр Бирмингема, Исландский симфонический оркестр, Тасманский симфонический оркестр.

Эллисон Белл участвовала в нескольких премьерах: мировой премьере оперы LaPlusForteДжеральда Барри, британской премьере концерта для колоратурного сопрано с оркестром La Machine de l’Etre Джона Зорна, австралийской премьере «Мистерий макабра» Дьердя Лигети. Весной 2014 года с ее участием состоялась мировая премьера нового произведения Бретта Дина.

В числе наиболее ярких событий текущего лета – выступления в Москве: в спектакле «Лунный Пьеро» Шотландского балета в Театре Моссовета, а также в Концертном зале имени П. И. Чайковского в цикле «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Другой проект с маэстро Юровским будет реализован Эллисон Белл в Берлине, где прозвучат «Четыре песни на переход через порог восприятия» Жерара Гризе.

Алексей Володин

Алексей Володин — эксклюзивный артист Steinway&Sons ― один из самых талантливых представителей среднего поколения русской фортепианной школы, обладающий ярко выраженной индивидуальностью, оригинальным исполнительским почерком, неподражаемым звукоизвлечением и исключительным техническим мастерством.

Алексей Володин родился в 1977 году в Ленинграде, в 9 лет начал заниматься музыкой. Переехав в 1987 году в Москву, учился у И. А. Чаклиной, Т. А. Зеликман в МССМШ им. Гнесиных и в Московской консерватории и аспирантуре у профессора Э. К. Вирсаладзе. В 2001–2002 годах стажировался в Международной фортепианной академии (Комо, Италия). Преподавал в Московской консерватории (был ассистентом Э. К. Вирсаладзе).

Пианист является лауреатом международных конкурсов Паломы О’Ши (Сантандер, Испания, 1998); в Сиднее (Австралия, 2000); имени Эннио Поррино (Кальяри, Италия, 2001, I премия). После блестящей победы на Международном конкурсе пианистов им. Гезы Анды в Цюрихе (Швейцария, 2003) он с огромным успехом выступает в самых известных концертных залах мира: Concertgebouw (Амстердам), Tonhalle (Цюрих), Lincoln Centre (Нью-Йорк), Theatre des Champs-Elysees и Pleyel (Париж), Philharmonie (Берлин), Alte Oper (Франкфурт), Herculessaal (Мюнхен), Konzerthaus (Вена), La Scala (Милан), Sydney Opera House (Сидней), Suntory Hall (Токио), Bozar (Брюссель), Wigmore Hall (Лондон), Auditorio Nacional (Мадрид), Palau de la Musica (Барселона), римском театре Olimpico, а также в залах Лиона, Тулузы, Люксембурга, Лиссабона, Баку, Тайпея и многих других городов. Музыкант был первым участником популярной программы «Артист месяца» в Концертном зале Мариинского театра (2007). С сезона 2006/07 — постоянный приглашенный солист в г. Монпелье (Франция).

В обширном репертуаре пианиста значительное место занимают произведения Баха, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Чайковского, Рахманинова, Скрябина, Стравинского, Прокофьева, Гершвина, современных композиторов; в арсенале артиста ― более 50 фортепианных концертов.

Алексей Володин записал несколько компакт-дисков с произведениями Бетховена, Шумана, Чайковского, Рахманинова, Стравинского, Равеля, Прокофьева, Скрябина, которые выпустили в свет фирмы Intersoft Media (Россия), Live Classics (Германия), ABC Classics (Австралия) и Challenge Classics (Нидерланды). Диск с сочинениями Фредерика Шопена был удостоен награды Choc de Classica и «пяти звезд» от журнала Diapason. Пианист также осуществил запись произведений Рахманинова в 2013 году.

Музыкант участвует в международных фестивалях в России (Московский Пасхальный, «Звезды белых ночей» в Санкт-Петербурге), Франции (фестиваль в Ла Рок д’Антероне, «Сумасшедший день» в Нанте, Фестиваль Французского радио в Монпелье), Германии (в Руре, Бад-Киссингене), Швейцарии (в Вербье, Люцерне), Италии, Латвии, Чехии, Португалии, Нидерландах и других странах. Восторженные отзывы критиков вызвало выступление А. Володина в престижной серии сольных концертов International Piano Series в лондонском Royal Festival Hall (2011/12).

Среди оркестров, с которыми сотрудничает Алексей Володин, ― Государственный академический симфонический оркестр России имени Е. Ф. Светланова, Большой симфонический оркестр имени П. И. Чайковского, Российский национальный оркестр, оркестр Мариинского театра, Лондонский симфонический, оркестры Берлинской оперы и Берлинского радио, Дрезденский филармонический, оркестр Gewandhaus (Лейпциг), Венский симфонический и камерный оркестры, Национальный оркестр Франции и оркестр Капитолия Тулузы, цюрихский Tonhalle, Оркестр Романской Швейцарии, Филармонический оркестр Ла Скала, «Солисты Венеции», Нидерландский и Варшавский филармонические, Испанский национальный, Нью-Йоркский филармонический, Симфонический оркестр Японского радио и телевидения (NHK), Сиднейский симфонический. Значительными событиями последнего времени стали концерты с Бамбергским симфоническим оркестром, оркестрами Штутгартского и Баварского радио.

Пианист выступал с дирижерами первой величины, в числе которых Валерий Гергиев, Михаил Плетнёв, Василий Синайский, Владимир Федосеев, Семён Бычков, Георг Альбрехт, Лорин Маазель, Мюнг-Вун Чунг, Жан Бернар Помье, Карло Рицци, Лоуренс Фостер, Рафаэль Фрюбек де Бургос, Кристофер Хогвуд, Дэвид Цинман, Риккардо Шайи, Яков Крейцберг, Марек Яновский.

В сезоне 2013/14 пианист дебютировал с коллективами под управлением Валерия Гергиева — Роттердамским филармоническим оркестром и оркестром Мариинского театра — на Фестивале Балтийского моря. Среди других событий сезона — выступления с Датским национальным симфоническим оркестром, Симфоническим оркестром Би-би-си, Оркестром Шведского радио, Симфоническим оркестром Итальянского радио (RAI) в Турине, оркестром Musikkollegium г. Винтертура (Швейцария).

20 апреля 2014 года Володин сыграл в один вечер все пять фортепианных концертов Бетховена в «Бетховенском марафоне», проведенном Мариинским театром в рамках фестиваля «Лики современного пианизма» (оркестр Мариинского театра, дирижер Даниэл Райскин).

В сезоне 2014/15 Алексей Володин — артист-резидент Мариинского театра, дает на его сцене пять концертов (включая сольный концерт-открытие сезона). Он регулярно выступает с оркестром под управлением Валерия Гергиева, в т. ч. в текущем сезоне с оркестром Мариинского театра в Стокгольме на Фестивале Балтийского моря, в дортмундском Концертхаусе и венском Концертхаусе, а также с Мюнхенским филармоническим и Лондонским симфоническим оркестрами.

Среди других выступлений пианиста в сезоне 2014/15 — европейский тур с Роттердамским филармоническим оркестром, концерты с Штутгартским филармоническим оркестром (дирижер Владимир Федосеев), Симфоническим оркестром Барселоны, Борнемутским симфоническим оркестром с Эндрю Литтоном, Филармоническим оркестром Нидерландского радио и оркестром Sinfonia Varsovia на Бетховенском фестивале в Варшаве.

Владимир Юровский

Родился в 1972 году в Москве. Представитель российской музыкальной династии: сын дирижера Михаила Юровского, внук композитора Владимира Юровского, правнук дирижера Давида Блока (создателя Государственного симфонического оркестра кинематографии). Музыкальное образование получил в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории, Дрезденской Высшей школе музыки имени Вебера и Берлинской Высшей школе музыки имени Эйслера.

Дирижированию обучался у своего отца, затем у Александра фон Брюка, Рольфа Ройтера и сэра Колина Дэвиса, был ассистентом Геннадия Рождественского. В 1995 году с триумфом дебютировал на международной сцене – в рамках оперного фестиваля в Уэксфорде (опера «Майская ночь» Римского-Корсакова). С тех пор сотрудничает с крупнейшими театрами, среди которых Ковент-Гарден (Лондон), Опера Бастий (Париж), Метрополитен-опера (Нью-Йорк), Комише Опер (Берлин), Ла Фениче (Венеция), Ла Скала (Милан), Большой театр России и другие. Выступает с ведущими симфоническими коллективами: филармоническими оркестрами Берлина, Вены и Нью-Йорка, Филадельфийским, Кливлендским, Чикагским и Бостонским симфоническими оркестрами, Государственной капеллой Дрездена, оркестрами Гевандхауса, Консертгебау, Баварского радио и многими другими. В 2001-2013 гг. – музыкальный руководитель оперного фестиваля в Глайндборне. В 2005-2009 гг. – главный приглашенный дирижер Российского национального оркестра. С 2007 – главный дирижер Лондонского филармонического оркестра и один из трех постоянных дирижеров Оркестра Эпохи Просвещения (наряду с сэром Саймоном Рэттлом и Иваном Фишером), с которыми провел фестивали «Открывая Чайковского», «Меж двух миров» (к 75-летию со дня рождения Шнитке) и другие. С 2009 сотрудничает с Камерным оркестром Европы. С 2017 года – художественный руководитель Фестиваля имени Энеску в Бухаресте, главный дирижер Оркестра Берлинского радио.

С 2011 года – художественный руководитель Государственного академического симфонического оркестра России имени Евгения Светланова. Выступал с коллективом на фестивале «Площадь искусств» (Санкт-Петербург), на III симфоническом форуме России (Екатеринбург), в концертах, посвященных памяти Евгения Светланова и 100-летию начала Первой мировой войны, в симфонических собраниях для студентов Московского университета и Российской академии музыки им. Гнесиных, в городах России и Германии; осуществил мировые премьеры оперы «Король Лир» Слонимского, «Песни Лукерьи» и «Песни восхождения» Вустина, «Наваждения» Прокофьева в оркестровке Геннадия Гладкова, российские премьеры Симфонии № 3 Сильвестрова, «Гейлигенштадтского завещания Бетховена» Щедрина, Симфоний №№ 5 и 9 Бетховена в редакции Малера, оперы «Прометей» Орфа, мюзикла «Обыкновенное чудо» Гладкова в редакции для солистов, хора и симфонического оркестра и полной версии «Предварительного действа» Скрябина – Немтина, московскую премьеру «Погребальной песни» Стравинского. По инициативе дирижера в 2012 году возрождена традиция посвящения в студенты первокурсников Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (в Музее-заповеднике Чайковского в Клину). В 2016 году в зале имени Чайковского под руководством маэстро прошли четвертый ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает» и пятый фестиваль «Другое пространство».

Юровский был дирижером-постановщиком опер «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» Моцарта, «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские майстерзингеры» и «Парсифаль» Вагнера, «Отелло», «Фальстаф» и «Макбет» Верди, «Борис Годунов» Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковского, «Руслан и Людмила» Глинки, «Ариадна на Наксосе» и «Женщина без тени» Р. Штрауса, «Приключения лисички-плутовки» Яначека, «Похождения повесы» Стравинского, «Моисей и Аарон» Шёнберга, «Воццек» Берга, «Огненный ангел» Прокофьева, «Любовь и другие демоны» Этвеша, Vita Nuova Мартынова и других.

В дискографии Юровского – записи симфоний Бетховена, Брамса, Чайковского, Малера, Воана-Уильямса, Шостаковича, Шнитке, симфонических произведений Гайдна, Вагнера, Р. Штрауса, Рахманинова, Равеля, Холста, Онеггера, Бриттена, Джулиана Андерсона, опер Хумпердинка, Россини, Мейербера, Массне, Пуччини, Цемлинского, Рахманинова, Прокофьева, Стравинского, Казеллы, Блоха, Тернеджа, Мишеля ван дер Аа, Андрея Семёнова и других.

В 2000 году Юровский стал обладателем Abbiati Prize как «лучший дирижер года», в 2015 – BBC Music Magazine Award за запись оперы «Нюрнбергские майстерзингеры» Вагнера; в 2007 году отмечен Королевским филармоническим обществом Великобритании как «дирижер года», в 2012 и 2014 гг. назван российской газетой «Музыкальное обозрение» «персоной года», в 2013 номинирован на премию Grammy. Критика отмечает масштабность творческих замыслов и отточенность интерпретаций музыканта, просветительскую направленность его деятельности. В 2016 году Юровский удостоен званий почетного доктора Королевского колледжа музыки (Лондон) и почетного профессора Московского государственного университета.

Габриэль Форе

Габриэль Урбен Форе (12 мая 1845, Памье, Франция — 4 ноября 1924, Париж, Франция) — французский композитор и педагог.

Родился в семье школьного учителя. В девятилетнем возрасте поступил учиться в школу при Институте церковной музыки, которым руководил Луи Нидермейер, — здесь готовили органистов и хормейстеров для нужд католической церкви; среди учителей Форе в этом учебном заведении был Камиль Сен-Санс. В дальнейшем Форе некоторое время преподавал там же. В 1870 г. с началом Франко-прусской войны Форе был призван в армию и участвовал в обороне Парижа. Затем вместе с Институтом церковной музыки (Школой Нидермейера) Форе уехал в Швейцарию. Вернувшись после подавления Парижской коммуны, Форе занял должность помощника органиста и хормейстера в церкви Сен-Сюльпис, а в 1874 г. перешел на работу в церковь святой Магдалины, где был помощником Сен-Санса; в 1877 г. Сен-Санс вышел в отставку, и Форе занял место хормейстера в этом знаменитом парижском соборе. После длившегося несколько лет неудачного романа с Марианной Виардо Форе в 1883 женился на Мари Фремье, дочери скульптора Э.Фремье. У них родилось двое сыновей, из которых старший, Эмманюэль, стал известным специалистом по биологии моря, а младший, Филипп — известным писателем.

В 1898 Форе посетил Лондон, где дирижировал своей музыкой к пьесе М.Метерлинка Пеллеас и Мелисанда в спектакле, поставленном Форбс-Робертсоном. В 1896 Форе стал профессором композиции в Парижской консерватории (после Ж.Массне), а в 1905 — ее директором. К концу жизни Форе потерял слух; он ушёл с поста директора в 1920 и жил на скромную пенсию, посвятив себя исключительно композиции.

Форе – крупнейший во Франции автор романсов, которых в его наследии около сотни, причем наиболее интересные написаны на стихи Леконта де Лиля, Верлена и Шарля Ван Лерберга. Он сочинял также превосходную фортепианную музыку. Его ранние камерно-инструментальные произведения отличаются новаторством, превосходящим новаторство С. Франка; поздние же камерные опусы семидесятилетнего Форе могут рассматриваться по аналогии с последними квартетами Бетховена. Форе принадлежит также Реквием (1886), сочинение, полное искренней веры и глубокой человечности, и опера Пенелопа (Penelope, премьера в Монте-Карло в 1913), поствагнерианское по форме сочинение, отмеченное, однако, всегда характерным для Форе изяществом фактуры. Умер Форе в Париже 4 ноября 1924.

Альбан Берг

Один из виднейших представителей экспрессионизма в музыке, Берг выразил в своем творчестве характерные для художников—экспрессионистов мысли, чувства и образы: неудовлетворенность социальной жизнью, ощущения бессилия и одиночества. Герой его произведений — маленький человек, доведенный до отчаяния враждебным окружением буржуазного общества. Почву для подобных художественных представлений о мире щедро давала композитору сама жизнь.

Берг родился 9 февраля 1885 года в Вене в семье военнослужащего. Первые столкновения с жизнью Берг перенес в юности: смерть отца, ухудшение материального положения семьи, обострение болезни (с пятнадцатилетнего возраста он страдал астмой) — все это привело восемнадцатилетнего юношу к мысли о самоубийстве.

К счастью, тяжелый душевный кризис был преодолен. Судьба свела его с уже признанным композитором и педагогом Арнольдом Шёнбергом. Берг был на 13 лет моложе, но композиторов всю жизнь связывала глубокая дружба. Оба, кстати, не имели систематического музыкального образования. Учителем Берга был сам Шёнберг, вечерние курсы которого молодой композитор посещал.

Вот как он вспоминал о Берге:

«Уже в ранних композициях Берга, как ни были они неловки, можно заметить следующее. Во—первых, что музыка была для него языком, на котором он изъяснялся; и, во—вторых, что в ней была заключена захватывающая сила теплого чувства. Ему едва минуло тогда восемнадцать лет, это было давно, и я не могу сказать, признал ли я уже тогда его оригинальность. Заниматься с ним было одно удовольствие. Он проявлял прилежание, усердие и делал все наилучшим образом. И он был, как все одаренные молодые люди той эпохи, весь пропитан музыкой, жил в музыке. Он посещал и знал все оперы и концерты, играл дома в четыре руки на рояле, скоро научился читать партитуру, легко воодушевлялся, был некритичен, но чувствителен к старой и новой красоте, будь то музыка, литература, живопись, изобразительное искусство, театр или опера.

Весьма показательна для Берга была его совестливость и отходчивость. Все, за что он брался, он исполнял с удручающей точностью, основательно изучая и испытывая вдоль и поперек. Какую ценность при этом имела его деятельность в «Обществе частных музыкальных исполнений», можно легко себе представить».

Первые произведения Берга написаны в додекафонной технике. К ним относятся «Фортепианная соната» (1908), «Первый квартет для струнных» (1910), пьесы для кларнета и фортепиано (1913), в которых применяется и так называемый всеинтерваль—ный ряд. В «Трех отрывках для оркестра» (1914) автор уже овладевает всеми характерными особенностями оркестровой композиции новой венской школы.

Альбан Берг был одним из наиболее просвещенных пропагандистов идей Шёнберга. Он разбирал его произведения в ряде статей, куда включал и клавираусцуг (цитаты из музыки в переложении для фортепиано). В то время как Шёнберг был рациональным музыкантом, Альбан Берг никогда не скрывал своей спонтанности и склонности к чувственному постижению мира, что отразилось в его произведениях. Он не всегда был последователен как сторонник додекафонии и тональной музыки, если чувствовал, что конкретное музыкальное выражение требует нарушения этих строгих композиционных принципов. Примкнув к теоретическому основоположнику додекафонии — своему учителю, Альбан Берг не стал его абсолютным последователем, он сумел сохранить свой индивидуальный талант, связанный с редкой по силе эмоциональностью музыкального высказывания, не порвал с поздним романтизмом в языке и образном содержании своих сочинений. Поэтому Берга иногда называли «романтиком додекафонии».

С 1915 по 1918 год Берг находился на военной службе — работал в Вене писарем, поскольку как астматик не подлежал отправке на фронт. Но он узнал о войне достаточно, чтобы прочувствовать трагедию жизни денщика в драме Бюхнера «Воццек». Этот прозаический текст он превратил в известную во всем мире оперу «Воццек», написанную им в 1917-1921 годы.

Обращение композитора к шедевру Георга Бюхнера было смелым поступком: впервые в мировой оперной литературе героем стал маленький забитый человек! Даже русские композиторы, представители оперного реализма, прошли мимо этой острейшей проблемы. Известно, что Бюхнер создал свою драму на основе личных впечатлений от материалов уголовного дела об убийстве парикмахером Войцеком в порыве ревности своей возлюбленной. Слухи об этом громком деле ходили не один год. Оттолкнувшись от реальных событий, драматург дал им высокое художественное обобщение.

Впервые композитор увидел пьесу Бюхнера на сцене весной 1914 года и пришел от нее в восторг. В своей опере Берг изменил имя бюхнеровского героя Войцек на Воццек.

«Я никогда не ставил себе задачу реформировать структуру оперы через посредство «Воццека», — писал композитор. — Ни приступая к этой работе, ни завершая ее, я не считал ее образцом для будущих сочинений композиторов. Я никогда не предполагал, что «Воццек» должен служить основанием какой—то школы.

Я просто хотел написать хорошую музыку, пересказать музыкальным языком содержание бессмертной драмы Георга Бюхнера, переложить на музыку ее поэтические идеи. Помимо того, когда я решил написать оперу, то в отношении техники композиции у меня было единственное намерение: дать театру то, что принадлежит театру. Музыка должна быть такой, чтобы она все время выполняла свое назначение, то есть служила действию. Даже больше, музыка должна быть готова выполнять все, что требуется для реальности сценического действия. Задача композитора заключается в решении задач, стоящих перед идеальным режиссером—постановщиком. С другой стороны, эта цель не должна препятствовать развитию музыки как единого целого, абсолютного, чисто музыкального. Ничто внешнее не должно вмешиваться в ее индивидуальное существование.

То, что я достиг этой цели, используя более или менее старинные музыкальные формы (а критики считали это самой явной реформой оперного творчества), было естественным следствием моего метода. Прежде всего, необходимо было выбрать для либретто то, что нужно, из двадцати пяти во многом фрагментарных, разбросанных сцен у Бюхнера. Были исключены повторы, не требующие музыкального воплощения. В конце концов, сцены были сведены воедино и разбиты на акты. Поэтому задача сделалась более музыкальной, чем литературной, и надо было решить ее по законам музыкальной композиции, а не по правилам драматургии.

Я считаю моей особенной удачей следующее. Ни один из слушателей, как бы хорошо он ни был осведомлен о музыкальной форме этой оперы, о точности и логичности ее построения, ни один с момента поднятия занавеса и до окончательного его закрытия не обращает никакого внимания на различные фуги, инвенции, сюиты, сонатные формы, вариации и пассакальи, о которых так много написано. Никто не замечает ничего, кроме большого социального значения оперы, далеко превосходящего личную судьбу Воццека. Это, я считаю, и есть мое достижение». Берг создал яркую социальную драму вопреки установкам своего учителя, отстаивавшего независимость художественного творчества от идеологии и политики. Опера «Воццек» сосредоточила самые характерные черты стиля Берга.

Суть художественной концепции оперы «Воццек» в характерной для экспрессионизма двуплановости: драма задавленных жизнью маленьких людей и фатальная предопределенность их поступков и событий. Воццек бессмысленно прозябает в мещанской среде немецкого мелкого городка, которая его губит, персонифицируясь в образах тупого Тамбурмажора, Доктора и Капитана.

Музыка — чуткий барометр состояний и настроений героев. Великолепно удались композитору главные характеры — Воццека и Марии. Все оттенки их жизнеощущений, внутренний душевный мир и поступки предельно эмоционально, выразительно переданы в музыке.

Музыка оперы в целом не подчинена тональному принципу и изобилует резкими, предельно динамичными, характерными интонациями. Музыкальная речь Берга не похожа на песенную, ариозную или даже декламационную манеру. Это мелодия нового типа, тесно связанная со словом и выпукло воплощающая речевую мелодику от интонации стона, мольбы до крика, возбужденного бреда. Композитор придает большое значение выразительности вокальной интонации и детализирует в ремарках характер вокального исполнения.

Экспрессивность музыкальных средств, повышенная эмоциональная возбужденность интонаций направлены на убедительное раскрытие образов, поворотов сюжета и вовлекают слушателя в сопереживание; он словно сам чувствует и испытывает все, что происходит на сцене.

Премьера «Воццека» Берга состоялась в Берлине в 1925 году; позднее опера стала ключевым музыкально—драматическим произведением XX века. Опера прозвучала на сцене многих театров Европы, в том числе СССР (в Ленинграде), Америки.

Однако она сталкивалась и с неприятием со стороны различных консерваторов, которые не хотели смириться с новым видом художественной правды, представленной несколько шокирующим образом.

Признание Берга на родине и за рубежом постепенно расширялось и закреплялось. В 1930 году он был избран членом Прусской академии искусств.

Образцами зрелого творчества Берга являются камерные инструментальные сочинения; камерный концерт для фортепиано, скрипки и духовых (1925), «Лирическая сюита» для струн, квартета (1926). В 1928 году композитор начал работать над оперой «Лулу» (по пьесам «Дух земли» и «Ящик Пандоры» Ведекинда), но, к сожалению, не успел ее завершить. «Лулу», как и концерт для скрипки с оркестром (1935), были исполнены после его смерти. В опере «Лулу» проявилась свойственная Бергу тяга к лиризму, по сравнению с «Воццеком» острота драматических ситуаций смягчена, более развита мелодика вокальных партий. Но композитору не удалось преодолеть декадентский характер сюжета, «поэтизацию порока».

Вершиной инструментального творчества Берга является скрипичный концерт — произведение крупного симфонического плана. Сопоставление народной танцевальной мелодии с темой траурного хорала, взятой композитором из кантаты И. С. Баха, служит средством ярко выразительного, драматического воплощения программного замысла: скорбь расставания с жизнью, прощание с миром, полным красоты и поэзии. Наряду с «Воццеком» этот концерт стал произведением, наиболее часто исполняемым и наиболее приемлемым для восприятия широкой публикой.

В последний год своей жизни в одной из бесед Берг, осознавая надвигавшуюся угрозу фашизма, горестно сказал: «Хорошо, что Гендель и Бах родились... не двумя столетиями позднее! Ведь теперь одного в той же мере обвинили бы в отсутствии оседлости, как музыку второго нашли бы культурбольшевистской».

Альбан Берг, певец человеческих страданий, ценен прежде всего как убежденный гуманист. Произведения Берга трогают сердца и пробуждают мысль о гуманном предназначении человека.

Берг умер, немного не дожив до пятидесяти лет — 24 декабря 1935 года.

Ян Сибелиус

Ян Сибелиус (8 декабря 1865, Хямеэнлинна, Великое княжество Финляндское — 20 сентября 1957, Ярвенпяя, Финляндия) — финский композитор.

Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 в Хямеэнлинне в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе.

В семье говорили на шведском и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в Нормальном лицее Хямеэнлинны.

Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, брат Христиан — на виолончели, Ян — вначале на рояле, но после предпочёл скрипку. Уже в десять лет Ян сочиняет небольшую пьесу. Впоследствии, его влечение к музыке возрастает и он начинает систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера. Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений.

В 1885 год поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института.

В 1889 Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции и теории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене.

По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма «Куллерво» (Kullervo), ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра — по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. Вскоре он женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-губернатор, возглавлявший национальное движение.

За Куллерво последовали симфоническая поэма «Сказка» (En Saga), ор. 9 (1892); сюита «Карелия» (Karelia), ор. 10 и 11 (1893); «Весенняя песня», ор. 16 (1894) и сюита «Лемминкяйнен» (Lemminkissarja), ор. 22 (1895). В 1897 Сибелиус участвовал в конкурсе на замещение должности преподавателя музыки в университете, но потерпел неудачу, после чего друзья убедили сенат учредить для него ежегодную стипендию в 3000 финских марок.

Заметное влияние на раннее творчество Сибелиуса оказали два финских музыканта: искусству оркестровки его обучал Роберт Каянус, дирижёр и основатель Ассоциации хельсинкских оркестров, а наставником в области симфонической музыки был музыкальный критик Карл Флодин. Премьера Первой симфонии Сибелиуса состоялась в Хельсинки (1899). В этом жанре композитор написал ещё 6 сочинений — последней была Седьмая симфония (одночастная Fantasia sinfonica), ор. 105, впервые исполненная в 1924 в Стокгольме. Международную известность Сибелиус приобрёл именно благодаря симфониям, но популярностью пользуются и его скрипичный концерт, и многочисленные симфонические поэмы, такие, как «Дочь Похьёлы» (фин. Pohjolan tytär), «Ночная скачка и восход солнца» (швед. Nattlig ritt och soluppgang), «Туонельский лебедь» (Tuonelan joutsen) и «Тапиола» (Tapiola).

Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) — свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это симфоническая поэма «Финляндия» (Finlandia) (1899) и «Грустный вальс» (Valse triste) из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта «Смерть» (Kuolema); пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903. Многие песни и хоровые произведения Сибелиуса часто звучат у него на родине, но за её пределами почти неизвестны: очевидно, их распространению мешает языковой барьер, а кроме того, они лишены характерных достоинств его симфоний и симфонических поэм. Сотни фортепианных и скрипичных пьес и несколько сюит для оркестра также уступают лучшим сочинениям композитора.

Особое положение в финской национальной культуре занимает симфоническая поэма «Финляндия», являющаяся музыкальной иллюстрацией истории народа и имевшая антироссийскую направленность. Мелодия имела успех и стала национальным гимном. Её исполнение, в том числе и насвистывание мелодии в общественных местах, каралось русскими властями заключением.

Творческая деятельность Сибелиуса фактически завершилась в 1926 симфонической поэмой «Тапиола», ор. 112. Более 30 лет музыкальный мир ждал от композитора новых сочинений — особенно его Восьмой симфонии, о которой столько говорилось (в 1933 г. была даже анонсирована её премьера); однако ожидания не сбылись. В эти годы Сибелиус писал лишь небольшие пьесы, в том числе масонскую музыку и песни, ничем не обогатившие его наследие. Впрочем, существуют свидетельства, что в 1945 г. композитор уничтожил большое количество бумаг и рукописей, — возможно, среди них были и не дошедшие до окончательного воплощения поздние сочинения.

Его творчество получает признание главным образом в англо-саксонских странах. В 1903-1921 он пять раз приезжал в Англию дирижировать своими произведениями, а в 1914 посетил США, где под его управлением в рамках музыкального фестиваля в Коннектикуте прошла премьера симфонической поэмы Океаниды (Aallottaret). Популярность Сибелиуса в Англии и США достигла своего пика к середине 1930-х годов. Такие крупные английские писатели, как Роза Ньюмарч, Сесил Грей, Эрнест Ньюмен и Констант Ламберт, восхищались им как выдающимся композитором своего времени, достойным преемником Бетховена. Среди наиболее пылких приверженцев Сибелиуса в США были О. Даунс, музыкальный критик «Нью-Йорк Таймс», и С. Кусевицкий, дирижёр Бостонского симфонического оркестра; в 1935, когда музыка Сибелиуса прозвучала по радио в исполнении Нью-йоркского филармонического оркестра, слушатели избрали композитора своим «любимым симфонистом».

С 1940 интерес к музыке Сибелиуса заметно падает: раздаются голоса, подвергающие сомнению его новаторство в области формы. Сибелиус не создал своей школы и не оказал прямого влияния на композиторов следующего поколения. В наши дни его обычно ставят в один ряд с такими представителями позднего романтизма, как Р. Штраус и Э. Элгар. При этом в Финляндии ему отводили и отводят гораздо более важную роль: здесь он признан великим национальным композитором, символом величия страны.

Еще при жизни Сибелиус удостоился почестей, которые воздавались лишь немногим художникам. Достаточно упомянуть многочисленные улицы Сибелиуса, парки Сибелиуса, ежегодный музыкальный фестиваль «Неделя Сибелиуса». В 1939 «альма матер» композитора, Музыкальный институт, получил название Академии имени Сибелиуса (фин. Sibelius-Akatemia).

Умер Сибелиус в Ярвенпяя 20 сентября 1957.

Сергей Танеев

Сергей Иванович Танеев (13 (25) ноября 1856, Владимир — 6 (19) июня 1915, Дютьково под Звенигородом) — русский композитор, пианист, педагог, учёный, музыкально-общественный деятель.

В 1875 году окончил Московскую консерваторию у Н. Г. Рубинштейна (фортепиано) и П. И. Чайковского (композиция) с золотой медалью. Выступал в концертах как пианист-солист и ансамблист. Первый исполнитель многих фортепианных произведений Чайковского (например, первый исполнитель Второго и Третьего фортепианных концертов, доработал последний после смерти композитора), исполнитель собственных сочинений. С с 1878 по 1905 годы работал в Московской консерватории (с 1881 профессор), где вёл классы гармонии, инструментовки, фортепиано, композиции, полифонии, музыкальной формы, в 1885—1889 директор. В 1905 году покинул консерваторию в знак протеста против консервативных методов руководства. Продолжал заниматься с учениками частным образом. Был одним из основателей и педагогов Народной консерватории (1906), участвовал в работе Пречистинских рабочих курсов для рабочих, изучал музыкальный фольклор.

Убеждённый последователь классики (в его музыке нашли претворение традиции М. И. Глинки, П. И. Чайковского, а также И. С. Баха, Л. Бетховена), Танеев предвосхитил многие тенденции музыкального искусства XX века. Его творчество отмечено глубиной и благородством замыслов, высокой этичностью и философской направленностью, сдержанностью высказывания, мастерством тематического и полифонического развития. В своих сочинениях он тяготел к нравственно-философской проблематике. Такова, например, его единственная опера «Орестея» (по Эсхилу 1894) — образец претворения античного сюжета в русской музыке. Его камерно-инструментальные произведения (трио, квартеты, квинтеты) принадлежат к лучшим образцам этого жанра в русской музыке. Один из создателей лирико-философской кантаты в русской музыке («Иоанн Дамаскин», «По прочтении псалма»). Возродил популярный в отечественной музыке XVII-XVIII вв. жанр — хоры a cappella (автор более 40 хоров). В инструментальной музыке особое значение придавал интонационному единству цикла, монотематизму (4-я симфония, камерно-инструментальные ансамбли).

Создал уникальный труд — «Подвижной контрапункт строгого письма» (1889-1906) и его продолжение — «Учение о каноне» (конец 1890-х гг. — 1915).

Как педагог, Танеев добивался повышения профессионального музыкального образования в России, боролся за высокий уровень музыкально-теоретической подготовки учащихся консерватории всех специальностей. Создал композиторскую школу, воспитал многих музыковедов, дирижеров, пианистов (продолжая фортепианные традиции Николая Рубинштейна). Среди учеников: Сергей Рахманинов, Александр Скрябин, Николай Метнер, Рейнгольд Глиэр, Константин Игумнов, Георгий Конюс, Сергей Потоцкий, Всеволод Задерацкий, Сергей Евсеев (посвятил несколько литературных трудов творчеству Танеева), Болеслав Леопольдович Яворский.

В 1910-1911 годах С. И. Танеев вместе с А. В. Оссовским выступил в поддержку молодого композитора Сергея Прокофьева и написал письмо к издателю Б. П. Юргенсону (см. также П. И. Юргенсон) с просьбой опубликовать произведения композитора. Однако, только после убедительного письма А. В. Оссовского (1911) Б. П. Юргенсон ответил согласием.

Был одним из первых эсперантистов в России; на языке эсперанто написаны несколько романсов, на нем же С. И. Танеев вел свой дневник.
На похоронах А. Н. Скрябина, умершего 14 (27) апреля 1915 г., Сергей Иванович Танеев пришел тяжело простывший и получил осложнение, простуда перешла в пневмонию, и через пару месяцев он скончался.

Похоронен на Донском кладбище в Москве. Позднее останки перенесены на Новодевичье кладбище.

Александр Скрябин

Александр Николаевич Скрябин (25 декабря 1871 (6 января 1872), Москва — 14 (27) апреля 1915, там же) — русский композитор и пианист.

Скрябин родился в семье студента, ставшего затем дипломатом и действительным статским советником, Николая Александровича Скрябина (1849-1914). В доме городской усадьбы Лопухиных — Волконских — Кирьяковых — доходное владение Буниных (сер. XVIII в. — нач. XIX в.) — Главный дом — доходный дом (сер. XVIII в., 1878 г., 1900 г.) (объект культурного наследия федерального значения (Постановление Совета Министров РСФСР № 624 от 04.12.1974 г.) в Хитровском переулке 3/1. Был крещен в Храме Трех Святителей, что на Кулишках.

Его прадед — Иван Алексеевич Скрябин (1775 года рождения) происходил «из солдатских детей города Тулы«; за храбрость в бою под Фридландом награжден знаком отличия военного ордена cв. Георгия и крестом для нижних чинов; получив в 1809 году чин подпоручика, через десять лет вместе с сыном Александром вносится в родословную книгу дворян Санкт-Петербургской губернии; дед композитора — Александр Иванович — по полученному чину подполковника вносится в 1858 году во вторую часть родословной книги дворян Московской губернии. Версия о «старинном» дворянстве рода композитора не подтверждается найденными документами. Также не подтверждается документами происхождение матери композитора — Л. П. Щетининой (то, что она была «дочерью директора фарфорового завода»).

Мать композитора была талантливой пианисткой, учившейся у Теодора Лешетицкого. После ее ранней смерти отец будущего великого композитора женился вторично на итальянке(Фернандес О.И.),ставшей матерью: Николая, Владимира, Ксении, Андрея, Кирилла Скрябиных. Маленького Сашу Скрябина взяли на воспитание тетка и бабушка, мать отца, так как отец не мог уделять сыну достаточно времени, будучи на службе в качестве посла в Персии. Лишь изредка отец приезжал навестить сына от первой супруги. В первоначальном воспитании будущего композитора принимал также активное участие его дед Александр Иванович Скрябин, который был образованным и культурным человеком.

Уже в пять лет Скрябин умел играть на фортепиано, позже проявил интерес к композиции, однако по семейной традиции (род композитора Скрябина известен с начала XIX века и насчитывал большое количество военных) был отдан в кадетский корпус. Решив посвятить себя музыке, Скрябин начал брать частные уроки у Георгия Эдуардовича Конюса, затем у Николая Сергеевича Зверева (фортепиано) и Сергея Ивановича Танеева (теория музыки).

Окончив корпус, Скрябин поступил в Московскую консерваторию в классы фортепиано Василия Ильича Сафонова и композиции Антона Степановича Аренского. Занятия с Аренским не принесли результатов, и в 1891 году Скрябин был отчислен из класса композиции за неуспеваемость, тем не менее, блестяще окончив курс по фортепиано год спустя с малой золотой медалью (Сергей Васильевич Рахманинов, окончивший консерваторию в том же году, получил большую медаль, так как с отличием прошел также и курс композиции).

По окончании консерватории Скрябин хотел связать свою жизнь с карьерой концертирующего пианиста, но в 1894 году переиграл правую руку и в течение некоторого времени не мог выступать. В августе 1897 года в Варваринской Церкви в Нижнем Новгороде Скрябин обвенчался с молодой талантливой пианисткой Верой Ивановной Исакович. Восстановив работоспособность руки, Скрябин с супругой уехал за границу, где зарабатывал на жизнь, исполняя преимущественно собственные сочинения. Скрябины вернулись в Россию в 1898 году, в июле этого же года родилась их первая дочь Римма (умрет в возрасте семи лет от заворота кишок). В 1900 году родилась дочь Елена, которая впоследствии станет супругой выдающегося советского пианиста Владимира Владимировича Софроницкого. Позже в семье Александра Николаевича и Веры Ивановны появятся дочь Мария (1901) и сын Лев (1902).

В сентябре 1898 года Скрябин был приглашен на должность профессора Московской консерватории, а в 1901 году начал преподавание в женском Екатерининском институте, однако через год он оставляет преподавательскую деятельность, так как она сильно отвлекала его от собственного творчества. В конце 1902 года Скрябин знакомится со второй женой (официально они расписаны не были) Татьяной Федоровной Шлецер, племянницей Пауля де Шлецера, профессора Московской консерватории (по классу которого обучалась также официальная супруга композитора). Уже в следующем году Скрябин просит у жены согласие на развод, однако не получает его.

До 1910 Скрябин вновь больше времени проводит за рубежом (в основном, во Франции, позднее в Брюсселе, где он проживал по адресу rue de la Réforme, 45), выступая как пианист и дирижер. Вернувшись в Москву, композитор продолжает концертную деятельность, не переставая сочинять. Последние концерты Скрябина состоялись в начале 1915 года. Композитор умер от сепсиса, возникшего в результате карбункула. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Последние годы проживал со своей гражданской семьей в Москве по адресу Большой Николопесковский переулок, 11. Сейчас в этом доме действует Государственный мемориальный музей А.Н. Скрябина.

У Александра Николаевича всего было семеро детей: четверо от первого брака (Римма, Елена, Мария и Лев) и трое — от второго (Ариадна, Юлиан и Марина). Из них трое умерли еще в детском возрасте, далеко не дожив до совершеннолетия. В первом браке (с известной пианисткой Верой Исакович) из четверых детей (трех дочерей и одного сына) в раннем возрасте умерли двое. Первой (будучи семи лет от роду) умерла старшая дочка Скрябиных — Римма (1898—1905) — это произошло в Швейцарии, в дачном поселке Везна под Женевой, где жила Вера Скрябина с детьми. Римма умерла 15 июля 1905 в кантональном госпитале от заворота кишок. Сам Скрябин к тому времени жил в итальянском городке Больяско — уже с Татьяной Шлецер, своей будущей второй женой. «Римма была любимицей Скрябина и смерть ее глубоко потрясла его. Он приехал на похороны и горько рыдал над ее могилой. <…> Это было последнее свидание Александра Николаевича с Верой Ивановной».

Старший сын Скрябина, Лев был последним ребенком от первого брака, он родился в Москве 18/31 августа 1902 года. Так же как и Римма Скрябина, он умер в семилетнем возрасте (16 марта 1910 года) и был похоронен в Москве на кладбище монастыря Всех скорбящих радости на Новослободской улице (в настоящее время монастырь не существует). К тому моменту отношения Скрябина с первой семьей были окончательно испорчены, напоминая скорее «холодную войну», и родители не встретились даже на могиле сына. Из двоих (долгожданных) сыновей у Александра Николаевича Скрябина к тому времени оставался жив только один, Юлиан.

Ариадна Скрябина при первом замужестве перешла в иудаизм, третьим браком вышла замуж за поэта Довида Кнута, вместе с которым участвовала в движении Сопротивления во Франции, была выслежена вишистской полицией в Тулузе в ходе миссии по переправке беженцев в Швейцарию и 22 июня 1944 года погибла в перестрелке при попытке задержания. В Тулузе ей установлен памятник, а на доме, где погибла А.Скрябина, членами Движения сионистской молодежи Тулузы установлена мемориальная доска с надписью: «В память Режúн — Ариадны Фиксман, героически павшей от рук неприятеля 22 — VII — 1944, защищавшей еврейский народ и нашу родину Землю Израиль«.

Сын композитора Юлиан Скрябин, погибший в возрасте 11 лет, сам был композитором, произведения которого исполняются по сей день.

Музыка Скрябина очень своеобразна. В ней отчетливо чувствуется нервность, импульсивность, тревожные поиски, не чуждые мистицизма. С точки зрения композиторской техники музыка Скрябина близка творчеству композиторов Новой венской школы (Шенберга, Берга и Веберна), однако решена в ином ракурсе — через усложнение гармонических средств в пределах тональности. В то же время форма в его музыке практически всегда ясна и завершена. Композитора привлекали образы, связанные с огнем: в названиях его сочинений нередко упоминается огонь, пламя, свет и т. п. Это связано с его поисками возможностей объединения звука и света.

В ранних сочинениях Скрябин — тонкий и чуткий пианист — сознательно следовал Шопену, и даже создавал произведения в тех же жанрах, что и тот: этюды, вальсы, мазурки, сонаты, ноктюрны, экспромты, полонез, хотя уже в тот период его творческого становления проявился собственный почерк композитора. Однако впоследствии Скрябин обращается к жанру поэмы, как фортепианной, так и оркестровой. Крупнейшие его сочинения для оркестра — три симфонии (Первая написана в 1900 году, Вторая - в 1902 году, Третья - в 1904 году, Поэма экстаза (1907), «Прометей» (1910). В партитуру симфонической поэмы «Прометей» Скрябин включил партию световой клавиатуры, таким образом, став первым в истории композитором, использовавшим цветомузыку.

Одним из последних, неосуществленных замыслов Скрябина была «Мистерия», которая должна была воплотиться в грандиозное действо — симфонию не только звуков, но и красок, запахов, движений, даже звучащей архитектуры. В конце XX века композитор Александр Немтин по наброскам и стихам Скрябина создал законченную музыкальную версию ее начальной части — «Предварительное действо», однако, исключив из нее основную часть текста.

Уникальное место Скрябина в русской и мировой истории музыки определяется прежде всего тем, что он рассматривал собственное творчество не как цель и результат, а как средство достижения гораздо более крупной Вселенской задачи. Посредством своего главного сочинения, которое должно было носить название «Мистерия», А. Н. Скрябин собирался завершить нынешний цикл существования мира, соединить Мировой Дух с косной Материей в некоем космическом эротическом акте и таким образом уничтожить нынешнюю Вселенную, расчистив место для сотворения следующего мира. Чисто музыкальное новаторство, которое особенно дерзко и ярко проявилось после швейцарского и итальянского периода жизни Скрябина (1903—1909 годы) — он всегда считал второстепенным, производным и призванным послужить исполнению главной цели. Строго говоря, главнейшие и ярчайшие произведения Скрябина — «Поэма Экстаза» и «Прометей» — есть не что иное, как предисловие («Предварительное Действо») или описание средствами музыкального языка, как именно все будет происходить во время свершения Мистерии и соединения мирового Духа с Материей.

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова

Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, один из старейших симфонических коллективов страны, отметил 80-летие в 2016 году. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936-1941), Натан Рахлин (1941-1945), Константин Иванов (1946-1965) и Евгений Светланов (1965-2000). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Евгения Светланова. В 2000-2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002-2011 гг. – Марк Горенштейн. 24 октября 2011 года художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами мира. С сезона 2016/17 главный приглашенный дирижер Госоркестра – Василий Петренко.

Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 году оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За пультом коллектива стояли Герман Абендрот, Эрнест Ансерме, Лео Блех, Николай Голованов, Курт Зандерлинг, Отто Клемперер, Кирилл Кондрашин, Лорин Маазель, Курт Мазур, Николай Малько, Игорь Маркевич, Евгений Мравинский, Шарль Мюнш, Мстислав Ростропович, Саулюс Сондецкис, Игорь Стравинский, Арвид Янсонс, Шарль Дютуа, Геннадий Рождественский, Леонард Слаткин, Юрий Темирканов, Михаил Юровский, Валерий Гергиев, Александр Лазарев, Андрей Борейко, Александр Ведерников, Ион Марин, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали певцы Ирина Архипова, Галина Вишневская, Сергей Лемешев, Елена Образцова, Мария Гулегина, Пласидо Доминго, Монсеррат Кабалье, Йонас Кауфман, Дмитрий Хворостовский, пианисты Эмиль Гилельс, Ван Клиберн, Генрих Нейгауз, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мария Юдина, Валерий Афанасьев, Элисо Вирсаладзе, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Алексей Любимов, Борис Березовский, Николай Луганский, Денис Мацуев, скрипачи Леонид Коган, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Максим Венгеров, Виктор Пикайзен, Вадим Репин, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, альтист Юрий Башмет, виолончелисты Мстислав Ростропович, Наталия Гутман, Александр Князев, Александр Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов Вальтрауд Майер, Анны Нетребко, Хиблы Герзмавы, Александрины Пендачанской, Надежды Гулицкой, Екатерины Кичигиной, Ильдара Абдразакова, Дмитрия Корчака, Василия Ладюка, Рене Папе, пианистов Мицуко Учиды, Рудольфа Бухбиндера, скрипачей Леонидаса Кавакоса, Патриции Копачинской, Юлии Фишер, Дэниела Хоупа, Николая Цнайдера, Сергея Крылова. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры Станислав Кочановский, Андрис Пога, Мариус Стравинский, Филипп Чижевский, пианисты Люка Дебарг, Филипп Копачевский, Ян Лисецкий, Дмитрий Маслеев, Александр Романовский, скрипачи Алена Баева, Айлен Притчин, Валерий Соколов, Павел Милюков, виолончелист Александр Рамм.

Впервые побывав за рубежом в 1956 году, оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений Александра Вустина, Сергея Слонимского, Антона Батагова, Андрея Семёнова, Владимира Николаева, Олега Пайбердина, Ефрема Подгайца, Юрия Шерлинга, а также российские премьеры произведений Бетховена – Малера, Скрябина – Немтина, Орфа, Берио, Штокхаузена, Тавенера, Куртага, Адамса, Сильвестрова, Щедрина, Тарнопольского, Геннадия Гладкова; принял участие в XV Международном конкурсе имени Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; трижды участвовал в фестивале актуальной музыки «Другое пространство»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

В сентябре 2015 года Владимир Юровский объявил о долгосрочном проекте «80 премьер», в рамках которого отметивший 80-летие коллектив на протяжении нескольких сезонов исполняет восемьдесят премьер – мировых, российских и московских. С января 2016 года Госоркестр реализует специальный проект по поддержке композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество с современными российскими авторами. Первым в истории Госоркестра «композитором в резиденции» стал Александр Вустин.

За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 года носит почетное звание «академический»; в 1986 году был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.

Академический Большой хор «Мастера хорового пения»

Академический Большой хор создан в 1928 году; его организатором и первым художественным руководителем стал выдающийся мастер хорового искусства Александр Свешников. Впоследствии коллективом руководили выдающиеся музыканты – Николай Голованов, Иван Кувыкин, Клавдий Птица, Людмила Ермакова. За неполный век хором исполнено более 5000 сочинений отечественных и зарубежных композиторов – опер, ораторий, кантат, произведений a cappella, народных песен, духовной музыки. Многие записи хора вошли в золотой фонд отечественной музыки, получили признание за рубежом (Grand Prix конкурса грамзаписей в Париже, «Золотая медаль» в Валенсии). В исполнении Большого хора впервые прозвучали многие хоровые произведения Прокофьева, Шостаковича, Щедрина, Хачатуряна, Тактакишвили, Агафонникова и других композиторов.

С Большим хором работали дирижеры Евгений Светланов, Мстислав Ростропович, Владимир Спиваков, Дмитрий Китаенко, Владимир Федосеев, Гельмут Риллинг, Геннадий Рождественский, Альберто Дзедда, Эннио Морриконе, Владимир Юровский, Михаил Плетнев, Кристоф Эшенбах; певцы Елена Образцова, Ирина Архипова, Николай Гедда, Дмитрий Хворостовский, Анна Нетребко, Мария Гулегина, Динара Алиева, Василий Ладюк, Дмитрий Корчак, Зураб Соткилава, Евгений Нестеренко, Роберто Аланья, Анжела Георгиу и многие другие. Хор выступал в лучших залах России, Италии, Франции, Германии, Израиля, Болгарии, Чехословакии, Японии, Южной Кореи, Катара, Индонезии. «Мастера хорового пения» гастролируют по всей России, в том числе на Урале, в Сибири и на Дальнем Востоке.

В 2005 году на должность художественного руководителя Академического Большого хора, получившего к этому моменту название «Мастера хорового пения», был приглашен народный артист России, профессор Лев Конторович. Название «Мастера хорового пения» предопределило профессионализм, высокий исполнительский уровень, оперативность и универсальность коллектива, где каждый артист может выступать и как участник хора, и как солист.

Хор принимал участие в «Международном осеннем хоровом фестивале имени профессора Б. Г. Тевлина» (2012-2014), фестивалях «К 80-летию Родиона Щедрина» (2012), «Дню Победы посвящается» (2013), «Дирижирует и рассказывает Владимир Юровский» (2014-2015). На сцене Большого зала консерватории под управлением Льва Конторовича исполнялись Реквием Верди, Месса си минор Баха (с Национальным филармоническим оркестром России), «Маленькая торжественная месса» Россини (2014), русская литургия «Запечатленный ангел» Щедрина (2015), был проведен Юбилейный фестиваль «85 лет Академического Большого хора «Мастера хорового пения» и другие проекты.

Коллектив – постоянный участник Московского Рождественского фестиваля духовной музыки (художественные руководители Владимир Спиваков и митрополит Иларион) и Московского Пасхального фестиваля Валерия Гергиева.