Фестиваль искусств «Русская зима». Госоркестр имени Е.Ф. Светланова, Владимир Вербицкий, Борис Березовский
Каталог концертов

Фестиваль искусств «Русская зима». Госоркестр имени Е.Ф. Светланова, Владимир Вербицкий, Борис Березовский

Год выхода:
2016

Борис Березовский

Борис Березовский – один из самых востребованных пианистов мира. Его искусство отличается виртуозностью, совершенным звуком с богатым спектром динамических оттенков, репертуарным разнообразием. Родился в Москве в 1969 году. Учился в Московской консерватории у Элисо Вирсаладзе и частным образом у Александра Саца. В 1987 завоевал IV премию конкурса пианистов в Лидсе (Великобритания). После блестящего дебюта в лондонском Уигмор-холле в 1988 году газета The Times охарактеризовала его как «исключительно многообещающего артиста». Подтверждением тому стали I премия и Золотая медаль на IX Международном конкурсе имени Чайковского в Москве, завоеванные Березовским в 1990 году.

С этого момента разворачивается международная карьера пианиста. Он выступает с лучшими оркестрами мира, среди которых Нью-Йоркский филармонический и Филадельфийский, лондонская «Филармония» и Симфонический оркестр Би-Би-Си, Резиденц-оркестр Гааги и Симфонический оркестр радио Франкфурта, Национальный оркестр Датского радио и амстердамский Консертгебау, Национальный оркестр Франции, Симфонические оркестры Бирмингема и Сиднея, филармонические оркестры Роттердама, Мюнхена, Осло, Берлина, Российский национальный, Уральский академический филармонический (УАФО), Новый Японский филармонический оркестр и другие. Партнерами Березовского были Курт Мазур, Шарль Дютуа, Вольфганг Заваллиш, Эндрю Литтон, Антонио Паппано, Лоранс Экильбе, Владимир Ашкенази, Александр Лазарев, Михаил Плетнев, Юрий Башмет, Дмитрий Китаенко, Александр Рудин, Дмитрий Лисс, Александр Ведерников и многие другие известные дирижеры.

Сольные концерты Березовского проходят в лучших залах мира, таких как Берлинская филармония, амстердамский Консертгебау, лондонский Ройал-фестивал-холл, Театр Елисейских полей в Париже, венский Концертхаус, Дворец изящных искусств в Брюсселе, зал «Мегарон» в Афинах, Большой зал Московской консерватории, Концертный зал имени Чайковского. Среди партнеров Березовского по камерному ансамблю – Вадим Репин, Дмитрий Махтин, Александр Князев, Яна Иванилова, Акико Суванаи, Хэмиш Милн.

В обширной дискографии Березовского – около 40 CD и DVD. На лейбле Teldec пианист записал произведения Шопена, Шумана, Рахманинова, Мусоргского, Балакирева, Метнера, Равеля и все «Трансцендентные этюды» Листа. На лейбле Mirare – все Прелюдии и фортепианные концерты Рахманинова (с УАФО под управлением Дмитрия Лисса) и сочинения Рахманинова для двух фортепиано (в ансамбле с Брижит Анжерер). Березовский – обладатель многих премий в области звукозаписи. Его записи сочинений Равеля, Чайковского, Шостаковича, Рахманинова, Хиндемита, Шопена, Сен-Санса удостоены премий Diapason d'Or, EchoKlassik, CHOC, многократно отмечены журналами Le Monde de la Musique и Gramophone. В 2006 году Березовский был удостоен премии BBC Music Magazine.

Пианист – участник крупнейших международных музыкальных фестивалей в России, Германии, Франции, Швейцарии, Австрии, Словакии, Японии, США. По инициативе Березовского в городах России (Москва, Екатеринбург, Владимир) с 2006 по 2011 гг. проходил «Метнер-фестиваль». Пианист активно концертирует в России: в Оренбурге, Новосибирске, Белгороде и многих других городах, проводит авторские фестивали, в том числе Фестиваль Бориса Березовского в Екатеринбурге (2012, 2014), идею которого сам музыкант определил как «музыкально-географическое путешествие». Схожими идеями вдохновлен и проект пианиста «Музыка Земли» (2014, 2016). «У меня возникло желание создать несколько концертов, посвященных влиянию фольклора на классику, – объяснял пианист. – Ведь многие гениальные русские композиторы вдохновлялись фольклором, любили его и обожали. Я думаю, что тема огромная, и хватит фестивалей на сорок, не меньше. Уж на мою жизнь точно хватит». В сентябре 2015 Березовский участвовал в I фестивале «Безумные дни в Екатеринбурге».

Летом 2015 года Березовский был членом жюри состязания пианистов на XV международном конкурсе имени Чайковского. На телеканале «Россия – Культура» он вел программу «Вспоминая великие страницы», посвященную конкурсным выступлениям пианистов прежних лет. Лауреат премии национальной газеты «Музыкальное обозрение» в номинации «Персона года» (2013). В 2015 удостоен Премии города Москвы в номинации «Музыкальное искусство». В июле 2016 удостоен звания Заслуженный артист РФ. Носит звание Steinway Artist.

Владимир Вербицкий

Владимир Вербицкий родился в Ленинграде в 1943 году. Окончил Хоровое училище при Академической капелле имени Глинки и Ленинградскую консерваторию по трем факультетам – фортепианному (класс профессора Владимира Нильсена, 1966), дирижерско-хоровому (класс доцента Александра Березина, 1966) и оперно-симфонического дирижирования (класс профессора Эдуарда Грикурова). В 1973 году стал дипломантом конкурса Фонда Герберта фон Караяна в Западном Берлине; в 1975 году – лауреатом конкурса имени Вила-Лобоса в Рио-де-Жанейро; в 1977 – лауреатом II международного конкурса дирижеров в Будапеште. В 1976 году окончил ассистентуру-стажировку Консерватории.

В 1972 году Вербицкий был приглашен в Воронежскую филармонию на должность главного дирижера симфонического оркестра, с которым работает уже сорок пять лет. В 1995 году коллективу под его руководством присвоено звание академического. Оркестр неоднократно принимал участие во Всероссийских и международных конкурсах и фестивалях, стал лауреатом I премии радиоконкурса «Орфей» (2002).

Руководство оркестром Вербицкий совмещает с интенсивной концертной деятельностью: еще в 1973 году дебютировал за пультом Заслуженного коллектива России Академического симфонического оркестра Ленинградской филармонии, в том же году стал ассистентом-стажером Евгения Мравинского. В 1976 году состоялся московский дебют Вербицкого с Эмилем Гилельсом и Госоркестром СССР, а спустя два года маэстро стал постоянным дирижером ГАСО. С этим коллективом он успешно выступал во Франции, Германии, Италии, Испании, Греции, Канаде, США, Южной Америке, Японии, Гонконге, Австралии, Новой Зеландии.

В течение двух лет (1982-1984) Вербицкий возглавлял Словацкий филармонический оркестр в Братиславе, с которым исполнял ряд произведений русской и зарубежной классики, осуществил записи сочинений словацких композиторов (в том числе на фестивалях «Пражская весна» и «Братиславские музыкальные торжества»). С 1987 года Вербицкий сотрудничает с симфоническими оркестрами Австралии и Новой Зеландии, успешно выступая в Сиднее, Мельбурне, Перте, Канберре, Аделаиде, Окленде, Крайстчерче и других городах. В 1988 он был музыкальным директором Оркестра штата Виктория (Австралия). Уже тридцать лет сотрудничает с Симфоническим оркестром Западной Австралии: в 1987-1991 гг. как приглашенный дирижер, в 1992-1997 гг. как главный приглашенный дирижер. В 1997 году в честь 10-летнего сотрудничества оркестр присвоил Вербицкому звание дирижера-лауреата.

Среди солистов, с которыми выступал Вербицкий, – Лев Власенко, Эмиль Гилельс, Олег Каган, Николай Петров, Янош Штаркер, Тигран Алиханов, Пауль Бадура-Шкода, Юрий Башмет, Максим Венгеров, Элисо Вирсаладзе, Наталия Гутман, Гидон Кремер, Игорь Ойстрах, Михаил Плетнев, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков.

В 1975 году маэстро награжден орденом «Знак Почета». С 1991 – Народный артист России. В 2000 году Международный Кембриджский биографический центр (Англия) включил имя дирижера в число 2000 выдающихся музыкантов ХХ столетия. В 2005 году Воронежский академический симфонический оркестр отметил 80-летний юбилей. Художественный руководитель и главный дирижер коллектива Владимир Вербицкий был награжден Медалью ордена «За заслуги перед Отечеством» II степени.

Михаил Глинка

В русской музыке Глинка занимает положение подобно Александру Сергеевичу Пушкину в русской литературе. Если Александр Пушкин – первый русский поэт мирового значения, то Михаил Глинка – первый композитор, открывший новую эпоху в диалоге западноевропейской и русской культур.

Глинка был гениально одаренной художественной личностью. Его стиль отличался удивительной законченностью, гармонией всех компонентов. Светлый, жизнеутверждающий характер, стройность формы, красота и пластичность мелодий, красочность и тонкость гармонии и инструментовки – ценнейшие качества произведений композитора. Это было искусство, порожденное высочайшей культурой и вкусом. По эстетическому совершенству его музыку часто сравнивают с искусством Моцарта. Как и венский классик, Глинка достиг высочайшего синтеза и переосмысления интонационного словаря своей эпохи. Именно ему, «русскому Моцарту» суждено было стать альфой и омегой отечественной музыки.

Главная заслуга композитора – в создании первых русских опер «Ивана Сусанина» (1836) и «Руслана и Людмилы» (1842). Он обозначил пути развития национального симфонизма и открыл новую эпоху в истории русской вокальной лирики. Его «испанские увертюры» положили начало разработке исполнительского фольклора в симфонической музыке. Он отразил в своем творчестве народные мотивы разных национальных культур (украинской, польской, финской, итальянской и народов Востока).

Произведения «певца пушкинской эпохи» по своим художественным достоинствам и глубине эстетического обобщения для большинства современников оказались во многом недосягаемыми. Его наследниками стали все крупные композиторы XIX века. К традициям Глинки восходят величавые народные образы Мусоргского и русская сказка Римского-Корсакова, богатырский эпос Бородина и лирическая задушевность, поэтичность Чайковского. Его творческие принципы стали основой зрелого национального стиля русской музыки ХХ века.

«Когда задумываешься, в чем прежде всего проявилась необыкновенная сила творческого гения Глинки, что явилось главным в той революции, которую он совершил в русской музыке, неизменно приходишь к мысли о начале всех начал в его искусстве – о глубочайшем постижении композитором духа народности, о высшем синтезе русской народной песенности с ярчайшей композиторской индивидуальностью», – писал Дмитрий Шостакович.

Судьба не была благосклонна Глинке. Почитаемый в Европе, композитор не находил должного понимания в России. Влюбленный в жизнь, он постоянно страдал от изнуряющих недугов и слабого здоровья. Ценитель и поклонник женской красоты, он пережил тяжелую личную драму.

Русский помещик, странствующий по Европе «барич», которого с детства интересует география и манит романтика дальних стран. Его влекут красоты севера и сочная красочность Кавказа («излюбленного» места русской интеллигенции). Глинка впитывает массу музыкальных впечатлений: его слух схватывает персидскую песню, напетую секретарем восточного принца, и грустный напев финского ямщика, он увлекается малороссийскими песнями и польскими танцами. Глинка зачарован экзотикой Испании, где помимо изучения языка и народной музыки, учится танцевать. Он наслаждается южным солнцем Италии и культурой Аппенин, хотя в России борется с «итальянщиной», отстаивая самобытность отечественной оперы. Его музыкальными оппонентами на русской сцене оказываются Беллини, Доницетти и Мейербер, но в реальной жизни Глинку связывают с ними дружеские отношения. Глинку почитает Берлиоз, а Лист, приехав в Россию, непременно желает услышать прославленного русского композитора (он же одним из первых оценил «Руслана»).

Глинка любит петь. Он – любимец светских салонов. Однажды на масленичном представлении он, наряженный в женский парик, исполняет партию Донны Анны. Имея от природы голос, по собственному выражению, несколько хрипловатый и сдавленный, он берет уроки вокала у итальянских певцов, достигает подлинного мастерства в пении и впоследствии выступает в роли педагога сам. Публикуется даже сборник вокальных упражнений Глинки (но уже после его смерти). Он обладает даром живописца, любит рисовать деревья и церкви (чем-то напоминая артистическую натуру Мендельсона, также влюбленного в путешествия и делающего живописные наброски). Он заводит у себя в поместье множество птиц и слушает их часами, а потом долго-долго музицирует на фортепиано.

В его натуре серьезность граничит с шалостью. Совсем как пушкинский повеса-Моцарт! На Черной речке забавляется с друзьями, изображая привидения. Когда же речь заходит о творчестве и, что еще важнее, о национальной направленности искусства, Глинка проявляет поразительную убежденность и стойкость позиции.

Он ругает, порой ненавидит Петербург, в котором не встречает истинного понимания и признания, даже под конец жизни он уезжает из России с тем, чтобы больше «не видеть эту землю». В душе же он всегда чувствует себя исконно русским композитором, ответственным за судьбы русского искусства и способного писать только национальным «языком».

Чувствую недостаточное знание композиторской техники, Глинка едет в Германию заниматься с известнейшим педагогом, автором учебников по гармонии и полифонии, Зигфридом Деном, который всего на 5 лет старше самого композитора (у него же учился мастерству Антон Рубинштейн). В последние годы жизни Глинка снова приедет в Германию и возобновит свои занятия с Деном. А задачу композитор поставит перед собой очень серьезную: «Я почти убежден, что можно связать Фугу западную с условиями нашей музыки узами законного брака». Он старательно изучает старинную церковную музыку. Последними его произведениями становятся фуги «в греческих ладах».

Александр Бородин

Александр Порфирьевич Бородин родился 31 октября (12 ноября) 1833 в Санкт-Петербурге. Он был внебрачным сыном немолодого грузинского князя Луки Гедианова и петербургской мещанки Авдотьи Антоновой. По обычаю того времени ребенок получил фамилию одного из крепостных отца. Мальчик учился дома языкам – немецкому, французскому, английскому (позже овладел также итальянским). Он рано проявил интерес к музыке: в восемь лет начал брать уроки игры на флейте, а затем – на фортепиано и виолончели, в девять – сочинил польку для фортепиано в 4 руки и уже в четырнадцать лет попробовал силы в сочинении для камерного ансамбля. Однако более всего Бородина привлекала не музыка, а химия, которая и стала его профессией.

С 1850 по 1856 он являлся вольнослушателем петербургской Медико-хирургической академии, по окончании был оставлен там преподавателем и в 1858 получил степень доктора медицины. Затем Бородин был направлен в научную командировку в Западную Европу (1859–1862). За границей он встретился с молодой московской пианисткой-любительницей Екатериной Сергеевной Протопоповой, музицируя с которой открыл для себя мир романтической музыки Шопена, Листа, Шумана. Вскоре они поженились. По возвращении в Россию он был избран адъюнкт-профессором по кафедре химии Медико-хирургической академии, а в 1864 – ординарным профессором (впоследствии заведующим) той же кафедры.

Несмотря на усиленные занятия наукой, Бородин никогда не оставлял музыки: в этот период им созданы струнный и фортепианный квинтеты, струнный секстет и другие камерные произведения. Решающим в его музыкальной биографии стал 1862, когда Бородин познакомился и подружился с композитором Милием Балакиревым и его кружком (впоследствии известным под именем Новой русской школы или «Могучей кучки»), состоявшим из Цезаря Кюи, Николая Римского-Корсакова и Модеста Мусоргского; под их влиянием Бородин начал работу над симфонией ми-бемоль мажор. Ее окончание затянулось ввиду загруженности композитора научной, преподавательской и издательской деятельностью (Бородин преподавал на Женских врачебных курсах, редактировал научный журнал «Знание» и т.д.), однако в 1867 симфония была все-таки закончена, а в 1869 – исполнена под управлением Балакирева. К 1867–1868 годам относится работа Бородина над оперой-фарсом Богатыри (пародия на распространенный в то время жанр романтической оперы на русскую историческую тему, с использованием мелодий Жака Оффенбаха, Джакомо Мейербера, Александра Серова, русских песен и подобного); в то же время он написал несколько романсов, являющихся шедеврами русской вокальной лирики. Успех Первой симфонии подвиг Бородина на продолжение работы в этом жанре: в 1869 возникает замысел симфонии си-бемоль минор, однако вскоре композитор оставляет его, привлеченный идеей оперы на сюжет древнерусского эпоса Слово о полку Игореве. Вскоре опера тоже была оставлена; часть сочиненной для нее музыки вошла во Вторую симфонию, окончание работы над которой относится к 1875. Примерно с 1874 Бородин возвращается к своему оперному замыслу и продолжает время от времени работать над отдельными сценами Князя Игоря. Однако к моменту смерти композитора опера осталась незавершенной.

В этот период Бородиным написаны также два струнных квартета (1879 и 1885), две части Третьей симфонии ля минор, музыкальная картина для оркестра В Средней Азии (1880), ряд романсов и фортепианных пьес. Его музыка начинает исполняться в Германии, Бельгии и Франции, во многом благодаря содействию Франца Листа, с которым Бородин поддерживал личное знакомство. По собственному признанию в письме к жене, ему приходилось быть «одновременно ученым, антрепренером, артистом, государственным чиновником, филантропом, врачом и больным». Умер Бородин в Петербурге 15 (27) февраля 1887.
Опера Князь Игорь, несомненно, является крупнейшим творческим достижением Бородина. Она была закончена и инструментована после смерти композитора его друзьями – Николаем Римским-Корсаковым и Александром Глазуновым и впервые поставлена в Петербурге в 1890. Вторая и незавершенная Третья симфонии, а также картина В Средней Азии по образному строю близки опере: здесь тот же мир героического прошлого России, который вызвал к жизни музыку замечательной силы, необычайного своеобразия и яркого колорита, порой отмеченную редким чувством юмора. Бородин не выделялся мастерством драматурга, но его опера благодаря высоким музыкальным достоинствам завоевала сцены всего мира.

Арам Хачатурян

Один из самых известных композиторов ХХ века, Арам Хачатурян вместе с Сергеем Прокофьевым и Дмитрием Шостаковичем вошел в блистательную триаду композиторов, ставших гордостью отечественной музыки ХХ века и определивших на многие годы ее облик. Творчество выдающегося мастера обогатило современную композиторскую школу новыми образами, стилевыми элементами, средствами музыкальной выразительности.

Арам Хачатурян родился 6 июня 1903 года в семье переплетчика в Коджори, предместье Тифлиса (Тбилиси того времени был самым «интернациональным» городом с развитой музыкальной культурой). До 19 лет не занимался профессионально музыкой. Будущий композитор учился сначала в русском частном пансионе С.В. Аргутинской-Долгоруковой (в разное время его окончило немало видных деятелей армянской и грузинской культуры), затем в Коммерческом училище Тифлиса. Пел в хоре, играл на трубе в духовом оркестре, сам научился играть на фортепиано и вскоре прослыл среди друзей и родных пианистом. В Москву приехал в 1921-м, обучался на биологическом отделении физико-математического факультета Московского университета и одновременно поступил в Музыкальный техникум имени Гнесиных в класс виолончели Сергея Бычкова, а затем к профессору Алексею Борисяку. За короткий срок Хачатурян не только наверстал упущенное, но и выдвинулся в число лучших учеников. В 1925 году в техникуме был открыт класс композиции и Хачатурян стал одним из первых учеников Михаила Гнесина. Блестящую европейскую выучку будущий композитор получил в консерватории (1929–1934) и аспирантуре (1936). Молодой музыкант занимался под руководством Рейнгольда Глиэра и Сергея Василенко (инструментовка), Николая Мясковского (сочинение).

Благодаря старшему брату Сурену Ильичу Хачатурову (режиссёру 1-й Студии МХТ, создателю Армянской драматической студии), Хачатурян познакомился с Евгением Вахтанговым, Михаилом Чеховым, слушал игру пианистов Константина Игумнова, Николая Орлова, посещал студию художника Петра Кончаловского. Знакомство в Москве с композитором Александром Спендиаровым, который поддержал молодого Хачатуряна, встречи с дирижёром Константином Сараджевым, участниками квартета имени Комитаса скрипачом Аветом Габриэляном и виолончелистом Сергеем Асламазяном сыграли значительную роль в раскрытии национально самобытных черт в творчестве Хачатуряна. Еще в 20-е годы, находясь уже в Москве, музыкант старался быть ближе к «родным корням»: пел в хоре армянской церкви, некоторое время был заведующим музыкальной частью 2-й Армянской драматической студии при московском ДК Советской Армении, где был поставлен ряд драматических спектаклей с его музыкой.

Музыкальный язык композитора синтезировал великие традиции европейской и русской классики и многовековую культуру армянского (шире – восточного) народа. Органичное слияние разных культур и миров стало стилевым признаком музыки Хачатуряна. Этот сплав охватил все параметры музыкальной речи композитора. В его мелосе соединились многовековые традиции армянской монодии и культура европейской кантилены и русской песенности. В композиционных формах произошло сближение жанровых и структурных закономерностей, сложившихся в восточной и европейской музыке. Элементы восточного инструментария и образности слышны в оркестровке произведений. «Пиршество звуков», «рубенсовская сытность оркестровой палитры», – так характеризовал колористичность музыки Хачатуряна академик Борис Асафьев.

Искусство Хачатуряна, глубоко самобытное и национальное, часто сравнивают с живописью Мартироса Сарьяна. «Солнечные», жизнеутверждающие полотна, яркая и декоративная манера письма этого художника перекликаются с лучезарной музыкой композитора, с его многоцветными, ослепительно праздничными оркестровыми красками.

Стилю Хачатуряна свойственны яркая театральность, зримость, живописность, пластичность, склонность к «крупному штриху». Его музыкальные образы полны жизни, движения, они конкретны и осязаемы. Недаром в его творчестве большое место отведено сценическим жанрам – балетам, музыке к спектаклям и кино.
Творческая жизнь Хачатуряна протекала в условиях борьбы и смен направлений в искусстве, появления различных школ, стилей, систем. На памяти его были годы всеобщего увлечения Скрябиным, импрессионистами, молодым Стравинским, Прокофьевым и Шостаковичем, появление музыкального урбанизма, конструктивизма, экспрессионизма, «нововенской школы», неоклассицизма, авангардистских течений. Мимо его сознания не проходило ни одно из явлений культуры ХХ века. В этих условиях он сумел сохранить непреходящую ценность мелодического начала и опору на тональную систему.

Хачатуряна можно, безусловно, причислить к гуманистам ХХ века. Его герой – человек современности, но человек глубоко чувствующий и озаренный мечтой. Его музыка проникнута всепоглощающим лирическим чувством и вместе с тем по-восточному горделивой сдержанностью.

Популярность музыки Арама Хачатуряна громадна, а его «Танец с саблями» из балета «Гаянэ» – одно из самых исполняемых произведений нашего времени. Уже ранние сочинения Хачатуряна, такие как Трио для кларнета, скрипки и фортепиано (1932) и Первая симфония (1934), сразу обнаружили необычайно яркое дарование композитора и особенности его композиторского почерка.

Мировую известность композитору принесла знаменитая триада инструментальных концертов – для фортепиано (1936), для скрипки (1940) и для виолончели (1946). В репертуар десятков виднейших исполнителей вошла и триада концертов-рапсодий для скрипки (1961), виолончели (1963) и фортепиано (1968). Балеты «Гаянэ» и «Спартак» составили целую эпоху в хореографии ХХ века. Крупным достижением стала Вторая симфония (1943), посвященная событиям Великой Отечественной войны. Неотъемлемой частью творческой деятельности Xачатуряна была работа в области музыки для театра и кино (к спектаклям «Маскарад» Лермонтова, «Валенсианская вдова» Лопе де Веги, к фильмам «Пэпо», «Зангезур» и др.). Он является также автором массовых песен и музыки Государственного гимна Армянской ССР (1944). В 1947 году после исполнения Третьей симфонии-поэмы для оркестра, органа и 15 труб, посвящённой 30-летию Октябрьской революции, композитор, как и большинство крупнейших советских композиторов того времени, подвергся официальной критике и обвинению в «антинародном формализме».

Многогранный талант Хачатуряна проявился в его чрезвычайно разносторонней деятельности. В возрасте 47 лет он становится за пульт и дирижирует своими произведениями в разных городах Советского Союза, на концертных эстрадах многих стран мира.

Много сил отдавал музыкант педагогике: с 1950 года Хачатурян преподавал композицию в Музыкально-педагогическом институте имени Гнесиных, а с 1951 он профессор Московской консерватории. Среди его учеников – Андрей Эшпай, Микаэл Таривердиев, Роситслав Бойко, Игорь Якушенко, Эдгар Оганесян, Нодар Габуния, Анатоль Виеру и другие известные композиторы.

Разнообразной была и общественная работа композитора. В 1939-48 годы он был заместителем председателя, а в 1957-78 – секретарем Союза композиторов. Кроме этого он плодотворно работал как член Всемирного и Советского комитета защиты мира, президент Советской ассоциации дружбы и культурного сотрудничества со странами Латинской Америки и многих других.

За высокие заслуги в развитии отечественной культуры А.Хачатурян был удостоен почетных званий: Героя Социалистического Труда (1973), Народного артиста СССР (1954), лауреата Ленинской (1959), пяти Государственных премий СССР (1941, 1943, 1946, 1950, 1971), Армянской ССР (1965), члена Академии наук Армянской ССР. Высоко оценили деятельность композитора и зарубежные художественные организации. Он был избран почетным академиком «Санта Чечилии» в Риме, почетным профессором Мексиканской консерватории, членом-корреспондентом Академии искусств ГДР и т.д.

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е. Ф. Светланова

Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, один из старейших симфонических коллективов страны, отметил 80-летие. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936-1941 гг.), Натан Рахлин (1941-1945 гг.), Константин Иванов (1946-1965 гг.) и Евгений Светланов (1965-2000 гг.). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Евгения Светланова.

В 2000-2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002-2011 гг. – Марк Горенштейн. 24 октября 2011 года художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами мира. С сезона 2016/17 главный приглашенный дирижер Госоркестра – Василий Петренко.

Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 году оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За пультом коллектива стояли Герман Абендрот, Эрнест Ансерме, Лео Блех, Николай Голованов, Курт Зандерлинг, Отто Клемперер, Кирилл Кондрашин, Лорин Маазель, Курт Мазур, Николай Малько, Игорь Маркевич, Евгений Мравинский, Шарль Мюнш, Мстислав Ростропович, Саулюс Сондецкис, Игорь Стравинский, Арвид Янсонс, Шарль Дютуа, Геннадий Рождественский, Леонард Слаткин, Юрий Темирканов, Михаил Юровский, Валерий Гергиев, Александр Лазарев, Андрей Борейко, Александр Ведерников, Ион Марин, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали певцы Ирина Архипова, Галина Вишневская, Сергей Лемешев, Елена Образцова, Мария Гулегина, Пласидо Доминго, Монсеррат Кабалье, Йонас Кауфман, Дмитрий Хворостовский, пианисты Эмиль Гилельс, Ван Клиберн, Генрих Нейгауз, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мария Юдина, Валерий Афанасьев, Элисо Вирсаладзе, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Алексей Любимов, Борис Березовский, Николай Луганский, Денис Мацуев, скрипачи Леонид Коган, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Максим Венгеров, Виктор Пикайзен, Вадим Репин, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, альтист Юрий Башмет, виолончелисты Мстислав Ростропович, Наталия Гутман, Александр Князев, Александр Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов Вальтрауд Майер, Анны Нетребко, Хиблы Герзмавы, Александрины Пендачанской, Надежды Гулицкой, Екатерины Кичигиной, Ильдара Абдразакова, Дмитрия Корчака, Василия Ладюка, Рене Папе, пианистов Мицуко Учиды, Рудольфа Бухбиндера, скрипачей Леонидаса Кавакоса, Патриции Копачинской, Юлии Фишер, Дэниела Хоупа, Николая Цнайдера, Сергея Крылова. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры Станислав Кочановский, Андрис Пога, Мариус Стравинский, Филипп Чижевский, пианисты Люка Дебарг, Филипп Копачевский, Ян Лисецкий, Дмитрий Маслеев, Александр Романовский, скрипачи Алена Баева, Айлен Притчин, Валерий Соколов, Павел Милюков, виолончелист Александр Рамм.

Впервые отправившись в зарубежные гастроли в 1956 году, оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений Александра Вустина, Сергея Слонимского, Антона Батагова, Андрея Семёнова, Владимира Николаева, Олега Пайбердина, Ефрема Подгайца, Юрия Шерлинга, а также российские премьеры произведений Бетховена – Малера, Скрябина – Немтина, Орфа, Берио, Штокхаузена, Тавенера, Куртага, Адамса, Сильвестрова, Щедрина, Тарнопольского, Геннадия Гладкова; принял участие в XV Международном конкурсе имени Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; трижды участвовал в фестивале актуальной музыки «Другое пространство»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

В сентябре 2015 года Владимир Юровский объявил о долгосрочном проекте «80 премьер», в рамках которого отметивший 80-летие коллектив на протяжении нескольких сезонов исполняет восемьдесят премьер – мировых, российских и московских. С января 2016 года Госоркестр реализует специальный проект по поддержке композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество с современными российскими авторами. Первым в истории Госоркестра «композитором в резиденции» стал Александр Вустин.

За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 года носит почетное звание «академический»; в 1986 году был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.