Цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Истории с оркестром. Похитители огня
Каталог концертов

Цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Истории с оркестром. Похитители огня

Год выхода:
2014
Страна производитель:
Россия
Длительность:
176 мин.

Л. ван Бетховен. Балет «Творения Прометея»

Если кто из композиторов и ассоциируется в нашем сознании с образом героя-бунтаря Прометея, то это Людвиг ван Бетховен. Обладатель поистине титанического духа, не сломленного в борьбе с постигшими его невзгодами, Бетховен открыто выступал против сильных мира и законов современного ему общества. В то же время он свято верил в силу искусства, способного «высекать огонь из человеческих сердец».
Неслучайно музыка Бетховена открывает и завершает абонемент, посвященный мифу о Прометее.

«Творения Прометея, или Власть музыки и танца» — единственный балет Бетховена и его первое произведение для музыкального театра. Прометей у Бетховена — это создатель людей. Он лепит их из глины и оживляет с помощью похищенного с Олимпа божественного огня. Затем, видя, что его творения неразумны и бесчувственны, Прометей с помощью Аполлона и его муз знакомит их с музыкой, танцем, пантомимой и театром — благодаря чему люди обретают разум, а также различные чувства и эмоции. Балет завершается всеобщим ликованием, прославляющим животворящую силу искусства.

Карл Орф. «Прометей»

Свою «античную трилогию» — «Антигону», «Эдипа» и «Прометея» — Орф писал в течение тридцати лет. Сам композитор называл ее «переводом классических произведений Софокла и Эсхила на язык современности».

«Прометей» — наиболее радикальная из трех «античных» работ Орфа. Если в первых двух композитор использовал немецкие переводы текстов, то в «Прометее» он взял за основу оригинальный, без каких-либо сокращений, древнегреческий текст Эсхила и попытался пересказать современным ему звуковым языком музыкальную часть античной драмы. Автор перевода либретто на русский язык - известный российский драматург Юрий Димитрин.

По традиции античный «оркестр» подчеркивал драматические моменты действия и изображал природные катаклизмы. Это попытался сделать и Орф. В его оркестре используется расширенная духовая группа (по шесть флейт, гобоев, труб, валторн и кларнетов) и трехкратно усиленная ударная группа (одиннадцать музыкантов играют на самых разнообразных инструментах, включая древние и экзотические), четыре рояля, орган и четыре арфы. Из струнной группы в исполнении участвуют только 9 контрабасов.Полное исполнение «Прометея» Вы можете услышать на сцене Концертного зала имени П. И. Чайковского 21 ноября 2014 года в рамках IV Международного фестиваля актуальной музыки «Другое пространство».

Евгений Цыганов

Евгений Цыганов в 2001 году окончил Российскую академию театрального искусства (мастерская П. Фоменко). Во время учебы играл роли: Градобоева («Горячее сердце», режиссер С. Женовач), Валентайна («Аркадия», режиссер Е. Каменькович), Князя («Русалка», режиссер М. Карбаускис) и Федора («Фро», режиссер В. Сенин). Сразу после окончания академии был принят в труппу театра «Мастерская П. Фоменко», где сейчас играет в спектаклях «Безумная из Шайо» (Жан-Ипполит), «Бесприданница» (Карандышев), «Одна абсолютно счастливая деревня» (Михеев) и «После занавеса» (Смирнов). В МХТ имени А. П. Чехова играл роль Родиона Раскольникова в спектакле «Преступление и наказание» (режиссер Е. Невежина).

Снимался в фильмах: «Коллекционер» (режиссер Ю. Грымов, 2001), «Займемся любовью» (режиссер Д. Евстигнеев, 2002), «Прогулка» (А. Учитель, 2003), «Дети Арбата» (А. Эшпай, 2005), «Фарт» (Р. Хрущ, 2005), «Космос как предчувствие» (А. Учитель, 2005), «Охотник» (В. Котт, 2006), «Питер FM» (О. Бычкова, 2006), «Многоточие» (А. Эшпай, 2007), «Ветка сирени» (П. Лунгин, 2007), «Русалка» (А. Меликян, 2007), «Красный жемчуг любви» (А. Пуустусмаа, 2007), «Летит» (Ф. Ибрагимбеков, С. Швыдкой, 2008), «Плюс один» (О. Бычкова, 2008), «Горячие новости» (А. Банке, 2009), «Ночь бойца» (Д. Глигоров, 2009), «Брестская крепость» (А. Котт, 2010), «Неадекватные люди» (Р. Каримов, 2011), «И не было лучше брата» (М. Ибрагимбеков, 2011), «Забытый» (В. Щегольков, 2011), «Это не я» (М. Саакян, 2012), «Территория» (А. Мельник, 2013), «Оттепель» (В. Тодоровский, 2013) и других.

Екатерина Кичигина

Окончила дирижерско-хоровой и вокальный факультеты Российской академии музыки имени Гнесиных (класс профессора Вивеи Громовой) и аспирантуру Московской консерватории (классы профессоров Нины Дорлиак и Галины Писаренко). С 1995 года является солисткой Московского театра «Новая Опера» имени Евгения Колобова, где исполняет ведущие партии в операх «Евгений Онегин» Чайковского, «Демон» Рубинштейна, «Паяцы» Леонкавалло, «Волшебная флейта» Моцарта, «Джанни Скикки» Пуччини, «Саломея» Р. Штрауса и других, а также партии для сопрано в постановках Viva Verdi!, «Винченцо Беллини», Bravissimo!, «Все это – Опера!», «Россини», реквиемах Моцарта и Верди, концертах солистов театра.

Важное место в карьере певицы занимает исполнение музыки современных композиторов. Екатерина Кичигина сотрудничает с Московским Ансамблем Современной Музыки (МАСМ), является солисткой ансамбля «Студия новой музыки». Принимала участие в мировых и российских премьерах сочинений Денисова, Шнитке, Лахенмана, Пендерецкого, Шаррино, Ромителли и многих других. Постоянная участница фестивалей современной музыки «Московская осень» и «Московский форум». Участвовала в записи опер Андрея Семенова, кантат Елены Фирсовой, вокальных произведений Дмитрия Янова-Яновского, Юрия Каспарова, Тиграна Мансуряна, Патрика де Клерка, Владислава Шутя. Дважды лауреат Национальной театральной премии «Золотая маска» (с коллективом исполнителей спектаклей «Евгений Онегин» и «Джанни Скикки»).

Лилианна Петрусенко

Лилианна Петрусенко родилась в 1980 году в Москве. В 1997–2002 гг. училась на дирижерско-хоровом и вокальном факультетах Киевского государственного высшего музыкального училища имени Р. М. Глиэра, в 2002–2006 гг. – на факультете сольного пения в Национальной музыкальной академии имени П. И. Чайковского в Киеве. Л. Петрусенко совершенствовала вокальное мастерство под руководством выдающихся певиц, среди которых Народная артистка Украины В. А. Кочур, Народная артистка Украинской ССР, народная артистка СССР, профессор Д. И. Петриненко, Народная артистка РСФСР, профессор И. И. Масленникова, Народная артистка СССР Г. П. Вишневская.

По окончании учебы Лилианна Петрусенко была солисткой киевских театров – Муниципального академического театра оперы и балета для детей и юношества (2006–2007) и Национального академического театра оперетты (2007–2009). В 2009–2011 гг. выступала в Центре оперного пения Галины Вишневской (Москва).

Среди партий, исполненных артисткой в разное время: Марфа («Царская невеста» Н. Римского-Корсакова, Оперная студия Киевской консерватории, 2004–2006 гг.), Цыганка Аза («Марица» И. Кальмана, Киевский театр оперетты), Фраскита («Кармен» Ж. Бизе, Центр оперного пения Галины Вишневской), а также партии в оратории В. А. Моцарта и «Страстях по Матфею» И. С. Баха.

Помимо этого в репертуаре певицы партии Микаэлы («Кармен» Ж. Бизе), Джильды («Риголетто» Дж. Верди), Виолетты («Травиата» Дж. Верди), Донны Анны («Дон Жуан» В. А. Моцарта), Розины («Севильский цирюльник» Дж. Россини), Людмилы («Руслан и Людмила» М. И. Глинки), Мисс Дулиттл («Моя прекрасная леди» Ф. Лоу), Виолетты («Фиалка Монмартра» И. Кальмана).

Лилианна Петрусенко является обладательницей I премии международного конкурса «Воронцовские встречи» в Алупке (2007), приза зрительских симпатий международного конкурса «Зорепад-2001» на Украине, дипломантом Конкурса имени А. С. Караманова в Москве (2009).

Надежда Гулицкая

Надежда Гулицкая родилась в Ухте (Республика Коми). Окончила дирижерско-хоровое отделение Сыктывкарского училища искусств (2000) и вокальное и дирижерско-хоровое отделения Академии хорового искусства имени В. С. Попова в Москве (2005). Работала хормейстером в Оперном театре Московской консерватории, была солисткой Академического Большого хора «Мастера хорового пения» РГМЦ (художественный руководитель — Лев Конторович).

С 2008 года является актрисой Театра музыки и поэзии под руководством Елены Камбуровой, принимает участие в спектаклях «Грезы», «Абсент», «Времена…Года…», «Победа. Реквием» (режиссер Иван Поповски), которые были удостоены театральных премий «Хрустальная Турандот», «Театрал», «Хрустальный гвоздь» и других. Автор сольных концертных программ.

С 2010 года Надежда совершенствует вокальное мастерство у Е. С. Новиковой, профессора и художественного руководителя Оперного театра-студии имени С. С. Прокофьева. Посещала мастер-классы Анны Маргулис, Яна Латам-Кёнига и Кристы Людвиг. В 2011 году получила Гран-при на III Независимом международном конкурсе оперных исполнителей в Москве.

В 2013 году Н. Гулицкая дебютировала в Большом театре в партии Царицы ночи в опере В. А. Моцарта «Волшебная флейта» (дирижер — Кристофер Мулдс).

Певица много сотрудничает с Государственным академическим симфоническим оркестром России имени Е. Ф. Светланова. Участвовала в фестивалях «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает» и «Другое пространство». Исполняла партии в «Прометее» К. Орфа, «Предварительном действе» А. Скрябина — А. Немтина, мировой премьере оперы С. Слонимского «Король Лир» и других произведениях. В рамках VII Большого фестиваля Российского национального оркестра (художественный руководитель — Михаил Плетнёв) Надежда Гулицкая участвовала в концертном исполнении оперы «Семирамида» Дж. Россини под управлением маэстро Альберто Дзедды.

Светлана Шилова

Светлана Шилова родилась в Запорожье. В 1997 году окончила вокальный факультет Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова. Во время учебы работала в Музыкальном камерном театре «Санкт-Петербургъ опера», где спела партии Полины и Ольги в операх «Пиковая дама» и «Евгений Онегин» Чайковского. В 1998—2002 годах — солистка Государственного театра оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории. В 2005 году завоевала Третью премию на Всероссийском фестивале-конкурсе молодых вокалистов имени Н. А. Обуховой в Липецке.

С 2002 года Светлана Шилова — солистка Государственного академического Большого театра России, где дебютировала в партии Марфы («Хованщина»). В репертуаре певицы партии Весны («Снегурочка»), Марты, Лауры («Иоланта»), Гадалки («Огненный ангел»), Ольги («Евгений Онегин»), Сонетки («Леди Макбет Мценского уезда»), Полины («Пиковая дама»), Любаши («Царская невеста»), Марины Мнишек («Борис Годунов»), Кармен («Кармен»), Князя Орловского («Летучая мышь»), Кончаковны («Князь Игорь») и другие.

Исполнительница много гастролирует в России и за рубежом. Она выступала на сценах Ла Скала, Парижской национальной оперы, Лионской оперы, Боннской оперы, венского театра Ан дер Вин, Мариинского театра, мадридского Королевского театра, на оперных сценах Токио, Пекина и Сеула. Принимала участие в культурной программе Олимпиады-2008 в Пекине и в церемонии открытия Исторической сцены Большого театра. В ГАБТе в 2013 году Светлана исполнила партию Кончаковны в новой постановке оперы «Князь Игорь» Бородина (режиссер — Юрий Любимов), а в 2014-м спела Любашу в премьере возобновленной классической версии оперы «Царская невеста» (дирижер — Геннадий Рождественский).

Светлана Шилова сотрудничает со многими известными оркестрами и дирижерами. С Национальным филармоническим оркестром России и маэстро Владимиром Спиваковым она представила вокальный цикл «Из еврейской народной поэзии» Шостаковича и Реквием Сен-Санса. С Госоркестром России имени Е. Ф. Светланова и дирижером Гилбертом Капланом участвовала в исполнении Симфонии № 2 Малера; с Венским филармоническим оркестром под управлением Кристиана Тилемана — в исполнении Симфонии № 9 Бетховена. С Большим симфоническим оркестром имени П. И. Чайковского и маэстро Владимиром Федосеевым участвовала в концертном исполнении оперы «Русалка» Даргомыжского. Летом 2015 года вышел диск с записью Симфонии № 1 Скрябина в исполнении Российского национального оркестра под управлением Михаила Плетнёва с участием певицы.

Певица принимала участие в международных фестивалях в Квебеке, Экс-ан-Провансе, имени Ф. И. Шаляпина в Казани, «Декабрьские вечера» в Москве, «Три века русского романса» в Санкт-Петербурге, «Зимняя Таруса» Фонда Святослава Рихтера и других. На протяжении многих лет она выступает в камерных программах с пианистом Алексеем Гориболем, сотрудничает с современными композиторами, среди которых Леонид Десятников, Сергей Баневич, Илья Демуцкий.

Борис Пинхасович

Борис Пинхасович родился в Ленинграде. В 2005 году он окончил Хоровое училище имени М. И. Глинки при Государственной академической капелле Санкт-Петербурга. Продолжил образование в Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова, которую окончил дважды – дирижерско-хоровой факультет (2010) и вокальный факультет (2011, класс профессора И. П. Богачевой). В 2006 году стал дирижером Симфонического оркестра Дома учёных им. М. Горького. Лауреат многочисленных вокальных конкурсов, включая международный конкурс «Санкт-Петербург», конкурс оперных певцов в Испании, конкурс оперных артистов Галины Вишневской.

С 2011 года Борис Пинхасович является ведущим солистом Михайловского театра Санкт-Петербурга. На этой сцене он исполнил заглавную партию в «Евгении Онегине» Чайковского (постановки Станислава Гаудасинского и Василия Бархатова), участвовал в российской премьере оперы Б. Бриттена «Билли Бадд» (Редбёрн) в постановке Вилли Декера. Был задействован в концертных исполнениях опер «Кармен» Бизе (Данкайро) под управлением Василия Петренко, «Севильский цирюльник» Россини (Фигаро), «Дон Паскуале» Доницетти (Малатеста) под управлением Михаила Татарникова. Участвовал в сценическом представлении оперы Сергея Слонимского «Мастер и Маргарита» (Иешуа).

В настоящее время в Михайловском театре он исполняет баритоновые партии в операх «Травиата» Верди, «Манон Леско» и «Богема» Пуччини, «Паяцы» Леонкавалло, «Любовный напиток» Доницетти, «Пиковая дама» и «Иоланта» Чайковского. В июне 2016 года дебютирует в партии Папагено в опере «Волшебная флейта» Моцарта.

В качестве приглашенного артиста Борис Пинхасович выступал в оперных театрах Лиможа, Руана, Реймса, Монте-Карло, Женевы. Сотрудничал с такими известными дирижерами, как Марис Янсонс, Саулюс Сондецкис, Владимир Федосеев, Михаил и Владимир Юровские, Лео Кремер, Андрей Аниханов, Александр Титов, Петер Феранец.

В 2014 году он участвовал в проектах Владимира Юровского в Московской филармонии, исполнив заглавную партию в оратории «Прометей» К. Орфа на сцене Концертного зала Чайковского. В 2015 году спел партию Андрея Щелкалова в музыкально-литературном представлении по первой редакции «Бориса Годунова» М. Мусоргского под управлением Владимира Юровского, а также участвовал в концертном исполнении «Пиковой дамы» с Большим симфоническим оркестром под управлением Владимира Федосеева. В январе 2016 года выступил в главной роли в опере «Брундибар» Г. Красы на сцене Эрмитажного театра.

Максим Михайлов

Максим Михайлов родился в Москве. Внук знаменитого баса М. Д. Михайлова. Учился в Государственном музыкально-педагогическом институте имени Гнесиных в классе А. А. Эйзена. В 1987 году стал лауреатом Международного конкурса вокалистов имени Глинки, после чего был приглашен в Большой театр. Его международная карьера началась с победы на Международном конкурсе вокалистов имени Х. Габора «Бельведер» (Вена) в 1993 году. В 1994 году он исполнил заглавную партию в опере Мусоргского «Борис Годунов» на Пасхальном фестивале в Зальцбурге (дирижер Клаудио Аббадо).

Максим Михайлов сотрудничает со многими оперными театрами мира, среди которых Метрополитен-опера, Ковент-Гарден, Парижская национальная опера, миланский Ла Скала, венецианский Ля Фениче, театры Сан-Карло в Неаполе, Комунале в Болонье, Ла Моннэ в Брюсселе, Лисео в Барселоне, Сан-Карлуш в Лиссабоне, Берлинская государственная опера, Фольксопер в Вене, Нидерландская опера, Гранд-опера в Хьюстоне. Певец — постоянный участник фестивалей в Глайндборне (Великобритания) и Уэксфорде (Ирландия), BBCProms в Лондоне, в Экс-ан-Провансе (Франция) и Турине (Италия). В обширном оперномрепертуаре певца ведущие партии в операх «Дон Жуан», «Свадьба Фигаро», «Волшебная флейта», «Иван Сусанин», «Борис Годунов», «Хованщина», «Русалка», «Князь Игорь», «Севильский цирюльник», «Аида», «Дон Карлос», «Макбет», «Отелло», «Фауст», «Пеллеас и Мелизанда», «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Мазепа», «Царская невеста», «Майская ночь», «Золотой петушок», «Скупой рыцарь», «Соловей», «Война и мир», «Леди Макбет Мценского уезда», «Нос» и многих других.

Выступал в сопровождении Лондонского филармонического оркестра, Оркестра Века Просвещения (Великобритания), Государственной капеллы Дрездена, Израильского филармонического оркестра и других известных коллективов. Сотрудничал с дирижерами Томасом Зандерлингом, Джеймсом Конлоном, Антонио Паппано, Михаилом Юровским. Принимает участие в ежегодном проекте Московской филармонии «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Много выступает на родине своего деда М. Д. Михайлова в Чувашии. Народный артист Чувашской Республики.

Марина Тенорио

Марина Тенорио начала заниматься фламенко в Бразилии. В 2002 году переехала в Москву и продолжила образование в театре «Школа драматического искусства» с режиссёром Анатолием Васильевым и японским танцором и хореографом Мин Танакой. С 2008 по 2013 год жила в Берлине, где закончила специальный курс в Высшей школе актерского мастерства имени Эрнста Буша, занимаясь вопросами соматики и процессами восприятия в танце. В этот период сотрудничала с хореографами Дэвидом Блуом, Кристиной Борх, Анной Мельниковой, а также с композитором Антоном Сафроновым. В настоящее время живёт и работает в Сан-Паулу (Бразилия).

Владимир Юровский

Родился в 1972 году в Москве. Представитель российской музыкальной династии: сын дирижера Михаила Юровского, внук композитора Владимира Юровского, правнук дирижера Давида Блока (создателя Государственного симфонического оркестра кинематографии). Музыкальное образование получил в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории, Дрезденской Высшей школе музыки имени Вебера и Берлинской Высшей школе музыки имени Эйслера.

Дирижированию обучался у своего отца, затем у Александра фон Брюка, Рольфа Ройтера и сэра Колина Дэвиса, был ассистентом Геннадия Рождественского. В 1995 году с триумфом дебютировал на международной сцене – в рамках оперного фестиваля в Уэксфорде (опера «Майская ночь» Римского-Корсакова). С тех пор сотрудничает с крупнейшими театрами, среди которых Ковент-Гарден (Лондон), Опера Бастий (Париж), Метрополитен-опера (Нью-Йорк), Комише Опер (Берлин), Ла Фениче (Венеция), Ла Скала (Милан), Большой театр России и другие. Выступает с ведущими симфоническими коллективами: филармоническими оркестрами Берлина, Вены и Нью-Йорка, Филадельфийским, Кливлендским, Чикагским и Бостонским симфоническими оркестрами, Государственной капеллой Дрездена, оркестрами Гевандхауса, Консертгебау, Баварского радио и многими другими. В 2001-2013 гг. – музыкальный руководитель оперного фестиваля в Глайндборне. В 2005-2009 гг. – главный приглашенный дирижер Российского национального оркестра. С 2007 – главный дирижер Лондонского филармонического оркестра и один из трех постоянных дирижеров Оркестра Эпохи Просвещения (наряду с сэром Саймоном Рэттлом и Иваном Фишером), с которыми провел фестивали «Открывая Чайковского», «Меж двух миров» (к 75-летию со дня рождения Шнитке) и другие. С 2009 сотрудничает с Камерным оркестром Европы. С 2017 года – художественный руководитель Фестиваля имени Энеску в Бухаресте, главный дирижер Оркестра Берлинского радио.

С 2011 года – художественный руководитель Государственного академического симфонического оркестра России имени Евгения Светланова. Выступал с коллективом на фестивале «Площадь искусств» (Санкт-Петербург), на III симфоническом форуме России (Екатеринбург), в концертах, посвященных памяти Евгения Светланова и 100-летию начала Первой мировой войны, в симфонических собраниях для студентов Московского университета и Российской академии музыки им. Гнесиных, в городах России и Германии; осуществил мировые премьеры оперы «Король Лир» Слонимского, «Песни Лукерьи» и «Песни восхождения» Вустина, «Наваждения» Прокофьева в оркестровке Геннадия Гладкова, российские премьеры Симфонии № 3 Сильвестрова, «Гейлигенштадтского завещания Бетховена» Щедрина, Симфоний №№ 5 и 9 Бетховена в редакции Малера, оперы «Прометей» Орфа, мюзикла «Обыкновенное чудо» Гладкова в редакции для солистов, хора и симфонического оркестра и полной версии «Предварительного действа» Скрябина – Немтина, московскую премьеру «Погребальной песни» Стравинского. По инициативе дирижера в 2012 году возрождена традиция посвящения в студенты первокурсников Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (в Музее-заповеднике Чайковского в Клину). В 2016 году в зале имени Чайковского под руководством маэстро прошли четвертый ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает» и пятый фестиваль «Другое пространство».

Юровский был дирижером-постановщиком опер «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» Моцарта, «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские майстерзингеры» и «Парсифаль» Вагнера, «Отелло», «Фальстаф» и «Макбет» Верди, «Борис Годунов» Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковского, «Руслан и Людмила» Глинки, «Ариадна на Наксосе» и «Женщина без тени» Р. Штрауса, «Приключения лисички-плутовки» Яначека, «Похождения повесы» Стравинского, «Моисей и Аарон» Шёнберга, «Воццек» Берга, «Огненный ангел» Прокофьева, «Любовь и другие демоны» Этвеша, Vita Nuova Мартынова и других.

В дискографии Юровского – записи симфоний Бетховена, Брамса, Чайковского, Малера, Воана-Уильямса, Шостаковича, Шнитке, симфонических произведений Гайдна, Вагнера, Р. Штрауса, Рахманинова, Равеля, Холста, Онеггера, Бриттена, Джулиана Андерсона, опер Хумпердинка, Россини, Мейербера, Массне, Пуччини, Цемлинского, Рахманинова, Прокофьева, Стравинского, Казеллы, Блоха, Тернеджа, Мишеля ван дер Аа, Андрея Семёнова и других.

В 2000 году Юровский стал обладателем Abbiati Prize как «лучший дирижер года», в 2015 – BBC Music Magazine Award за запись оперы «Нюрнбергские майстерзингеры» Вагнера; в 2007 году отмечен Королевским филармоническим обществом Великобритании как «дирижер года», в 2012 и 2014 гг. назван российской газетой «Музыкальное обозрение» «персоной года», в 2013 номинирован на премию Grammy. Критика отмечает масштабность творческих замыслов и отточенность интерпретаций музыканта, просветительскую направленность его деятельности. В 2016 году Юровский удостоен званий почетного доктора Королевского колледжа музыки (Лондон) и почетного профессора Московского государственного университета.

Людвиг ван Бетховен

Музыкальная Европа еще была полна слухами о гениальном чудо-ребенке — В. А. Моцарте, когда в Бонне, в семье тенориста придворной капеллы, родился Людвиг ван Бетховен. Крестили его 17 декабря 1770 г., назвав в честь деда, почтенного капельмейстера, выходца из Фландрии. Первые музыкальные знания Бетховен получил от отца и его сослуживцев. Отец хотел, чтобы он стал «вторым Моцартом», и заставлял сына упражняться даже по ночам. Вундеркиндом Бетховен не стал, однако довольно рано обнаружил композиторское дарование. Большое воздействие на него оказал К. Нефе, обучавший его композиции и игре на органе, — человек передовых эстетических и политических убеждений. Из-за бедности семьи Бетховен был вынужден очень рано поступить на службу: в 13 лет он был зачислен в капеллу как помощник органиста; позднее работал концертмейстером в боннском Национальном театре. В 1787 г. он посетил Вену и познакомился со своим кумиром, Моцартом, который, прослушав импровизацию юноши, сказал: «Обратите на него внимание; он когда-нибудь заставит мир говорить о себе». Стать учеником Моцарта Бетховену не удалось: тяжкая болезнь и смерть матери вынудили его спешно вернуться в Бонн. Там Бетховен обрел моральную поддержку в просвещенной семье Брейнингов и сблизился с университетской средой, разделявшей самые прогрессивные взгляды. Идеи Французской революции были с энтузиазмом встречены боннскими друзьями Бетховена и оказали сильное влияние на формирование его демократических убеждений.

В Бонне Бетховен написал целый ряд крупных и мелких сочинений: 2 кантаты для солистов, хора и оркестра, 3 фортепианных квартета, несколько фортепианных сонат (называемых ныне сонатинами). Следует отметить, что известные всем начинающим пианистам сонатины соль и фа мажор Бетховену, по мнению исследователей, не принадлежат, а только приписываются, зато другая, подлинно бетховенская Сонатина фа мажор, обнаруженная и опубликованная в 1909 г., остается как бы в тени и никем не играется. Большую часть боннского творчества составляют также вариации и песни, предназначенные для любительского музицирования. Среди них — всем знакомая песня «Сурок», трогательная «Элегия на смерть пуделя», бунтарски—плакатная «Свободный человек», мечтательная «Вздох нелюбимого и счастливая любовь», содержащая прообраз будущей темы радости из Девятой симфонии, «Жертвенная песня», которую Бетховен настолько любил, что возвращался к ней 5 раз (посл. ред. — 1824 г.). Несмотря на свежесть и яркость юношеских сочинений, Бетховен понимал, что ему необходимо серьезно учиться. В ноябре 1792 г. он окончательно покинул Бонн и переехал в Вену — крупнейший музыкальный центр Европы. Здесь он занимался контрапунктом и композицией у И. Гайдна, И. Шенка, И. Альбрехтсбергера и А. Сальери. Хотя ученик отличался строптивостью, учился он ревностно и впоследствии с благодарностью отзывался о всех своих учителях. Одновременно Бетховен начал выступать как пианист и вскоре завоевал славу непревзойденного импровизатора и ярчайшего виртуоза. В первой и последней своей длительной гастрольной поездке (1796) он покорил публику Праги, Берлина, Дрездена, Братиславы. Покровительство молодому виртуозу оказывали многие знатные любители музыки — К. Лихновский, Ф. Лобковиц, Ф. Кинский, русский посол А. Разумовский и другие, в их салонах впервые звучали бетховенские сонаты, трио, квартеты, а впоследствии даже симфонии. Их имена можно обнаружить в посвящениях многих произведений композитора. Однако манера Бетховена держаться со своими покровителями была почти неслыханной для того времени. Гордый и независимый, он никому не прощал попыток унизить свое достоинство. Известны легендарные слова, брошенные композитором оскорбившему его меценату: «Князей было и будет тысячи, Бетховен же только один». Из многочисленных аристократок — учениц Бетховена — его постоянными друзьями и пропагандистами его музыки стали Эртман, сестры Т. и Ж. Брунс, М. Эрдеди. Не любивший преподавать, Бетховен все же был учителем К. Черни и Ф. Риса по фортепиано (оба они завоевали впоследствии европейскую славу) и эрцгерцога Австрии Рудольфа по композиции.

В первое венское десятилетие Бетховен писал преимущественно фортепианную и камерную музыку. В 1792-1802 гг. были созданы 3 фортепианных концерта и 2 десятка сонат. Из них только Соната № 8 («Патетическая») имеет авторское название. Сонату № 14, носящую подзаголовок соната-фантазия, назвал «Лунной» поэт-романтик Л. Рельштаб. Устойчивые наименования укрепились также за сонатами № 12 («С Траурным маршем»), № 17 («С речитативами») и более поздними: № 21 («Аврора») и № 23 («Аппассионата»). К первому венскому периоду относятся, помимо фортепианных, 9 (из 10) скрипичных сонат (в том числе № 5 — «Весенняя», № 9 — «Крейцерова»; оба названия также неавторские); 2 виолончельные сонаты, 6 струнных квартетов, ряд ансамблей для различных инструментов (в том числе жизнерадостно-галантный Септет). С началом XIX в. начался и Бетховен как симфонист: в 1800 г. он закончил свою Первую симфонию, а в 1802 — Вторую. В это же время была написана его единственная оратория «Христос на Масличной горе». Появившиеся в 1797 г. первые признаки неизлечимой болезни — прогрессирующей глухоты и осознание безнадежности всех попыток лечения недуга привело Бетховена к душевному кризису 1802 г., который отразился в знаменитом документе — «Гейлигенштадтском завещании». Выходом из кризиса стало творчество: «...Недоставало немногого, чтобы я покончил с собой», — писал композитор. — «Только оно, искусство, оно меня удержало». 1802—12 гг. — время блестящего расцвета гения Бетховена. Глубоко выстраданные им идеи преодоления страдания силой духа и победы света над мраком после ожесточенной борьбы оказались созвучными основным идеям Французской революции и освободительных движений начала XIX в. Эти идеи воплотились в Третьей («Героической») и Пятой симфониях, в тираноборческой опере «Фиделио», в музыке к трагедии И. В. Гете «Эгмонт» в Сонате № 23 («Аппассионате»). Композитора вдохновляли также философские и этические идеи эпохи Просвещения, воспринятые им в юности. Мир природы предстает полным динамичной гармонии в Шестой («Пасторальной») симфонии, в Скрипичном концерте, в фортепианной (№ 21) и скрипичной (№ 10) сонатах. Народные или близкие к народным мелодии звучат в Седьмой симфонии и в квартетах №№ 7-9 (так называемых «русских» — они посвящены А. Разумовскому; Квартет №8 содержит 2 мелодии русских народных песен: использованную много позднее также и Н. Римским-Корсаковым «Славу» и «Ах, талан ли мой, талан»). Мощным оптимизмом полна Четвертая симфония, юмором и слегка иронической ностальгией по временам Гайдна и Моцарта пронизана Восьмая. Эпически и монументально трактуется виртуозный жанр в Четвертом и Пятом фортепианных концертах, а также в Тройном концерте для скрипки, виолончели и фортепиано с оркестром. Во всех этих произведениях нашел самое полное и окончательное воплощение стиль венского классицизма с его жизнеутверждающей верой в разум, добро и справедливость, выраженной на концепционном уровне как движение «через страдание — к радости» (из письма Бетховена к М. Эрдеди), а на композиционном — как равновесие между единством и многообразием и соблюдение строгих пропорций при самых крупных масштабах сочинения.

1812-15 гг. — переломные в политической и духовной жизни Европы. За периодом наполеоновских войн и подъемом освободительного движения последовал Венский конгресс (1814-15), после которого во внутренней и внешней политике европейских стран усилились реакционно—монархические тенденции. Стиль героического классицизма, выражавший дух революционного обновления конца XVIII в. и патриотические настроения начала XIX в., должен был неминуемо или превратиться в помпезно-официозное искусство, или уступить место романтизму, который стал ведущим направлением в литературе и успел заявить о себе в музыке (Ф. Шуберт). Эти сложные духовные проблемы пришлось решать и Бетховену. Он отдал дань победному ликованию, создав эффектную симфоническую фантазию «Битва при Виттории» и кантату «Счастливое мгновение», премьеры которых были приурочены к Венскому конгрессу и принесли Бетховену неслыханный успех. Однако в других сочинениях 1813—17 гг. отразились настойчивые и порой мучительные поиски новых путей. В это время были написаны виолончельные (№№ 4, 5) и фортепианные (№№ 27, 28) сонаты, несколько десятков обработок песен разных народов для голоса с ансамблем, первый в истории жанра вокальный цикл «К далекой возлюбленной» (1815). Стиль этих сочинений — как бы экспериментальный, со множеством гениальных находок, однако не всегда столь же цельный, как в период «революционного классицизма».

Последнее десятилетие жизни Бетховена было омрачено как общей гнетущей политической и духовной атмосферой в меттерниховской Австрии, так и личными невзгодами и потрясениями. Глухота композитора стала полной; с 1818 г. он был вынужден пользоваться «разговорными тетрадями», в которых собеседники писали обращенные к нему вопросы. Потеряв надежду на личное счастье (имя «бессмертной возлюбленной», к которой обращено прощальное письмо Бетховена от 6-7 июля 1812 г., остается неизвестным; одни исследователи считают ею Ж. Брунсвик-Дейм, другие — А. Брентано), Бетховен принял на себя заботы по воспитанию племянника Карла, сына умершего в 1815 г. младшего брата. Это привело к долголетней (1815-20) судебной тяжбе с матерью мальчика о правах на единоличное опекунство. Способный, но легкомысленный племянник доставлял. Бетховену много огорчений. Контраст между печальными, а порою и трагическими жизненными обстоятельствами и идеальной красотой создаваемых произведений — проявление того духовного подвига, который сделал Бетховена одним из героев европейской культуры Нового времени.

Творчество 1817-26 гг. ознаменовало новый взлет гения Бетховена и одновременно стало эпилогом эпохи музыкального классицизма. До последних дней сохранив верность классическим идеалам, композитор нашел новые формы и средства их воплощения, граничащие с романтическими, но не переходящие в них. Поздний стиль Бетховена — уникальный эстетический феномен. Центральная для Бетховена идея диалектической взаимосвязи контрастов, борьбы света и мрака обретает в позднем творчестве подчеркнуто философское звучание. Победа над страданием дается уже не через героическое действие, а через движение духа и мысли. Великий мастер сонатной формы, в которой прежде развивались драматические конфликты, Бетховен в поздних сочинениях нередко обращается к форме фуги, наиболее подходящей для воплощения постепенного становления обобщенной философской идеи. 5 последних фортепианных сонат (№№ 28-32) и 5 последних квартетов (№№ 12-16) отличаются особо сложным и утонченным музыкальным языком, требующим от исполнителей величайшей искусности, а от слушателей — проникновенного восприятия. 33 вариации на вальс Диабелли и Багатели ор. 126 также являются подлинными шедеврами, несмотря на различие в масштабах. Позднее творчество Бетховена долгое время вызывало споры. Из современников лишь немногие смогли понять и оценить его последние сочинения. Одним из таких людей стал H. Голицын, по заказу которого написаны и которому посвящены квартеты №№ 12, 13 и 15. Ему же посвящена увертюра «Освящение дома» (1822).

В 1823 г. Бетховен закончил «Торжественную мессу», которую сам считал своим величайшим произведением. Эта месса, рассчитанная скорее на концертное, чем на культовое исполнение, стала одним из этапных явлений в немецкой ораториальной традиции (Г. Шютц, И. С. Бах, Г. Ф. Гендель, В. А. Моцарт, И. Гайдн). Первая месса (1807) не уступала мессам Гайдна и Моцарта, однако не стала новым словом в истории жанра, как «Торжественная», в которой претворилось все мастерство Бетховена—симфониста и драматурга. Обратившись к каноническому латинскому тексту, Бетховен выделил в нем идею самопожертвования во имя счастья людей и внес в финальную мольбу о мире страстный пафос отрицания войны как величайшего зла. При содействии Голицына «Торжественная месса» впервые была исполнена 7 апреля 1824 г. в Петербурге. Месяцем позже в Вене состоялся последний бенефисный концерт Бетховена, в котором, помимо частей из мессы, прозвучала его итоговая, Девятая симфония с заключительным хором на слова «Оды к радости» Ф. Шиллера. Идея преодоления страдания и торжества света последовательно проведена через всю симфонию и с предельной ясностью выражена в конце благодаря введению поэтического текста, который Бетховен еще в Бонне мечтал положить на музыку. Девятая симфония с ее финальным призывом — «Обнимитесь, миллионы!» — стала идейным завещанием Бетховена человечеству и оказала сильнейшее воздействие на симфонизм XIX и XX вв. Традиции Бетховена восприняли и так или иначе продолжили Г. Берлиоз, Ф. Лист, И. Брамс, А. Брукнер, Г. Малер, С Прокофьев, Д. Шостакович. Как своего учителя чтили Бетховена и композиторы нововенской школы — «отец додекафонии» А. Шёнберг, страстный гуманист А. Берг, новатор и лирик А. Веберн. В декабре 1911 г. Веберн писал Бергу: «Мало вещей столь чудесных, как праздник Рождества. ... Не так ли надо праздновать и день рождения Бетховена?» Немало музыкантов и любителей музыки согласились бы с этим предложением, потому что для тысяч (а может, и миллионов) людей Бетховен остается не только одним из величайших гениев всех времен и народов, но и олицетворением немеркнущего этического идеала, вдохновителем угнетенных, утешителем страждущих, верным другом в скорби и радости.

Карл Орф

Карл Орф (полное имя Карл Генрих Мария, 10 июля 1895, Мюнхен — 29 марта 1982, там же) — немецкий композитор, наиболее известен кантатой «Carmina Burana» (1937). Будучи крупным композитором XX века, он также внес большой вклад в развитие музыкального образования.

Орф родился в Мюнхене и происходил из баварской семьи, которая принимала большое участие в делах немецкой армии. Полковой оркестр его отца, по всей видимости, часто играл произведения молодого Орфа.

Отец Карла Орфа, офицер, играл на фортепиано и нескольких струнных инструментах. Его мать также была хорошей пианисткой. Именно она обнаружила у сына талант к музыке и занялась его обучением.

Орф научился играть на пианино в 5 лет. В возрасте девяти лет он уже писал длинные и короткие музыкальные отрывки для своего собственного кукольного театра.

В 1912-1914 годах Орф обучался в Мюнхенской музыкальной академии. В 1914 году продолжил обучение у Германа Зильчера. В 1916 году работал капельмейстером в Мюнхенском камерном театре. В 1917 году во время Первой мировой войны Орф отправился на добровольную службу в армию в Первый Баварский Полевой Артиллерийский полк. В 1918 году его пригласили на должность капельмейстера в Национальный Театр Мангейма под руководством Вильгельма Фуртвенглера, а затем он стал работать в Дворцовом Театре Великого Герцогства Дармштадта.

В 1920 году Орф женился на Алисе Зольшер (нем. Alice Solscher), через год родился его единственный ребенок, дочь Годела, в 1925 году состоялся его развод с Алисой.

В 1923 году он познакомился с Доротеей Гюнтер и в 1924 году совместно с ней создал школу гимнастики, музыки и танца «Гюнтершуле» (нем. Günther-Schule) в Мюнхене. С 1925 года и до конца своей жизни Орф являлся главой отделения в этой школе, где работал с начинающими музыкантами. Имея постоянный контакт с детьми, он разработал свою теорию музыкального образования.

Несмотря на то, что связь Орфа (или ее отсутствие) с нацистской партией не была установлена, его «Carmina Burana» была весьма популярна в нацистской Германии после ее премьеры во Франкфурте в 1937 году, исполнялась множество раз (хотя нацистские критики называли ее «дегенеративной» — «entartet» — намекая на связь с возникшей в то же время печально известной выставкой «Дегенеративное искусство»). Орф был единственным из нескольких немецких композиторов во время нацистского режима, кто отреагировал на официальный призыв написать новую музыку для пьесы Шекспира «Сон в летнюю ночь», после того как музыка Феликса Мендельсона была запрещена — остальные отказались принимать в этом участие. Но опять же, Орф работал над музыкой для этой пьесы в 1917 и 1927 годах, задолго до пришествия нацистского правительства.

Орф был близким другом Курта Хубера, одного из основателей движения сопротивления «Die Weiße Rose» («Белая роза»), приговоренного к смерти Народной судебной палатой и казненного нацистами в 1943 году. После Второй мировой войны Орф заявил, что был участником движения и был сам вовлечен в сопротивление, но нет никаких доказательств кроме его собственных слов, некоторые источники оспаривают это заявление[1]. Мотив кажется ясен: заявление Орфа было принято американскими денацификационными властями, позволив ему продолжать заниматься композиторством.

Орф похоронен в барочной церкви бенедиктинского монастыря, славящегося пивоварением, при аббатстве Андекс на юге Мюнхена.

Орф наиболее известен как автор «сценической кантаты»«Carmina Burana», что в переводе значит "Песни Бойерна". (1937). Это первая часть трилогии, которая также включает «Catulli Carmina» и «Trionfo di Afrodite». «Carmina Burana» отражает его интерес к средневековой немецкой поэзии. Все части трилогии вместе называются «Trionfi». Композитор охарактеризовал это произведение как праздник победы человеческого духа через равновесие плотского и вселенского. Музыка написана на стихи, написанными голиардами, из рукописи XIII в., найденной в 1803 году в баварском бенедиктинском монастыре Бойерн (Beuern, лат. Buranum); этот сборник известен как «Carmina Burana» (см.), названный так по имени монастыря. Несмотря на элементы модерна в некоторых композиционных техниках, в этой трилогии Орф выразил дух средневекового периода с заразительным ритмом и простыми тональностями. Средневековые поэмы, написанные на немецком языке в его ранней форме и латыни, часто не вполне пристойны, но не опускаются до вульгарности.

Успех «Carmina Burana» отодвинул на второй план все предыдущие работы Орфа, за исключением «Catulli Carmina» и «Entrata», которые были переписаны в приемлемом, с точки зрения Орфа, качестве. С исторической точки зрения «Carmina Burana», вероятно, самый известный пример музыки, сочиненной и впервые исполненной в нацистской Германии. В действительности «Carmina Burana» была настолько популярна, что Орф получил заказ во Франкфурте сочинить музыку для пьесы «Сон в летнюю ночь», которая должна была заменить запрещенную в Германии музыку Феликса Мендельсона. После войны Орф заявил, что не удовлетворен сочинением и переработал его в финальную версию, которая была впервые представлена в 1964.

Орф сопротивлялся тому, чтобы какую-либо из его работ просто называли оперой в традиционном смысле слова. Свои работы «Der Mond» («Луна») (1939) и «Die Kluge» («Мудрая женщина») (1943), например, он относил к «Märchenoper» («сказочные оперы»). Особенность обоих произведений состоит в том, что в них повторяются одни и те же лишенные ритма звуки, не используются никакие музыкальные техники периода, когда они были созданы, то есть о них невозможно судить как об относящихся к какому-то конкретному времени. Мелодии, ритмы и вместе с ними текст этих произведений проявляются только в союзе слов и музыки.

О своей опере «Антигона» (1949), Орф говорил, что это не опера, а «Vertonung», «переложение на музыку» древней трагедии. Текст оперы является превосходным переводом Фридриха Гельдерлина на немецкий язык одноименной трагедии Софокла. Оркестровка в значительной степени основана на ударных. Она была даже окрещена минималистичой, что наиболее адекватно описывает мелодическую линию. Считается, что Орф, запечатлел в своей опере историю об Антигоне, так как она имеет заметное сходство с историей жизни Софи Шолль, героини «Белой розы».

Премьера последней работы Орфа, «De Temporum Fine Comoedia» («Комедия на конец времен»), проходила на Зальцбургском музыкальном фестивале 20 августа 1973 и была исполненна Симфоническим оркестром Кельнского радио и хором под управлением Герберта фон Караяна. В этой в высшей степени личной работе, Орф представил мистическую пьесу, в которой подвел итог своим взглядам на конец времен, воспетый на греческом, немецком и латинском языках.

«Musica Poetica», которую Орф сочинил вместе с Гунильд Кетман, была использована как основная музыкальная тема к фильму Терренса Мэлика «Опустошенные земли» (1973). Позднее Ханс Циммер переработал эту музыку для фильма «Настоящая любовь» (1993).

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова

Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, один из старейших симфонических коллективов страны, отметил 80-летие в 2016 году. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936-1941), Натан Рахлин (1941-1945), Константин Иванов (1946-1965) и Евгений Светланов (1965-2000). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Евгения Светланова. В 2000-2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002-2011 гг. – Марк Горенштейн. 24 октября 2011 года художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами мира. С сезона 2016/17 главный приглашенный дирижер Госоркестра – Василий Петренко.

Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 году оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За пультом коллектива стояли Герман Абендрот, Эрнест Ансерме, Лео Блех, Николай Голованов, Курт Зандерлинг, Отто Клемперер, Кирилл Кондрашин, Лорин Маазель, Курт Мазур, Николай Малько, Игорь Маркевич, Евгений Мравинский, Шарль Мюнш, Мстислав Ростропович, Саулюс Сондецкис, Игорь Стравинский, Арвид Янсонс, Шарль Дютуа, Геннадий Рождественский, Леонард Слаткин, Юрий Темирканов, Михаил Юровский, Валерий Гергиев, Александр Лазарев, Андрей Борейко, Александр Ведерников, Ион Марин, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали певцы Ирина Архипова, Галина Вишневская, Сергей Лемешев, Елена Образцова, Мария Гулегина, Пласидо Доминго, Монсеррат Кабалье, Йонас Кауфман, Дмитрий Хворостовский, пианисты Эмиль Гилельс, Ван Клиберн, Генрих Нейгауз, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мария Юдина, Валерий Афанасьев, Элисо Вирсаладзе, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Алексей Любимов, Борис Березовский, Николай Луганский, Денис Мацуев, скрипачи Леонид Коган, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Максим Венгеров, Виктор Пикайзен, Вадим Репин, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, альтист Юрий Башмет, виолончелисты Мстислав Ростропович, Наталия Гутман, Александр Князев, Александр Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов Вальтрауд Майер, Анны Нетребко, Хиблы Герзмавы, Александрины Пендачанской, Надежды Гулицкой, Екатерины Кичигиной, Ильдара Абдразакова, Дмитрия Корчака, Василия Ладюка, Рене Папе, пианистов Мицуко Учиды, Рудольфа Бухбиндера, скрипачей Леонидаса Кавакоса, Патриции Копачинской, Юлии Фишер, Дэниела Хоупа, Николая Цнайдера, Сергея Крылова. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры Станислав Кочановский, Андрис Пога, Мариус Стравинский, Филипп Чижевский, пианисты Люка Дебарг, Филипп Копачевский, Ян Лисецкий, Дмитрий Маслеев, Александр Романовский, скрипачи Алена Баева, Айлен Притчин, Валерий Соколов, Павел Милюков, виолончелист Александр Рамм.

Впервые побывав за рубежом в 1956 году, оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений Александра Вустина, Сергея Слонимского, Антона Батагова, Андрея Семёнова, Владимира Николаева, Олега Пайбердина, Ефрема Подгайца, Юрия Шерлинга, а также российские премьеры произведений Бетховена – Малера, Скрябина – Немтина, Орфа, Берио, Штокхаузена, Тавенера, Куртага, Адамса, Сильвестрова, Щедрина, Тарнопольского, Геннадия Гладкова; принял участие в XV Международном конкурсе имени Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; трижды участвовал в фестивале актуальной музыки «Другое пространство»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

В сентябре 2015 года Владимир Юровский объявил о долгосрочном проекте «80 премьер», в рамках которого отметивший 80-летие коллектив на протяжении нескольких сезонов исполняет восемьдесят премьер – мировых, российских и московских. С января 2016 года Госоркестр реализует специальный проект по поддержке композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество с современными российскими авторами. Первым в истории Госоркестра «композитором в резиденции» стал Александр Вустин.

За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 года носит почетное звание «академический»; в 1986 году был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.

Ансамбль ударных инструментов Марка Пекарского

Первый и по сей день единственный в России постоянно концертирующий Ансамбль ударных инструментов был организован в 1976. После блестящего дебюта на сцене Московского Дома ученых 6 декабря 1976 Ансамбль с неизменным успехом выступает на родине и за рубежом, участвует в крупных фестивалях, записывается на радио, телевидении и компакт-дисках.

В 1990–1992 Ансамбль являлся штатным коллективом Всесоюзного гастрольного концертного объединения «Союзконцерт» Министерства культуры СССР.

Поистине триумфальным было выступление Ансамбля в 1986 на берлинском фестивале «36. Berliner Festwochen». Газета «Tagesspiegel» назвала Ансамбль «катализатором творчества советских композиторов» и признала его «восточным конкурентом» «Les Percussions de Strasbourg» — самого известного ансамбля ударных в Европе.

Коллектив — участник церемоний открытия художественных выставок в ГМИИ им. Пушкина, в Государственной Третьяковской галерее, в ЦДХ на Крымском валу и др., международных кинофестивалей в Москве и Сочи, спортивных соревнований, вручения премий «Золотая маска», «Золотой орел», «Хрустальная Турандот». Ансамбль обладает эксклюзивным репертуаром (около 200 сочинений), созданным российскими и зарубежными композиторами специально для него. Свою лепту в создание уникального репертуара внесли А. Шнитке, Э. Денисов, С. Губайдуллина, В. Суслин, В. Мартынов, А. Кнайфель, А. Вустин, А. Раскатов, И. Соколов… Практически в каждом концерте Ансамбля под управлением М. Пекарского не обходится без премьеры нового сочинения или дебюта молодого автора.

Выступления Ансамбля Пекарского воспринимаются как своеобразные театрализованные действа.

Марк Пекарский

Род. в 1940 в Москве. В 1969 окончил Государственный музыкально-педагогический институт (ныне Российская академия музыки) им. Гнесиных по классу ударных инструментов профессора В.П. Штеймана. Работал в Оперно-симфоническом оркестре Московского радио, в Московском ансамбле старинной музыки «Мадригал».

М. Пекарский — выдающийся виртуоз, исполняющий самую разнрообразную музыку (от средневековой до сочинений К. Штокхаузена, Д. Кейджа, М. Кагеля, Э. Вареза, А. Жоливе, наших современников), обладатель уникальной коллекции ударных инструментов, автор многочисленных статей и книг об ударных.

В 1976 М. Пекарский организовал Ансамбль ударных инструментов и является его бессменным художественным руководителем.

М. Пекарский — инициатор многих уникальных проектов. Среди них: фестиваль «В начале был ритм» (1991); театральный проект «Сидур — Мистерия» (1992–1994); перформанс «Вслушиваясь в Маяковского» (1995) для праздничных торжеств в Риме, посвященных столетию поэта: фестиваль «Opus XX» (1998) в Риге; «Дни музыки для ударных в Москве» (2000); Международный фестиваль «Ударные дни Марка Пекарского» (Москва, 2003, 2006) — ныне это один из самых востребованных абонементов Московской консерватории.

В 2005 и 2006 Пекарский организовал трехдневные фестивали «Музыкальные ландшафты» при поддержке культурного центра «Дом», фестивали и концерты к 60-летию В. Мартынова, 75-летию С. Губайдулиной, 140-летию Московской консерватории.

В 1973–1990 М. Пекарский преподавал в Музыкальном училище им. М.М. Ипполитова-Иванова, в 1993–1996 — в Академии им. Маймонида, в 2003–2006 — в ЦМШ при Московской консерватории, с 1997 — в МССМШ им. Гнесиных.

С 1997 преподает на Факультете исторического и современного исполнительского искусства Московской консерватории, где основал класс ударных инструментов и разработал эксклюзивную программу и методику преподавания.

Проводил учебные курсы, семинары и мастер-классы по обучению игре на ударных инструментах, изучению сольного и ансамблевого репертуара для ударных в России (Москва, Руза, Санкт-Петербург, Петрозаводск, Саратов, Казань, Краснодар, Красноярск, Нижний Новгород, Новосибирск, Новокузнецк, Междуреченск, Таруса и др.), а также в Белоруссии, Казахстане, Эстонии, Латвии, Чехии, Австрии, Нидерландах. В 1997 провел мастер-классы по изучению творчества С. Губайдулиной для ударных инструментов в Швейцарии (Женева, Цюрих) и Японии (Токио).

Среди учеников М. Пекарского — лауреаты международных конкурсов, солисты и артисты ведущих оркестров (в т.ч. ГАБТа, РНО, МГАСО под управлением Павла Когана, «Русская филармония», Симфонического оркестра кинематографии) и ансамблей («Студия новой музыки», Ассоциации современной музыки и др.).

Член жюри всероссийских и международных конкурсов, среди которых конкурсы «ARD» в Мюнхене (1997), в Брно (Чехия, 1999), молодых композиторов им. П.И. Юргенсона (Москва, 2004 и 2005), «Cибирские музыкальные ассамблеи» (Новосибирск, 2005).

Заслуженный артист РФ. Лауреат премии Фонда «Русское исполнительское искусство». Член Союза московских композиторов.
«Марк Пекарский — один из немногих музыкантов, кто, будучи не представителем рыночной профессии (пианистом, дирижером, скрипачом), а энтузиастом весьма специфичного дела, стал культурным героем нескольких десятилетий» («Ведомости»).

Камерный хор Московской консерватории

Камерный хор Московской консерватории был создан по инициативе профессора А. С. Соколова в декабре 1994 года выдающимся хоровым дирижёром, Народным артистом России, профессором Б. Г. Тевлиным. Коллектив – лауреат Гран-при и обладатель двух золотых медалей Международного конкурса хоров в Рива-дель-Гарда (Италия, 1998), лауреат I премии и обладатель золотой медали I Международного конкурса хоров имени Брамса в Вернигероде (Германия, 1999), победитель I Всемирной хоровой Олимпиады в Линце (Австрия, 2000), лауреат Гран-при XXII Международного конкурса православной церковной музыки «Хайнувка» (Польша, 2003).

В 2008 году запись русской хоровой оперы «Боярыня Морозова» Р. Щедрина, выполненная Камерным хором под управлением Бориса Тевлина, была удостоена престижной премии Echo klassik в категории «Лучшее оперное исполнение года» (номинация «Опера XX-XXI века»).

С августа 2012 года художественным руководителем Камерного хора Московской консерватории является лауреат Премии Москвы, профессор кафедры современного хорового исполнительского искусства Александр Соловьёв.

Среди знаковых проектов с участием хора последних лет: российская премьера концертного исполнения оперы Б. Бриттена «Смерть в Венеции» под руководством Геннадия Рождественского и российская премьера Третьей симфонии Н. Корндорфа под управлением Александра Лазарева с Симфоническим оркестром Московской консерватории; мюзикл Г. Гладкова «Обыкновенное чудо», «Прометей» К. Орфа, «Свадьба Прометея» К. Сен-Санса и «Поэтория» Р. Щедрина с Госоркестром России имени Е. Ф. Светланова (дирижёр – Владимир Юровский), опера «Майская ночь» Н. Римского-Корсакова и Реквием А. Дворжака с Российским национальным оркестром (дирижёр – Михаил Плетнёв), «Буря» Алябьева с Камерным оркестром Московской консерватории (дирижёр – Феликс Коробов), «Глаголическая месса» Л. Яначека с оркестром театра «Новая опера» (дирижёр – Ян Латам-Кёниг), Восьмая симфония Г. Малера с Государственной академической симфонической капеллой России (дирижёр – Валерий Полянский), балет «Симфония псалмов» на музыку И. Стравинского на исторической сцене Большого театра (дирижёр – Павел Клиничев), выступление на фестивале «Зеркало в зеркале» (дирижёр – Андрес Мустонен).

Хор регулярно гастролирует по городам России и за рубежом. Является участником Всероссийских и международных фестивалей, среди которых Московский Пасхальный фестиваль, «Декабрьские вечера Святослава Рихтера», «Голоса православной России», «Московская осень», «Другое пространство» и многие другие.

С Камерным хором выступали выдающиеся музыканты нашего времени, в их числе Валерий Гергиев, Михаил Плетнёв, Геннадий Рождественский, Юрий Башмет, Валерий Полянский, Юрий Симонов, Владимир Юровский, Теодор Курентзис, Юстус Франтц, Эрик Эриксон, Гарри Гродберг, Владимир Крайнев, Николай Петров, Даниил Крамер, Иван Монигетти, Сергей Лейферкус, Вероника Джиоева, Лора Клейкомб, Иен Бостридж, Симона Кермес, Патриция Чьофи, Иосиф Кобзон.

Главное творческое направление коллектива – исполнение произведений современных отечественных и зарубежных композиторов.

Дискография хора включает сочинения С. Рахманинова, Д. Шостаковича, А. Шнитке, Р. Щедрина, С. Губайдулиной, Р. Леденёва, Кш. Пендерецкого, Дж. Тавенера; программы «Русская духовная музыка», антологию шедевров западной и отечественной хоровой музыки «Исполнительское искусство Бориса Тевлина», «А. Скрябин. Симфония № 1» (совместно с Российским национальным оркестром под руководством М. Плетнёва, Pentatone) и другие.

В 2014 году Камерный хор во главе с А. Соловьёвым завоевал три золотые медали на Всемирных хоровых играх в Риге, в 2015 году стал обладателем Гран-при, четырёх званий лауреата I премии и 4 специальных призов на XI Международном конкурсе хоровых коллективов и вокальных ансамблей имени Ю. Фалика «Поющий мир» в Санкт-Петербурге.

Хормейстеры коллектива: Мария Челмакина, Тарас Ясенков, Дарья Ерёмина, Алексей Вязников.