Екатерина Мечетина, Оркестр  Московской филармонии, Конрад ван Альфен
Каталог концертов

Екатерина Мечетина, Оркестр Московской филармонии, Конрад ван Альфен

Год выхода:
2015
Страна производитель:
Россия

Екатерина Мечетина

Одна из самых ярких звезд современного российского исполнительского искусства, Екатерина Мечетина дает сольные концерты по всему миру и выступает с лучшими оркестрами России и Европы. Слушателей разных стран покоряет безупречное техническое мастерство пианистки, ее яркая творческая индивидуальность и удивительное артистическое обаяние.

Екатерина родилась в семье московских музыкантов, начала заниматься музыкой с четырехлетнего возраста. Училась в Центральной музыкальной школе при Московской консерватории (класс Т. Л. Колосс) и Московской консерватории (класс доцента В. П. Овчинникова). В 2004 году окончила аспирантуру МГК в классе профессора С. Л. Доренского. В годы учебы являлась стипендиатом фонда В. Спивакова и фонда М. Ростроповича. По приглашению маэстро Ростроповича в 2004 году проходила стажировку в Париже.

Первый сольный концерт пианистка дала в возрасте 10 лет, а через два года уже совершила турне по городам Японии, где за месяц сыграла 15 сольных концертов, представив две разные программы. С тех пор Екатерина побывала с выступлениями более чем в 30 странах мира. Сегодня она дает около 60 концертов в год.

Выступления Екатерины Мечетиной на конкурсах также складывались удачно. Она — лауреат семи международных конкурсов пианистов, среди которых конкурс имени Бузони в Больцано (Италия) и Всемирный конкурс пианистов в Цинциннати (США).

Пианистка выступает на всемирно известных сценах, среди которых Концертный зал имени П. И. Чайковского, Большой, Малый и Рахманиновский залы Московской консерватории, Большой и Камерный залы Московского международного Дома музыки, Большой театр, Консертгебау (Амстердам), Ямаха-холл и Казальс-холл (Токио), Театр Елисейских Полей и Зал Гаво (Париж), Большой зал Миланской консерватории и «Аудиториум» (Милан), Зал Сесилии Мейрелес (Рио-де-Жанейро), AliceTullyHall (Нью-Йорк) и многие другие. Пианистка активно концертирует по городам России. Ее выступления проходили в Санкт-Петербурге, Ростове-на-Дону, Вологде, Тамбове, Перми, Ульяновске, Курске, Воронеже, Тюмени, Томске, Омске, Челябинске, Кемерово, Костроме, Кургане, Уфе, Казани, Воронеже, Новосибирске, Ханты-Мансийске, Владивостоке, Хабаровске, Петропавловске-Камчатском, Магадане и многих других городах.

В обширном репертуаре Екатерины Мечетиной более пятидесяти концертов для фортепиано с оркестром и множество сольных программ. Среди дирижеров, с которыми выступала пианистка — М. Ростропович, В. Спиваков, В. Федосеев, С. Сондецкис, Ю. Симонов, П. Коган, В. Понькин, Д. Лисс, В. Альтшулер, М. Венгеров, К. Орбелян, Д. Ситковецкий, А. Сладковский, Г. Ринкявичюс, А. Скульский, Ф. Глущенко, А. Слуцкий, Л. Фостер, К. Бадеа, Б. Дуглас, П. Манн, Ф. Мастранжело, М. Эклунд.

Екатерина принимала участие в крупных международных фестивалях, среди которых «Декабрьские вечера Святослава Рихтера», «Московская осень», фестиваль музыки Родиона Щедрина, «Русская зима» и Benois de la danse в Москве, «Звезды на Байкале» в Иркутске, фестиваль в Дубровнике (Хорватия), фестиваль Consonances и фестиваль в Лилле (Франция), Europalia в Бельгии. Пианистка также принимала участие в международном музыкальном проекте «Российские музы — миру» под патронатом Министерства иностранных дел РФ. Екатерина Мечетина является постоянным участником фестиваля Crescendo, где выступает и в амплуа ведущей концертов.

Пианистка часто музицирует в ансамблях разного состава. Ее партнерами по сцене являлись Р. Щедрин, В. Спиваков, Д. Ситковецкий, А. Уткин, А. Князев, А. Гиндин, Б. Андрианов, Д. Коган, Н. Борисоглебский, С. Антонов, Г. Муржа и многие другие известные российские и зарубежные исполнители.

Екатерина очень активно сотрудничает с современными композиторами — Р. Щедриным (который доверил ей мировую премьеру своего Шестого фортепианного концерта), А. Рыбниковым, В. Казениным, Т. Шахиди и многими другими.

Пианистка имеет записи на радио и телевидении России, США, Италии, Франции, Японии, Бразилии, Кувейта. В 2005 году на бельгийском лейбле FugaLibera вышел ее первый сольный диск с произведениями Рахманинова, затем в 2008 году компанией «Империя Музыки» был выпущен диск из произведений Р. Щедрина и Т. Шахиди. В 2013 году фирма «Мелодия» выпустила сольный диск Екатерины, куда вошли произведения Чайковского, Мусоргского и Рахманинова.

С 2009 года Екатерина Мечетина преподает в Московской консерватории. Пианистка ежегодно дает мастер-классы в Летней творческой школе ЮНЕСКО «Новые имена» в Суздале, является членом жюри многих российских и международных конкурсов, в том числе Международного телевизионного конкурса юных музыкантов «Щелкунчик» и Международных Дельфийских игр.

Екатерина Мечетина - член попечительского совета Уральской государственной консерватории имени М. П. Мусоргского и попечительского совета Детской филармонии г. Екатеринбурга и президент Международного молодежного фестиваля искусств «Зеленый шум», который с 2013 года ежегодно проходит в Сургуте.

Пианистка удостоена престижной молодежной премии «Триумф» (2003) и Ордена Екатерины Великой III степени «За заслуги и большой личный вклад в развитие отечественной культуры и искусства» от Национального комитета общественных наград (2007). Екатерина Мечетина - обладательница Премии Министерства иностранных дел РФ и фонда «Российские музы — миру» «За вклад в формирование объективного образа России на международной арене» и Премии Президента России для молодых деятелей культуры за 2010 год «За вклад в развитие традиций российского музыкального искусства и высокий уровень исполнительского мастерства». В 2011 году Екатерина Мечетина вошла в состав Совета по культуре и искусству при Президенте России.

С 2007 года Екатерина Мечетина является солисткой Московской филармонии.

Конрад ван Альфен

Конрад ван Альфен родился в 1963 году в Претории (ЮАР). После окончания обучения, в возрасте 26 лет он переехал в Нидерланды, работал в Симфоническом оркестре Радио (Хилверсюм) и оркестре Академии имени Бетховена (Антверпен, Бельгия), параллельно продолжая обучение дирижированию у Эри Класа и Роберто Бенци.

Сегодня Конрад ван Альфен – художественный руководитель и главный дирижер основанного им камерного оркестра Sinfonia Rotterdam. Один из лучших коллективов Нидерландов сегодняшнего дня, оркестр Sinfonia Rotterdam п/у Конрада ван Альфена выступает в ведущих концертных залах страны, включая Амстердамский Concertgebouw, De Doelen и Wereldmuseum в Роттердаме, гастролирует по всем Нидерландам и во многих странах Европы, а также в России, Бразилии, Мексике и Колумбии.

Конрада ван Альфена регулярно приглашают к сотрудничеству как оркестры Нидерландов, так и коллективы многих стран мира – Великобритании, Германии, Дании, Болгарии, России, Словении, Польши, Южной Африки, Китая и Мексики. С 2005 по 2009 год Конрад ван Альфен занимал пост главного дирижера Государственного филармонического оркестра Кисловодска, был удостоен награды за вклад в искусство юга России от Министерства культуры.

Конрад ван Альфен сотрудничал со многими знаменитыми солистами, среди них: Дэниел Хоуп, Жанин Янсен, Бенжамин Шмид, Рональд Бройтигам, Джон-Эдвард Келли, Симоне Ламсма, Квирине Фиерзен, Александр Рождественский, Борис Петрушанский, Граф Муржа, Никита Борисоглебский.

Дирижер осуществил большое количество записей, многие из которых получили блестящие отзывы прессы разных стран мира. Он записывался на лейблах: Telarc (сочинения Грига, Дворжака и Элгара), Channel Classics (Концерт «Мадригал» Х.Родриго для двух гитар с оркестром, удостоенный выбора критиков журнала Gramophone), Raptus (реконструкции недавно обнаруженных сочинений Бетховена), Talent Records (Камерные симфонии Шостаковича), Cybele (сочинения К.А.Хартманна), Brilliant Classics (концерты для фагота Вивальди, Дюпюи и Вила-Лобоса) и других. Также вышли несколько дисков с записями концертов дирижера, в том числе на Бетховенском фестивале в Бонне и исполнение Ленинградской симфонии Шостаковича в России.

Недавно на лейбле Talent Records дирижер записал фортепианные концерты Фердинана Герольда с оркестром Западно-немецкого радио Кёльна (первая запись).

Ян Сибелиус

Ян Сибелиус (8 декабря 1865, Хямеэнлинна, Великое княжество Финляндское — 20 сентября 1957, Ярвенпяя, Финляндия) — финский композитор.

Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 в Хямеэнлинне в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе.

В семье говорили на шведском и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в Нормальном лицее Хямеэнлинны.

Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, брат Христиан — на виолончели, Ян — вначале на рояле, но после предпочёл скрипку. Уже в десять лет Ян сочиняет небольшую пьесу. Впоследствии, его влечение к музыке возрастает и он начинает систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера. Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений.

В 1885 год поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института.

В 1889 Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции и теории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене.

По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма «Куллерво» (Kullervo), ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра — по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. Вскоре он женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-губернатор, возглавлявший национальное движение.

За Куллерво последовали симфоническая поэма «Сказка» (En Saga), ор. 9 (1892); сюита «Карелия» (Karelia), ор. 10 и 11 (1893); «Весенняя песня», ор. 16 (1894) и сюита «Лемминкяйнен» (Lemminkissarja), ор. 22 (1895). В 1897 Сибелиус участвовал в конкурсе на замещение должности преподавателя музыки в университете, но потерпел неудачу, после чего друзья убедили сенат учредить для него ежегодную стипендию в 3000 финских марок.

Заметное влияние на раннее творчество Сибелиуса оказали два финских музыканта: искусству оркестровки его обучал Роберт Каянус, дирижёр и основатель Ассоциации хельсинкских оркестров, а наставником в области симфонической музыки был музыкальный критик Карл Флодин. Премьера Первой симфонии Сибелиуса состоялась в Хельсинки (1899). В этом жанре композитор написал ещё 6 сочинений — последней была Седьмая симфония (одночастная Fantasia sinfonica), ор. 105, впервые исполненная в 1924 в Стокгольме. Международную известность Сибелиус приобрёл именно благодаря симфониям, но популярностью пользуются и его скрипичный концерт, и многочисленные симфонические поэмы, такие, как «Дочь Похьёлы» (фин. Pohjolan tytär), «Ночная скачка и восход солнца» (швед. Nattlig ritt och soluppgang), «Туонельский лебедь» (Tuonelan joutsen) и «Тапиола» (Tapiola).

Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) — свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это симфоническая поэма «Финляндия» (Finlandia) (1899) и «Грустный вальс» (Valse triste) из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта «Смерть» (Kuolema); пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903. Многие песни и хоровые произведения Сибелиуса часто звучат у него на родине, но за её пределами почти неизвестны: очевидно, их распространению мешает языковой барьер, а кроме того, они лишены характерных достоинств его симфоний и симфонических поэм. Сотни фортепианных и скрипичных пьес и несколько сюит для оркестра также уступают лучшим сочинениям композитора.

Особое положение в финской национальной культуре занимает симфоническая поэма «Финляндия», являющаяся музыкальной иллюстрацией истории народа и имевшая антироссийскую направленность. Мелодия имела успех и стала национальным гимном. Её исполнение, в том числе и насвистывание мелодии в общественных местах, каралось русскими властями заключением.

Творческая деятельность Сибелиуса фактически завершилась в 1926 симфонической поэмой «Тапиола», ор. 112. Более 30 лет музыкальный мир ждал от композитора новых сочинений — особенно его Восьмой симфонии, о которой столько говорилось (в 1933 г. была даже анонсирована её премьера); однако ожидания не сбылись. В эти годы Сибелиус писал лишь небольшие пьесы, в том числе масонскую музыку и песни, ничем не обогатившие его наследие. Впрочем, существуют свидетельства, что в 1945 г. композитор уничтожил большое количество бумаг и рукописей, — возможно, среди них были и не дошедшие до окончательного воплощения поздние сочинения.

Его творчество получает признание главным образом в англо-саксонских странах. В 1903-1921 он пять раз приезжал в Англию дирижировать своими произведениями, а в 1914 посетил США, где под его управлением в рамках музыкального фестиваля в Коннектикуте прошла премьера симфонической поэмы Океаниды (Aallottaret). Популярность Сибелиуса в Англии и США достигла своего пика к середине 1930-х годов. Такие крупные английские писатели, как Роза Ньюмарч, Сесил Грей, Эрнест Ньюмен и Констант Ламберт, восхищались им как выдающимся композитором своего времени, достойным преемником Бетховена. Среди наиболее пылких приверженцев Сибелиуса в США были О. Даунс, музыкальный критик «Нью-Йорк Таймс», и С. Кусевицкий, дирижёр Бостонского симфонического оркестра; в 1935, когда музыка Сибелиуса прозвучала по радио в исполнении Нью-йоркского филармонического оркестра, слушатели избрали композитора своим «любимым симфонистом».

С 1940 интерес к музыке Сибелиуса заметно падает: раздаются голоса, подвергающие сомнению его новаторство в области формы. Сибелиус не создал своей школы и не оказал прямого влияния на композиторов следующего поколения. В наши дни его обычно ставят в один ряд с такими представителями позднего романтизма, как Р. Штраус и Э. Элгар. При этом в Финляндии ему отводили и отводят гораздо более важную роль: здесь он признан великим национальным композитором, символом величия страны.
Еще при жизни Сибелиус удостоился почестей, которые воздавались лишь немногим художникам. Достаточно упомянуть многочисленные улицы Сибелиуса, парки Сибелиуса, ежегодный музыкальный фестиваль «Неделя Сибелиуса». В 1939 «альма матер» композитора, Музыкальный институт, получил название Академии имени Сибелиуса (фин. Sibelius-Akatemia).

Умер Сибелиус в Ярвенпяя 20 сентября 1957.

Николай Римский-Корсаков

Николай Андреевич Римский-Корсаков (6 (18) марта 1844 г., Тихвин — 8 (21) июня 1908 г., усадьба Любенск, близ Луги, Санкт-Петербургская губерния) — русский композитор, педагог, дирижер, общественный деятель, музыкальный критик; представитель «Могучей кучки», возглавлял Беляевский кружок. Среди его сочинений — 15 опер, 3 симфонии, симфонические произведения, инструментальные концерты, кантаты, камерно-инструментальная, вокальная и духовная музыка.

Римский-Корсаков родился 6 (18) марта 1844 в небольшом городе Тихвине Новгородской губернии Российской империи. Отец композитора — Андрей Петрович Римский-Корсаков (1784-1862) — служил некоторое время новгородским вице-губернатором, а затем Волынским гражданским губернатором, мать — Софья Васильевна — дочь крепостной крестьянки и богатого помещика Скарятина, женщина достаточно образованная. Сильное влияние на будущего композитора оказал и его старший брат Воин Андреевич — контр-адмирал, реорганизатор системы военно-морского образования. Семейный дом Римских-Корсаковых находился на берегу реки Тихвинки, напротив Тихвинского Богородичного Успенского монастыря.

Игре на фортепиано композитор обучался дома, а потом в пансионе, где уроки музыки были в числе прочих общеобразовательных дисциплин. Известно, что с детства композитор был увлечен музыкой, познакомился с сочинениями Россини, Бетховена, Мейербера, Мендельсона, однако наибольшее впечатление на него произвела музыка Михаила Глинки — его «Камаринская», «Испанские увертюры», оперы «Иван Сусанин» и «Руслан и Людмила». В 1859-1869, чувствуя необходимость получения более профессиональных музыкальных навыков, Римский-Корсаков брал уроки у пианиста Федора Канилле.

В 1856 году отец отвез юного Николая в Морской кадетский корпус, который он окончил с отличием весной 1862 года (в то время учебное заведение сменило свое название на Морское училище). К тому времени умер отец композитора (в 1861 году) и семья Римских-Корсаковых перебралась в Санкт-Петербург.

В 1861 году Канилле познакомил Римского-Корсакова с Милием Балакиревым. Юный композитор сразу стал членом Балакиревского кружка («Могучая кучка»), оказавшего решающее воздействие на формирование его личности и эстетических взглядов композитора. В то время в кружок, помимо его главы — Балакирева — и самого Римского-Корсакова входили Цезарь Кюи и Модест Мусоргский. Руководивший работой более молодых коллег Балакирев не только подсказывал верные композиторские решения для создаваемых ими сочинений, но и помогал товарищам с инструментовкой.

Под влиянием и руководством Балакирева было начато первое крупное сочинение Римского-Корсакова — Первая симфония ор. 1. По словам самого Римского-Корсакова, эскизы начала симфонии существовали еще в годы обучения у Канилле, однако серьезная работа над сочинением развернулась лишь в 1861—1862 годах — и «к маю 1862 года первая часть, скерцо и финал симфонии были мною сочинены и кое-как оркестрованы».

В 1862—1865 годах Римский-Корсаков был назначен на морскую службу на клипере «Алмаз», благодаря чему посетил ряд стран — Англию, Норвегию, Польшу, Францию, Италию, Испанию, США, Бразилию. Впечатления от морской жизни воплотились через некоторое время в морских пейзажах, которые ему удалось запечатлеть в своих произведениях средствами оркестровых красок. Работа на клипере не оставляла много времени для совершенствования музыкальных навыков, так что единственное сочинение, появившееся в этот период из-под пера композитора — вторая часть (Andante) Первой симфонии (конец 1862 года), после которой Римский-Корсаков надолго забросил сочинительство.

Возвратившись из морского путешествия, Римский-Корсаков снова попадает в общество членов Могучей кучки, в том числе подружился и с новым участником кружка — начинающим композитором и профессиональным химиком Александром Бородиным. Балакирев познакомил молодого композитора с кумиром участников кружка Александром Даргомыжским, с Людмилой Шестаковой (сестрой Михаила Глинки) и с Петром Чайковским.

По настоянию Балакирева Римский-Корсаков вновь принимается за Первую симфонию — сочиняет недостающие трио для скерцо и полностью переоркестровывает. Получившаяся партитура (известная как первая редакция симфонии) была исполнена в 1865 году под управлением самого Балакирева — неизменного исполнителя всех ранних симфонических партитур Римского-Корсакова.

Найденный в Первой симфонии музыкальный язык успешно развит в таких сочинениях, как Увертюра на три русские темы (первая редакция — 1866) и «Сербская фантазия» (1867). Обратившись под влиянием Балакирева к славянским народным мелодиям, Римский-Корсаков придерживается в музыке национального колорита, который и в дальнейшем будет характеризовать большую часть его творчества.

Музыкальная картина «Садко» (1867, позже ее музыка частично использована в одноименной опере) стала этапным произведением Римского-Корсакова. Во-первых, это самое раннее из программных сочинений композитора. В данном случае он выступает как продолжатель традиций европейского программного симфонизма — прежде всего Гектора Берлиоза и Ференца Листа, творчество которых очень повлияло на композитора. В дальнейшем большая часть произведений Римского Корсакова также будет связана с определенной литературной программой. Во-вторых, именно в этом сочинении он впервые соприкоснулся с миром сказки (позже Римского-Корсакова так и будут называть — «Сказочником»). В-третьих, в музыке этого сочинения он попытался оркестровыми красками изобразить море, что позже неоднократно делал в дальнейших своих сочинениях (сюите «Шехеразада», прелюдии-кантате «Из Гомера», операх «Садко» и «Сказка о царе Салтане»). Еще одно важное открытие, сделанное в музыкальной картине — придуманный самим композитором симметричный лад — так называемая «Гамма Римского-Корсакова», применявшаяся в дальнейших его произведениях для характеристики фантастического мира.

Программно-сказочное начало было развито во Второй симфонии «Антар» (1868, позже названа симфонической сюитой), написанной на сюжет восточной сказки Осипа Сенковского.

В конце 1860-х годов Римский-Корсаков работает над инструментовкой чужих произведений: помогает Кюи с оркестровкой оперы «Вильям Радклиф» и заканчивает, согласно завещанию умершего Даргомыжского, партитуру его оперы «Каменный гость».

С 1870-х годов расширились границы музыкальной деятельности Римского-Корсакова: он был профессором Санкт-Петербургской консерватории (с 1871, классы практического сочинения, инструментовки, оркестровый), инспектором духовых оркестров Морского ведомства (1873—1884), директором Бесплатной музыкальной школы (1874—1881), дирижером симфонических концертов (с 1874), а позже и оперных спектаклей, помощником управляющего Придворной певческой капеллой (1883—1894), возглавлял Беляевский кружок (с 1882). В середине 1870-х работал над совершенствованием своей композиторской техники. Именно в этот период Римский-Корсаков обнаруживает серьезные недостатки в своем музыкальном образовании и сам начинает увлеченно изучать дисциплины, преподаваемые в консерватории. Итогом совершенствования композиторской техники Римского-Корсакова стала Симфония № 3 C-dur.

В эти же годы он обратился к оперному жанру, ставшему впоследствии ведущим в его творчестве (в 1872 году окончена опера «Псковитянка», по драме Льва Мея).
В 1880-х годах большое внимание уделял симфоническим жанрам, именно в этот период создает свое крупнейшее эпическое симфоническое полотно — симфоническую сюиту «Шехеразада».

В начале 1890-х годов наблюдался некоторый спад творческой деятельности (в этот период изучал философию, писал статьи, пересмотрел и отредактировал некоторые из своих прежних сочинений). Во 2-й половине 1890-х творчество приобрело исключительную интенсивность: появились оперы «Садко» (1896), «Царская невеста» (по Мею, 1898).
Во время Революции 1905-1907 годов Римский-Корсаков выступил с активной поддержкой требований бастующих студентов, открыто осудил действия администрации Петербургской консерватории (был уволен из Консерватории, вернулся лишь после предоставления консерватории частичных автономных прав и смены руководства).
Умер 8 (21) июня 1908 в усадьбе Любенск, близ Луги (Санкт-Петербургская губерния).

Ознакомиться с биографией композитора и посмотреть архивные фотографии можно на сайте Государственного дома-музея Петра Ильича Чайковского в Клину. Мы рекомендуем вам совершить увлекательную экскурсию по дому-музею.

Сергей Рахманинов

Сергей Васильевич Рахманинов (1 апреля (20 марта) 1873 — 28 марта 1943) — русский композитор, пианист и дирижер.

Синтезировал в своем творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.

Сергей Васильевич Рахманинов родился 1 апреля 1873 года в дворянской семье. Долгое время местом рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода; исследования последних лет называют усадьбу Семеново Старорусского уезда Новгородской губернии (Россия).

Отец композитора, Василий Аркадьевич (1841―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным. Мать, Любовь Петровна (урожденная Бутакова) ― дочь директора Кадетского корпуса генерала П. И. Бутакова. Дед композитора по отцовской линии, Аркадий Александрович, был музыкантом, учился игре на фортепиано у Дж. Филда и выступал с концертами в Тамбове, Москве и Петербурге. Сохранились романсы и фортепианные пьесы его сочинения, в том числе «Прощальный галоп 1869-му году» для фортепиано в четыре руки. Василий Рахманинов тоже был музыкально одаренным, но музицировал исключительно любительски.

Интерес С. В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская. При ее поддержке осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В. В. Демьянского [4]. Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н. С. Звереву.

Несколько лет провел Рахманинов в известном московском частном пансионе музыкального педагога Николая Зверева, воспитанником которого был также Александр Николаевич Скрябин и многие другие выдающиеся русские музыканты (Александр Ильич Зилоти, Константин Николаевич Игумнов, Арсений Николаевич Корещенко, Матвей Леонтьевич Пресман и др). Здесь в возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Петру Ильичу Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта.

В 1888 году Рахманинов продолжил обучение на старшем отделении Московской консерватории в классе двоюродного брата А. И. Зилоти, а спустя год под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского начал заниматься композицией.

В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист (у А. И. Зилоти) и как композитор с большой золотой медалью. К тому времени появилась его первая опера — «Алеко» (дипломная работа) по произведению А. С. Пушкина «Цыганы», первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для фортепиано, в том числе, прелюдия до-диез минор, которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова.

В возрасте 20 лет, из-за нехватки денег, он стал преподавателем в московском Мариинском женском училище, в 24 года — дирижером Московской русской частной оперы Саввы Мамонтова, где работал в течение одного сезона, однако успел сделать значительный вклад в развитие русской оперы.

Рахманинов рано приобрел известность как композитор, пианист и дирижер. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии (дирижер — А. К. Глазунов), которая окончилась полным провалом как из-за некачественного исполнения, так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки. По мнению А. В. Оссовского, определенную роль сыграла неопытность Глазунова как руководителя оркестра во время репетиций[5]. Это событие послужило причиной серьезной нервной болезни. В течение 1897—1901 годов Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра, доктора Николая Даля, помогла ему выйти из кризиса.

В 1901 году закончил свой Второй фортепианный концерт, создание которого ознаменовало выход Рахманинова из кризиса и одновременно — вступление в следующий, зрелый период творчества. Вскоре он принял приглашение занять место дирижера в московском Большом театре. После двух сезонов отправился в путешествие по Италии (1906 г.), затем на три года поселился в Дрездене, чтобы полностью посвятить себя композиции. В 1909 году Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижер. В 1911 году С. В. Рахманинов, находясь в Киеве, по просьбе своего друга и коллеги А. В. Оссовского прослушал молодую певицу Ксению Держинскую, вполне оценив ее талант; он сыграл большую роль в становлении оперной карьеры знаменитой певицы.

Вскоре после революции 1917 года воспользовался неожиданно пришедшим из Швеции предложением выступить в концерте в Стокгольме и в конце 1917 года вместе с женой Натальей Александровной и дочерьми покинул Россию. В середине января 1918 года Рахманинов отправился через Мальме в Копенгаген. 15 февраля он впервые выступил в Копенгагене, где сыграл свой Второй концерт с дирижером Хеэбергом[6]. До конца сезона он выступил в одиннадцати симфонических и камерных концертах, что дало ему возможность расплатиться с долгами.

1 ноября 1918 года, вместе с семьей, отплыл из Норвегии в Нью-Йорк. Вплоть до 1926 года не писал значительных произведений; творческий кризис, таким образом, продолжался около 10 лет. Лишь в 1926—1927 гг. появляются новые произведения: Четвертый концерт и Три русские песни. В течение жизни за рубежом (1918—1943 гг.) Рахманинов создал всего 6 произведений, которые принадлежат к вершинам русской и мировой музыки.

Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан одним из величайших пианистов своей эпохи и крупнейшим дирижером. В 1941 году закончил свое последнее произведение, многими признанное как величайшее его создание, — Симфонические танцы. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии. Денежный сбор от одного из своих концертов передал в Фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу».
Последние годы Рахманинова были омрачены смертельной болезнью (рак легких). Однако несмотря на это, он продолжал концертную деятельность, прекращенную лишь незадолго до смерти.

Рахманинов умер 28 марта 1943 года в Беверли-Хиллз, штат Калифорния США.

Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор». В этой краткой и неполной характеристике выражены как объективные качества стиля Рахманинова, так и место его наследия в исторической перспективе мировой музыки. Именно творчество Рахманинова выступило тем синтезирующим знаменателем, который объединил и сплавил творческие принципы московской (П.Чайковский) и Петербургской школ в единый и цельный русский стиль. Тема «Россия и ее судьба», генеральная для русского искусства всех видов и жанров, нашла в творчестве Рахманинова исключительно характерное и законченное воплощение. Рахманинов в этом отношении явился как продолжателем традиции опер Мусоргского, Римского-Корсакова, симфоний Чайковского, так и связующим звеном в непрерывной цепи национальной традиции (эта тема была продолжена в творчестве С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Шнитке и др.). Особая роль Рахманинова в развитии национальной традиции объясняется историческим положением творчества Рахманинова — современника русской революции: именно революция, отраженная в русском искусстве как «катастрофа», «конец света», всегда была смысловой доминантой темы «Россия и ее судьба» (см. Н. Бердяев, «Истоки и смысл русского коммунизма»).

Творчество Рахманинова хронологически относится к тому периоду русского искусства, который принято называть «серебряным веком». Основным творческим методом искусства этого периода был символизм, черты которого ярко проявились и в творчестве Рахманинова. Произведения Рахманинова насыщены сложной символикой, выражаемой с помощью мотивов-символов, главным из которых является мотив средневекового хорала Dies Irae. Этот мотив символизирует у Рахманинова предчувствие катастрофы, «конца света», «возмездия».

В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов не только сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки (Литургия св. Иоанна Златоуста, 1910, Всенощное бдение, 1916), но и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.
Творчество Рахманинова принято условно делить на три или четыре периода: ранний (1889—1897), зрелый (его иногда делят на два периода: 1900—1909 и 1910—1917) и поздний (1918—1941).

Стиль Рахманинова, выросший из позднего романтизма, впоследствии претерпел значительную эволюцию. Подобно своим современникам А. Скрябину и И. Стравинскому Рахманинов по крайней мере дважды (ок. 1900 и ок. 1926) кардинально обновлял стиль своей музыки. Зрелый и особенно поздний стиль Рахманинова выходит далеко за пределы постромантической традиции («преодоление» которой началось еще в ранний период) и в то же время не принадлежит ни одному из стилистических течений музыкального авангарда XX в. Творчество Рахманинова, таким образом, стоит особняком в эволюции мировой музыки XX века: впитав многие достижения импрессионизма и авангарда, стиль Рахманинова остался неповторимо индивидуальным и своеобразным, не имеющим аналогов в мировом искусстве (исключая подражателей и эпигонов). В современном музыковедении часто используется параллель с Л. ван Бетховеном: так же, как и Рахманинов, Бетховен вышел в своем творчестве далеко за пределы воспитавшего его стиля (в данном случае — венского классицизма), не примкнув при этом к романтикам и оставшись чуждым романтическому миросозерцанию.

Первый — ранний период — начинался под знаком позднего романтизма, усвоенного главным образом через стиль Чайковского (Первый Концерт, ранние пьесы). Однако уже в Трио ре-минор (1893), написанном в год смерти Чайковского и посвященном его памяти, Рахманинов дает пример смелого творческого синтеза традиций романтизма (Чайковский), «кучкистов», древнерусской церковной традиции и современной бытовой и цыганской музыки. Это произведение — один из первых в мировой музыке примеров полистилистики — словно символически возвещает преемственность традиции от Чайковского — Рахманинову и вступление русской музыки в новый этап развития. В Первой Симфонии принципы стилистического синтеза были развиты еще более смело, что и послужило одной из причин ее провала на премьере.

Период зрелости отмечен формированием индивидуального, зрелого стиля, основанного на интонационном багаже знаменного распева, русской песенности и стиля позднего европейского романтизма. Эти черты ярко выражены в знаменитых Втором Концерте и Второй Симфонии, в фортепианных прелюдиях ор. 23. Однако начиная с симфонической поэмы «Остров мертвых» стиль Рахманинова усложняется, что вызвано, с одной стороны, обращением к тематике символизма и модерна, а с другой — претворением достижений современной музыки: импрессионизма, неоклассицизма, новых оркестровых, фактурных, гармонических приемов. Центральное произведение этого периода — грандиозная поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра, на слова Эдгара По в переводе К. Бальмонта (1913). Ярко новаторское, насыщенное небывало новыми хоровыми и оркестровыми приемами, это произведение оказало огромное влияние на хоровую и симфоническую музыку XX века. Тематика этого произведения характерна для искусства символизма, для данного этапа русского искусства и творчества Рахманинова: в нем символически воплощены различные периоды человеческой жизни, подводящей к неизбежной смерти; апокалипсическая символика Колоколов, несущая идею Конца Света, предположительно оказала влияние на «музыкальные» страницы романа Т. Манна «Доктор Фаустус».

Поздний — зарубежный период творчества — отмечен исключительным своеобразием. Стиль Рахманинова складывается из цельного сплава самых различных, порой противоположных стилистических элементов: традиций русской музыки — и джаза, древнерусского знаменного распева — и «ресторанной» эстрады 1930-х гг., виртуозного стиля XIX века — и жесткой токкатности авангарда. В самой разнородности стилистических предпосылок заключен философский смысл — абсурдность, жестокость бытия в современном мире, утрата духовных ценностей. Произведения этого периода отличаются загадочной символикой, смысловой полифонией, глубоким философским подтекстом.
Последнее произведение Рахманинова — Симфонические танцы (1941), ярко воплощающее все эти особенности, многие сравнивают с романом М. Булгакова «Мастер и Маргарита», законченным в это же время.

Значение композиторского творчества Рахманинова огромно: Рахманинов синтезировал различные тенденции русского искусства, различные тематические и стилистические направления, и объединил их под одним знаменателем — Русским национальным стилем. Рахманинов обогатил русскую музыку достижениями искусства XX века и был одним из тех, кто вывел национальную традицию на новый этап. Рахманинов обогатил интонационный фонд русской и мировой музыки интонационным багажом древнерусского знаменного распева. Рахманинов впервые (наряду со Скрябиным) вывел русскую фортепианную музыку на мировой уровень, стал одним из первых русских композиторов, чьи фортепианные произведения входят в репертуар всех пианистов мира. Рахманинов одним из первых осуществил синтез классической традиции и джаза.

Значение исполнительского творчества Рахманинова не менее велико: Рахманинов-пианист стал эталоном для многих поколений пианистов разных стран и школ, он утвердил мировой приоритет русской фортепианной школы, отличительными чертами которой являются: 1) глубокая содержательность исполнения; 2) внимание к интонационному богатству музыки; 3) «пение на фортепиано» — имитация средствами фортепиано вокального звучания и вокальной интонации. Рахманинов-пианист оставил эталонные записи многих произведений мировой музыки, на которых учатся многие поколения музыкантов.

Академический симфонический оркестр Московской филармонии

Академический симфонический оркестр Московской филармонии на протяжении всей своей истории входит в число лучших отечественных симфонических оркестров и достойно представляет российскую музыкальную культуру за рубежом. Свидетельство тому — горячий прием публики, неизменно сопровождающий выступления коллектива, и восторженные отклики журналистов и критиков.

Оркестр был создан в сентябре 1951 года при Всесоюзном радиокомитете, а в 1953 году вошел в штат Московской филармонии. Художественный облик и исполнительская манера коллектива сформировались под руководством прославленных отечественных дирижеров. Первым художественным руководителем и главным дирижером коллектива был Самуил Самосуд (1951—1957). В 1957—1959 гг. под руководством Натана Рахлина за коллективом закрепилась слава одного из лучших в СССР. В 1958 году на I Международном конкурсе имени П. И. Чайковского оркестр под руководством Кирилла Кондрашина сопровождал триумфальное выступление Вана Клиберна, а затем, в 1960 году, первым из отечественных симфонических коллективов совершил гастроли по США. Кирилл Кондрашин возглавлял Симфонический оркестр Московской филармонии 16 лет (1960—1976). В 1973 году оркестру было присвоено почетное звание «академический». В дальнейшем Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии руководили Дмитрий Китаенко (1976—1990), Василий Синайский (1991—1996), Марк Эрмлер (1996—1998).

Коллектив выступал под управлением лучших дирижеров мира, среди которых Герман Абендрот, Курт Зандерлинг, Андре Клюитанс, Лорин Маазель, Игорь Маркевич, Зубин Мета, Шарль Мюнш и многих других, а также крупнейших композиторов: Игоря Стравинского, Бенджамина Бриттена, Кшиштофа Пендерецкого. С филармоническим оркестром связан единственный дирижерский опыт Святослава Рихтера.

С оркестром Московской филармонии играли практически все крупнейшие солисты второй половины XX — начала XXI вв.: Артуро Бенедетти Микеланджели, Эмиль Гилельс, Гленн Гульд, Леонид Коган, Владимир Крайнев, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мстислав Ростропович, Артур Рубинштейн, Исаак Стерн, Наум Штаркман, Элисо Вирсаладзе, Наталия Гутман, Маурицио Поллини.

В 1998 году оркестр возглавил народный артист СССР Юрий Симонов. Под его руководством коллектив добился выдающихся творческих достижений. «Такой оркестровой музыки в этом зале давно не звучало — живописно-зримой, строго выверенной драматургически, насыщенной тончайшими оттенками чувств... Знаменитый оркестр предстал преображенным, чутко воспринимающим каждое движение Юрия Симонова», — такие отзывы можно было прочесть в прессе спустя всего лишь год после начала совместной работы дирижера и оркестра.

Маэстро Симонов и оркестр Московской филармонии часто выступают в России (за последние десять лет они дали концерты в 38 городах), участвуют в престижных музыкальных форумах.

Одним из приоритетов оркестра Московской филармонии является работа с новым поколением музыкантов. В рамках абонемента «Звезды XXI века» прославленный коллектив сотрудничает с одаренными солистами, начинающими путь на большую сцену, а также приглашает в свои филармонические абонементы молодых артистов.

Деятельность дирижера и оркестра в значительной степени направлена на воспитание юных слушателей. Огромную популярность завоевал абонементный цикл «Сказки с оркестром», проходящий в Москве и во многих городах России с участием звезд российского театра и кино. Среди них — Марина Александрова, Мария Аронова, Алена Бабенко, Сергей Безруков, Анна Большова, Ольга Будина, Валерий Гаркалин, Сергей Гармаш, Нонна Гришаева, Екатерина Гусева, Евгения Добровольская, Михаил Ефремов, Евгений Князев, Авангард Леонтьев, Павел Любимцев, Дмитрий Назаров, Александр Олешко, Михаил Пореченков, Евгения Симонова, Григорий Сиятвинда, Даниил Спиваковский, Юрий Стоянов, Михаил Трухин, Геннадий Хазанов, Чулпан Хаматова, Сергей Шакуров. Этот проект принес маэстро Симонову звание лауреата Премии мэрии Москвы в области литературы и искусства за 2008 год. В 2010 году Юрий Симонов и Академический симфонический оркестр Московской филармонии стали лауреатами Премии национальной газеты «Музыкальное обозрение» в номинации «Дирижер и оркестр».

Под руководством Юрия Симонова оркестр с огромным успехом гастролирует по всему миру, будучи желанным гостем в самых престижных залах Европы, Азии, Северной Америки. «Гастроли Симфонического оркестра Московской филармонии, кроме прочего, постоянно вызывают в памяти те времена, когда некоторые дирижеры буквально царствовали над музыкальными коллективами, а известнейшие оркестры мира имели в своем арсенале неизменный идеал звука… Почти необъятный объем медных и пленительные переливы смычковых заставляли всех снова и снова изумляться», — писала о выступлениях оркестра франкфуртская AllgemeineZeitung. Комментатор американской The New York World-Telegram & Sun отметил: «Это было потрясающе. И музыка, и исполнение. Оркестр продемонстрировал чудеса виртуозности».

А известный британский музыкальный критик Дэвид Ферриби высказался об одном из концертов оркестра во время гастролей весной 2014 года как о «сенсационном вечере, во время которого мы наслаждались Московским филармоническим оркестром… Аутентично русский звук: насыщенное vibrato струнных, дерзкие медные, деликатные деревянные духовые, соблазнительные арфы и подавляющий массив ударных… Как результат — захватывающее звучание всех групп оркестра…»

В последние годы с оркестром выступают выдающиеся музыканты современности: Валерий Афанасьев, Юрий Башмет, Борис Березовский, Юджа Ванг, Максим Венгеров, Хибла Герзмава, Давид Герингас, Барри Дуглас, Суми Йо, Лора Клейкомб, Александр Князев, Николай Луганский, Денис Мацуев, Екатерина Мечетина, Виктория Муллова, Вадим Репин, Сергей Ролдугин, Дмитрий Ситковецкий, Виктор Третьяков; дирижеры Лучано Акочелла, Семен Бычков, Михаэль Гюттлер, Александр Дмитриев, Марко Замбелли, Томас Зандерлинг, Эри Клас, Александр Лазарев, Андрес Мустонен, Василий Петренко, Владимир Понькин, Бенжамин Пьоннье, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский, Саулюс Сондецкис, Антонино Фольяни, Марис Янсонс и многие другие.

Оркестр записал более 350 пластинок и компакт-дисков, многие из которых удостоены высших международных наград в области аудиозаписи.

2016 год для оркестра — вдвойне юбилейный. 4 марта 2016 года Московская филармония торжественно поздравила маэстро Юрия Симонова с 75-летним юбилеем, а в сентябре коллектив отмечает свое 65-летие.