Дмитрий Хворостовский
Каталог концертов

Дмитрий Хворостовский

Год выхода:
2015
Страна производитель:
Россия
Длительность:
110 мин.

Юлия Мазурова

Юлия Мазурова с отличием окончила вокальное отделение Казанского музыкального колледжа имени И. В. Аухадеева (2008, класс Э. Груниной) и в том же году была удостоена стипендии Министерства культуры Республики Татарстан. Затем певица продолжила обучение на вокальном факультете Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова (класс В. Ванеева), которую окончила в 2015 году.

Певица – дипломант Дельфийских Игр (2008, Ярославль); лауреат I конкурса вокалистов имени Н. Жиганова (2009, Казань), дипломант и обладатель специального приза «Надежда» Международного конкурса вокалистов «Санкт-Петербург» (2011, Санкт-Петербург), лауреат фестиваля-конкурса исполнительского мастерства «Играем Слонимского» (2012, Санкт-Петербург), лауреат III премии Международного конкурса оперных артистов Галины Вишневской (2012, Москва). В 2012 году она стала стипендиатом Фонда Владимира Спивакова, принимала участие в его проектах.

Юлия Мазурова выступала в Большом и Малом залах Санкт-Петербургской филармонии, участвовала в авторских концертах Сергея Слонимского, на опен-эйр фестивале в Сен-Поль-де-Ванс во Франции исполнила партию Кармен в одноименной опере Ж. Бизе.

В 2012–2014 гг. Юлия Мазурова являлась артисткой Молодежной оперной программы Большого театра. С сезона 2014–2015 гг. она – солистка оперной труппы Большого театра, где исполняет партии Дитя («Дитя и волшебство» М. Равеля), Федора («Борис Годунов» М. Мусоргского), Лауры («Иоланта» П. И. Чайковского), Ольги («Евгений Онегин» П. И. Чайковского), Снежной королевы («История Кая и Герды» С. Баневича), Дорабеллы («Так поступают все женщины» В. А. Моцарта), Керубино («Свадьба Фигаро» В. А. Моцарта), Кармен («Кармен» Ж. Бизе).

Дмитрий Хворостовский

«Лучший баритон мира», «один из величайших певцов современности», «обладатель самого прекрасного и изысканного голоса», «звезда первой величины…». Так пресса разных стран характеризует российского певца Дмитрия Хворостовского, за 25 лет блистательной карьеры покорившего своим искусством весь мир.

Феноменальный успех Дмитрия Хворостовского на лучших оперных и концертных сценах мира — результат сложения многих качеств: выдающегося таланта и упорного труда, мастерства и вдохновения, исключительных внешних данных и редкого артистизма, поистине магнетического дара воздействия на аудиторию.

Дмитрий Хворостовский родился 16 октября 1962 году в Красноярске. Его родители (отец — инженер-химик, мать — врач), большие любители вокального искусства, передали эту любовь сыну, чей певческий талант проявился весьма рано. В 20 лет Дмитрий поступил на вокальный факультет Красноярского института искусств (ныне Академия музыки и театра) в класс профессора Е. К. Иофель. В 1985–1990 годах был солистом Красноярского государственного театра оперы и балета.

В 1987 году молодой певец стал победителем Всесоюзного конкурса вокалистов имени Глинки. Спустя год выиграл Международный вокальный конкурс в Тулузе (Франция).

В 1989 году Дмитрий Хворостовский одержал триумфальную победу на престижном вокальном конкурсе BBC в Кардиффе, на котором присваивается неофициальный титул «лучшего голоса мира». Именно с этого успеха началась его международная карьера. Уже в то время критики отмечали его высочайшую вокальную культуру, врожденное чувство фразировки и потрясающее легато.

После дебюта в «Пиковой даме» Чайковского в Опере Ниццы Хворостовский получил постоянные ангажементы на самых великих оперных сценах мира — таких, как Королевская опера «Ковент Гарден», «Метрополитен-опера», Парижская опера, Баварская и Венская Государственные оперы, Ла Скала, Лирическая опера Чикаго, и на самых престижных фестивалях, включая Зальцбургский.

В его репертуаре — центральные партии в операх «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковского, «Царская невеста» Римского-Корсакова, «Демон» Рубинштейна, «Травиата», «Дон Карлос», «Риголетто», «Симон Бокканегра» и «Отелло» Верди, «Фаворитка», «Любовный напиток» Доницетти, «Пуритане» Беллини, «Сельская честь» Масканьи, «Паяцы» Леонкавалло, «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан» Моцарта, «Севильский цирюльник» Россини, «Фауст» Гуно… В этих и многих других ролях Хворостовский раскрылся как многогранный артист с мощным драматическим потенциалом, редким для западной сцены предпочтением тонкости и психологизма внешнему вокальному эффекту.

Дмитрий Хворостовский — непревзойденный мастер камерного и кантатно-ораториального жанров, превосходный исполнитель романсов русских и зарубежных композиторов (Глинка, Чайковский, Бородин, Римский-Корсаков, Рахманинов, А. Рубинштейн, Шостакович, Свиридов, Равель, Брамс, Малер…); барочных арий западноевропейских композиторов XVI–XVII веков; русских народных песен; духовной музыки русских композиторов.

В качестве концертирующего солиста Дмитрий Хворостовский выступает в лучших залах, в числе которых Вигмор-холл в Лондоне, Куинс-холл в Эдинбурге, Карнеги-холл в Нью-Йорке, театры Ла Скала в Милане и Лисеу в Барселоне, Концертный зал имени П. И. Чайковского и Большой зал консерватории в Москве, Сантори-холл в Токио, Музикферайн в Вене.

Обладая широчайшим репертуаром, Дмитрий Хворостовский уделяет огромное внимание исполнению русской классической и современной музыки. Его сольные концертные программы и записи признаны в числе наивысших достижений в мировой интерпретации русской музыки.

Особое место в репертуаре Хворостовского занимает музыка Г. В. Свиридова, Дмитрий является первым исполнителем его вокальной поэмы «Петербург» на стихи Блока, написанной в 1995 году и посвященной певцу.

Артист сотрудничает с ведущими оркестрами мира, в том числе с Нью-Йоркским и Роттердамским филармоническими. Он выступал с выдающимися дирижерами недавнего прошлого и наших дней: Бернардом Хайтинком, Джеймсом Ливайном, Зубином Метой, Майклом Тилсоном Томасом, Сейдзи Одзава, Юрием Темиркановым, Валерием Гергиевым, Владимиром Спиваковым, Владимиром Федосеевым, Клаудио Аббадо, Лорином Маазелем, Евгением Колобовым и многими другими.

Будучи востребованным во всем мире — от Дальнего до Ближнего и Среднего Востока, от Австралии до Южной Америки, — Дмитрий Хворостовский всегда поддерживал и продолжает поддерживать тесные личные и творческие контакты с Россией. Его гастрольные маршруты простираются по всей стране: от Санкт-Петербурга до Абакана, от Белгорода до Южно-Сахалинска. Он был первым оперным певцом, давшим сольный концерт с хором и симфоническим оркестром на Красной площади в Москве; этот концерт транслировался более чем в 25 странах мира. В Москве и Санкт-Петербурге он регулярно выступает с концертами в организованном им цикле «Дмитрий Хворостовский и друзья», в котором по приглашению выдающегося русского артиста пели звезды мировой сцены: Рене Флеминг, Барбара Фриттоли, Суми Чо, Сондра Радвановски, Екатерина Сюрина, Екатерина Губанова, Йонас Кауфман, Ильдар и Аскар Абдразаковы, Рамон Варгас, Марчелло Джордани, Чарльз Кастроново.

В обширной дискографии Хворостовского — многочисленные сольные концерты и оперные спектакли. Большинство записей 1990-х годов сделаны на лейбле Philips («Сельская честь», «Евгений Онегин», «Дон Карлос», «Царская невеста», «Иоланта»). С 2000 певец активно сотрудничает со звукозаписывающей компанией Delos, с 2012 — с лейблом Ondine. Среди последних записей на Ondine: CD «Этой лунной ночью» (романсы Чайковского и Танеева, «Песни и пляски смерти» Мусоргского); «Романсы Рахманинова» — оба с пианистом Ивари Ильей; «Колокола рассвета» (русская духовная музыка и народные песни с хором «Мастера хорового пения»); полуторачасовой фильм-опера «Рене Флеминг и Дмитрий Хворостовский. Музыкальная одиссея в Петербурге»; запись на DVD концерта с Анной Нетребко на Красной площади; «Трубадур» из «Метрополитен-опера». Все эти записи получили восторженные отзывы музыкальных критиков.

В ноябре 2015 года на Ondine вышел новый альбом певца в содружестве с Ивари Ильей, на котором записаны «Сюита на стихи Микельанджело» Шостаковича и Сонеты Петрарки» Листа.

Дмитрий Хворостовский исполнил партии Дон Жуана и Лепорелло в фильме «Дон Жуан без маски» (студия Rhombus Media, 2000 год), снятом на основе оперы Моцарта и завоевавшем несколько наград.

В последние годы певец серьезно занялся проектами в области неакадемической музыки. В 2005 году в честь 60-летия Победы певец по приглашению президента Владимира Путина совершил тур по России, выступив перед многотысячными аудиториями в память о павших солдатах Великой Отечественной войны. С тех пор артист постоянно выступает в городах России с программой песен военных лет. Дмитрий Хворостовский успешно сотрудничает с популярным композитором Игорем Крутым. Их совместные концерты прошли в Москве, Санкт-Петербурге, Киеве и Нью-Йорке.

В первой половине 2015 года Дмитрий Хворостовский выходил на сцену «Ковент Гарден» («Бал-Маскарад»), Венской оперы («Травиата», «Дон Карлос»), «Метрополитен-опера» («Бал-Маскарад»). 2 и 5 февраля он исполнил заглавную партию в опере «Демон» на сценах Концертного зала им. П. И. Чайковского и Концертного зала им. С. В. Рахманинова «Филармонии-2» (режиссер Дмитрий Бертман, дирижер Михаил Татарников).

9 мая 2015 года на ВДНХ в Москве Хворостовский дал грандиозный концерт «Песни военных лет» в честь 70-летия Великой Победы. Выступления артиста, посвященные празднику Победы, состоялись в этом году также в Тюмени, Екатеринбурге, Ереване, Санкт-Петербурге, Красноярске.

25 сентября Дмитрий Хворостовский исполнил партию графа Ди Луна в спектакле «Трубадур» в театре «Метрополитен-опера». Каждый выход певца на сцену сопровождался нескончаемыми овациями. Его горячо приветствовали партнеры, среди которых была Анна Нетребко.

Минувшей осенью в Государственном Кремлевском Дворце прошел концерт из цикла «Дмитрий Хворостовский и друзья», в котором вместе с прославленным российским баритоном выступила латвийская певица Элина Гаранча. 2 ноября певец принял участие в концерте-открытии реставрированной исторической сцены театра «Геликон-опера».

18 ноября Хворостовский выступил в Уфе: в Башкирском театре оперы и балета состоялся благотворительный концерт «Дмитрий Хворостовский и друзья — детям», все средства от которого (почти 35 миллионов рублей) направлены на лечение детей, страдающих онкологическими заболеваниями.

12 октября указом Президента Российской Федерации Владимира Путина Дмитрий Хворостовский был награжден Орденом Александра Невского.

Асмик Григорян

Родилась в Вильнюсе в 1981 году в семье оперных певцов Ирены Милькявичюте и Гегама Григоряна. Карьеру оперной певицы начала, будучи студенткой вокального отделения Литовской академии музыки и театра, которую окончила в 2006 году (педагог — профессор Ирена Милькявичюте). Посещала мастер-классы Г. Григоряна, В. Прудникова, Б. Майсурадзе и А. Пальяцци.

Асмик Григорян — солистка Литовского национального театра оперы и балета. Выступала на сценах Мариинского и Михайловского театров Санкт-Петербурга, Комической оперы в Берлине, Латвийской национальной оперы, Польской национальной оперы, Театра Ан-дер-Вин, Гамбургской опере, в оперных театрах Кёльна, Риги, Граца, Висбадена.

Обладательница высшей театральной награды Литвы — «Золотой сценический крест» за роль Виолетты в опере «Травиата» (2005, за лучший дебют) и за роль Лаветт в мюзикле «Суини Тодд: демон-парикмахер» (2010, за лучшее исполнение) на сцене Литовского национального театра оперы и балета.

В 2014 году номинировалась на национальную театральную премию «Золотая маска» в номинации «опера/лучшая женская роль» (партия Сенты в спектакле Михайловского театра «Летучий голландец»).

На сцене Мариинского театра исполняла партии Лизы («Пиковая дама» П. Чайковского), Жоржетты, Сестры Анжелики и Лауретты («Плащ», «Сестра Анжелика» и «Джанни Скикки» Д. Пуччини), Дездемоны («Отелло» Д. Верди), Русалки в одноименной опере Дворжака.

В репертуаре певицы — Эвридика («Орфей и Эвридика» К. В. Глюка), Армида («Риналдо» Г. Ф. Генделя), Сюзанна («Свадьба Фигаро» В. А. Моцарта), Донна Анна и Донна Эльвира («Дон Жуан» Моцарта), Памина и Папагена («Волшебная флейта» Моцарта), Чио-Чио-cан («Мадам Баттерфлай» Пуччини), Мюзетта и Мими («Богема» Пуччини), Татьяна («Евгений Онегин» Чайковского), Виолетта («Травиата» Верди), Недда («Паяцы» Р. Леонкавалло), Микаэла («Кармен» Ж. Бизе), Шарлотта («Вертер» Ж. Массне).

В феврале 2015 года Асмик Григорян дважды спела партию Тамары в концертном исполнении оперы Антона Рубинштейна «Демон» в залах Московской государственной академической филармонии (постановка Дмитрия Бертмана, в заглавной партии Дмитрий Хворостовский).

В планах Асмик Григорян на сезон 2015/2016 гг. — Чио-Чио-сан в спектакле Стокгольмской оперы, Татьяна в постановке «Евгения Онегина» в Берлинской Комической опере, главные партии в операх «Плащ» и «Сестра Анжелика» в Римской опере и в Мариинском театре, участие в премьере оперы Х. В. Хенце «Вакханки» (Римская опера).

Артистка постоянно занята в спектаклях Литовского национального театра оперы и балета.

В концертном графике певицы — выступления с Дмитрием Хворостовским в Большом театре России в гала-концерте «Оперный бал Елены Образцовой», в Берлинской филармонии, «Тонхалле» (Дюссельдорф), франкфуртской Альте Опер, Зале Сметаны в Праге, концерт в Загребе.

В следующих сезонах Асмик Григорян предстоит исполнить партии Чио-Чио-сан в «Мадам Баттерфлай» и Федоры в одноименной опере У. Джордано в Королевской Шведской опере, Русалки в опере Дворжака (Комическая опера Берлина), главные партии в операх «Средство Макропулоса» Л. Яначека и «Игрок» С. Прокофьева в Фламандской опере (Антверпен, Бельгия). Певица дебютирует в театрах «Ла Монне» (Брюссель), «Лисеу» (Барселона) и Франкфуртской опере.

Антонин Леопольд Дворжак

Антонин Леопольд Дворжак (8 сентября 1841 — 1 мая 1904) — чешский композитор, автор знаменитой оперы «Русалка», симфонии «Из Нового Света» (написанной в США, где Дворжак долгое время работал), восьми других симфоний, концертов, многих других сочинений. В его произведениях широко используются мотивы и элементы народной музыки Моравии и Богемии.

Антонин Дворжак родился в 1841 году в местечке Нелагозевес близ Праги, где и прожил большую часть своей жизни. Его отец Франтишек Дворжак был мясником, трактирщиком и профессиональным исполнителем на цитре. Родители рано распознали музыкальное дарование ребенка, и решили как можно раньше начать развитие его таланта. С шести лет Дворжак начал посещать деревенскую музыкальную школу. С 1857 по 1859 гг. он учится в Пражской школе органистов, где постепенно становится виртуозным исполнителем на скрипке и альте.

В течение 1860-х Дворжак служит альтистом в оркестре Чешского провизионного театра. С 1866 года этот оркестр принимает под управление Бедржих Сметана. Постоянная необходимость в дополнительном заработке оставляла молодому музыканту мало времени, и в 1871 году он покидает оркестр ради написания музыки.

В это время Дворжак влюбляется в одну из своих учениц — Жозефину Чермякову, которой посвящает один из своих вокальных сборников «Кипарисы». После ее женитьбы на другом кавалере, Антонин делает предложение ее сестре Анне. В его супружестве с Анной родились девять детей.

В эти годы получает широкое признание композиторский талант Дворжака. Став органистом в церкви св. Адальберта в Праге, он с головой погружается в плодотворную композиторскую работу. В 1875 году он заканчивает работу над вторым струнным квинтетом. В 1877 году критик Эдуард Ганслик сообщил Дворжаку, что его работы привлекли внимание Брамса, с которым они позднее стали друзьями. Именно Брамс решил дать толчок развитию творчества Дворжака, связавшись с музыкальным издателем Ф. Зимроком, который заказал Дворжаку первый сборник «Славянских танцев». Опубликованный в 1878 году, он сразу же воспользовался популярностью. Первое произведение Дворжака, исполненное за границей — Stabat Mater (1880 г.).

После успеха этого произведения у британских слушателей в 1883 году, Дворжак был приглашен в Лондон, где в 1884 году выступил с большим успехом. Его симфония № 7 была написана специально для британской столицы, где состоялась ее премьера в 1885 году. В общей сложности, Дворжак посещал Великобританию девять раз, зачастую он лично дирижировал оркестрами, исполнявшими его произведения. Под влиянием П. И. Чайковского он посещает Россию в 1890 году. В Москве и Санкт-Петербурге он дирижирует оркестрами, исполняющими его музыку.

В 1891 году Дворжак получает почетное звание от Кембриджского университета. В этом же году состоялась премьера его Реквиема на музыкальном триеннале в Бирмингеме.

С 1892 по 1895 гг. Дворжак является дирижёром Национальной консерватории в Нью-Йорке. Здесь он встречает одного из первых афроамериканских композиторов - Харли Берлея, который знакомит Дворжака с американской музыкой в стиле Спиричуэл.

В течение зимы и весны 1893 года Дворжак создаёт свою знаменитую Симфонию № 9 «Из Нового света». Летом того же года он посещает чешскую диаспору в Спиллвилле, штат Айова. Здесь, будучи окружённым эмигрировавшими родственниками и земляками, он создаёт 2 струнных квартета и сонатину для фортепиано со скрипкой. В течение трёх месяцев 1895-го года он работает над скрипичным концертом в си-бемоль миноре.

Материальная неопределенность, наряду с растущей популярностью в Европе и тоской по дому, подвигли Дворжака вернуться в Чехию.
В свои последние годы Дворжак сконцентрировался на написании оперной и камерной музыки. В 1896 году он в последний раз посетил Лондон, где присутствовал на премьере своего скрипичного концерта в си-бемоль-миноре.

Дворжак сменил Антонина Бенневица на посту дирижера Пражской консерватории, который и занимал до своей смерти. 60-летие композитора отмечалось с размахом национального праздника.

Он скончался в 1904 году от сердечного приступа.

Дворжак оставил множество незаконченных произведений, в том числе концерт для скрипки в ля-мажоре.

Джакомо Пуччини

Джакомо Антонио Доменико Микеле Секондо Мариа Пуччини (22 декабря 1858, Лукка — 29 ноября 1924 Брюссель) — итальянский оперный композитор, признаваемый лучшим из так называемых «веристов».

Пуччини родился в городе Лукка, в музыкальной семье. После смерти отца Микеле Пуччини (1813-1864), пятилетнего Пуччини отправили на учение к его дяде Фортунато Маджи, который считал его плохим, недисциплинированным учеником и, как пишет современный биограф композитора, награждал его болезненным пинком по голени за каждую фальшивую ноту, после чего у Пуччини всю жизнь рефлекторно возникала боль в ноге от фальшивых нот. Впоследствии Пуччини получил место церковного органиста и хормейстера. Оперным композитором ему захотелось стать, когда он впервые услышал представление оперы Джузеппе Верди «Аида» в Пизе.

В течение четырех лет Пуччини занимался в Миланской консерватории. В 1882 году участвовал в конкурсе одноактных опер. Не получившая первый приз, его опера «Виллисы» поставлена была в 1884 году в Teatro dal Verme. Опера эта привлекла внимание Джулио Рикорди, главу влиятельного издательского дома, специализирующегося на издании партитур. Рикорди заказал Пуччини новую оперу. Ею стал «Эдгар».

Третья его опера, «Манон Леско», законченная в 1893 году, имела огромный успех. Несмотря на явное влияние Рихарда Вагнера, талант Пуччини проявился в этой опере в почти полном своем блеске. Эта же опера знаменует собой начало работы Пуччини с либреттистами Луиджи Иллика и Джузеппе Джакоза.

Следующая опера Пуччини, «Богема» (написанная по мотивам романа Анри Мюрже), принесла Пуччини мировую славу. Одновременно оперу с тем же названием и по тому же роману писал Руджеро Леонкавалло, вследствие чего между двумя композиторами возник конфликт, и они перестали общаться.

За «Богемой» последовала «Тоска», премьера которой состоялась на рубеже веков, в 1900 году. Под давлением со стороны примадонны Ла Скала Дарклэ, исполнявшей главную роль в этой опере и настаивающей на наличии у главной героини арии, которую можно было бы исполнить в концерте, Пуччини дополнил второй акт оперы, написав знаменитую сегодня «Vissi d’arte». Также, он позволил Дарклэ, блондинке, не надевать парик (в тексте либретто Тоска — брюнетка).

17 февраля 1904 года в Миланском театре «Ла Скала» Джакомо Пуччини представил свою новую оперу «Мадам Баттерфляй» (Чио-чио-сан) («Madama Butterfly», по мотивам пьесы Давида Беласко). Несмотря на участие выдающихся певцов Розины Сторкио, Джованни Дзенателло, Джузеппе де Лука, спектакль провалился. Маэстро чувствовал себя раздавленным. Друзья уговорили Пуччини переработать своё произведение, а на главную партию пригласить Соломею Крушельницкую. 29 мая на сцене театра «Гранде» в Брешии состоялась премьера обновлённой «Мадам Баттерфляй», на этот раз — триумфальная. Публика семь раз вызывала актёров и композитора на сцену.

После этого новые оперы стали появляться реже. В 1903 году Пуччини, заядлый автомобилист, попал в аварию. В 1909 году разразился скандал, связанный с тем, что страдающая припадками ревности жена композитора Эльвира обвинила домработницу Дорию Манфреди в любовной связи с Пуччини, после чего домработница покончила с собой. (Была ли связь на самом деле — неизвестно). Родственники Манфреди предъявили иск, и Пуччини заплатил назначенную судом сумму. В 1912 году умер издатель Пуччини, Джулио Рикорди, сыгравший огромную роль в продвижении композитора к известности.

Тем не менее, в 1910 году, Пуччини заканчивает оперу «Девушка с Запада», о которой впоследствии говорит, как о самом сильном своем опусе. Попытка написать оперетту (очевидно из-за неимоверной в то время популярности жанра, в котором тогда главенствовали Франц Легар и Имре Кальман) окончилась неудачей. В 1917 году Пуччини заканчивает переработку своей оперетты в оперу («Ласточка»).

В 1918 году состоялась премьера оперы «Триптих». Эта вещь состоит из трех одноактных опер (в парижском стиле, известном как гранд-гиньоль: ужасы, сентиментальная трагедия, и фарс. Последняя, фарсовая, часть, под названием «Джанни Скикки», получила известность и иногда исполняется в один вечер с оперой Масканьи «Сельская Честь», либо с оперой Леонкавалло «Паяцы».

Умер Пуччини в 1924 году из-за последствий операции горла, в брюссельской клинике. Последний акт его последней оперы («Турандот») остался незавершенным. Есть несколько версий концовки, чаще всего исполняется версия, написанная Франко Альфано. На премьере этой оперы дирижер, близкий друг композитора, Артуро Тосканини остановил оркестр на том месте, где начиналась часть, написанная Альфано. Положив палочку, дирижер обернулся к публике и сказал, «Здесь смерть прервала работу над оперой, которую маэстро не успел завершить».

Несклонный к музыкальному новаторству, Пуччини просто использовал нравящиеся ему приемы, изобретенные предшественниками и современниками (в частности, Верди, Вагнером и веристами). Необыкновенно одаренный мелодически, он твердо следовал своему убеждению, что музыка и действие в опере должны быть неразрывны. По этой причине, в частности, в операх Пуччини нет увертюр. Благодаря богатству мелодий, оперы Пуччини, наряду с операми Верди и Вагнера, являются наиболее часто исполняемыми операми в мире. Редкий оперный театр сегодня осмеливается составить репертуар сезона, не включив в него хотя бы одно произведение этого композитора.

Александр Бизе

Александр Сезар Леопольд Бизе — французский композитор, автор оркестровых произведений, романсов, фортепианных пьес, а также опер, самой известной из которых стала «Кармен».

Бизе родился 25 октября 1838 г. в Париже в семье учителя пения. Он был зарегистрирован под именем Александр-Сезар-Леопольд Бизе, но при крещении получил имя Жорж, под которым и был известен в дальнейшем. Бизе можно назвать вундеркиндом: поступил в Парижскую консерваторию за две недели до того, как ему исполнилось десять лет.

В 1857 году он разделил с Шарлем Лекоком премию на конкурсе, организованном Жаком Оффенбахом, за оперетту «Чудесный доктор» и получил Римскую премию, что позволило ему прожить в Риме в течение трех лет, сочиняя музыку и занимаясь своим образованием. Отчетным произведением (написание которого было обязательным для всех лауреатов Римской премии) стала опера «Дон Прокопио». За исключением проведённого в Риме периода, Бизе прожил всю свою жизнь в Париже.

После пребывания в Риме он вернулся в Париж, где посвятил себя написанию музыки. В 1863 году он написал оперу «Искатели жемчуга». В этот же период он написал «Пертскую красавицу», музыку к пьесе Альфонса Доде «Арлезианка» и произведение для фортепиано «Детские игры». Также он написал романтическую оперу «Джамиле», обычно рассматриваемую, как предшественницу «Кармен». Сам Бизе забыл о ней, и о симфонии не вспоминали до 1935 года, когда она была обнаружена в библиотеке консерватории. При первом же представлении эта работа получила похвалы раннего романтического периода. Симфония замечательна своим стилистическим сходством с музыкой Франца Шуберта, которая в тот период почти не была известна в Париже, за исключением, быть может, нескольких песен. В 1874—1875 гг. композитор работал над «Кармен». Премьера оперы состоялась в парижском театре «Опера-Комик» 3 марта 1875 года и закончилась провалом. Свою Вторую симфонию, «Рим», Бизе не завершил. Умер Жорж Бизе 3 июня 1875 года от сердечного приступа.

Исаак Осипович Дунаевский

Исаак Осипович Дунаевский (18 (30) января 1900, Лохвица, Полтавская губерния, Российская империя (ныне Полтавская область, Украина) — 25 июля 1955, Москва, СССР) — крупнейший советский композитор, автор 13 оперетт и балетов, музыки к нескольким десяткам кинофильмов, множества популярных советских песен, народный артист РСФСР (1950), лауреат двух Сталинских премий (1941, 1951).

Дунаевский родился 30 января 1900 года в украинском городке Лохвище в еврейской семье мелкого банковского служащего Цали Симоновича и Розалии Исааковны Дунаевских. Двойное имя отца — Цале-Йосеф — послужило основой для отчества будущего композитора — Осипович. Семья была музыкальной. Дед был кантором, мать играла на фортепиано и пела. Пятеро братьев Исаака тоже стали музыкантами. С детства проявил незаурядные музыкальные способности, с восьмилетнего возраста брал уроки скрипки у Григория Полянского.

В 1910 году семья переехала в Харьков. В 1910 году он поступил в Харьковское музыкальное училище, где занимался игрой на скрипке (преподаватель — Константин Горский) и композицией. В 1918 году с золотой медалью окончил гимназию, а через год — харьковскую консерваторию по классу скрипки (преподаватель — И. Ю. Ахрон), композицией занимался у С. С. Богатырёва.

С 1919 года работал скрипачом в оркестре, концертмейстером.

С 1920 года — композитор и дирижер в Харьковском русском драматическом театре. Дебютировал как театральный композитор в 1920 году — музыка к спектаклю «Женитьба Фигаро».

В 1924 году переехал в Москву. В 1924—1926 гг. — музыкальный руководитель театра «Эрмитаж». В 1926—1929 гг. — Театра сатиры. Здесь были поставлены его первые оперетты — «Женихи», «Ножи».

В 1929 году переехал в Ленинград. До 1934 года — композитор и главный дирижёр Ленинградского мюзик-холла. Начал сотрудничать с Л. О. Утёсовым.

И. Дунаевский вместе с кинорежиссёром Г. В. Александровым стали создателями жанра советской музыкальной кинокомедии, сделав музыку одним из главных компонентов драматургии фильма. Первый их совместный фильм «Весёлые ребята» вышел на экраны в 1934 году и принёс И. Дунаевскому широкую известность. Затем последовали фильмы «Цирк» (1936), «Волга-Волга» (1938) и «Светлый путь» (1940). Мемориальная доска по адресу: Санкт-Петербург. Гороховая ул., 4, где с 1936 по 1941 г. жил и работал композитор
Могила Исаака Осиповича на Новодевичьем кладбище Москвы.

С 1937 по 1941 годы возглавлял Ленинградский союз композиторов. Был дружен с М. А. Булгаковым.

Во время Великой Отечественной войны был художественным руководителем ансамбля песни и пляски железнодорожников, много выступал по всей стране.

С 1943 года жил в Москве.

В 1947 году написал музыку к фильму «Весна». В 1949 году написал музыку к фильму кинорежиссера И. А. Пырьева «Кубанские казаки».
И. Дунаевский был женат с 1925 года на Зинаиде Судейкиной. В 1932 году у них родился сын Евгений. В 1945 году у Дунаевского от гражданской жены Зои Пашковой родился сын Максим.

Умер в Москве 25 июля 1955 года от сердечного спазма. Существует неподтвержденная версия о самоубийстве И. Дунаевского. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Исаак Дунаевский обладал уникальным мелодическим даром и внёс большой вклад в формирование жанра советской музыки. Наиболее значительных результатов Дунаевский достиг в лёгкой музыке: «Стрелки», музыка к фильмам «Цирк», «Вратарь», «Весёлые ребята», «Весна», оперетты «Белая акация», «Дети капитана Гранта» и др. В музыке к фильмам и опереттах лёгкая музыка непринуждённо сочеталась с симфоническим жанром. Даже фрагменты оперетт по существу являются законченными и целостными музыкальными произведениями и часто исполняются в концертах отдельно. Произведения Дунаевского отличаются развитым мелодическим ходом и гармоническим языком, при кажущейся лёгкости требуют от певца высокого вокального мастерства и больших голосовых ресурсов.

Дунаевский создал ряд проникновенных лирических песен, неизменно популярных и любимых многими поколениями советских людей: «Моя любовь», «Цветет калина», «Вечер вальса», «Школьный вальс», «Каким ты был, таким ты и остался», «Не забывай», «Молчание».

Отдельная страница творчества Дунаевского — песни для пионеров: «До чего же хорошо кругом», «Скворцы прилетели», «Летите, голуби!», «Марш юннатов».

Марши Дунаевского бравурны, ярки, создают праздничное, боевое настроение. «Песня о Родине» стала позывными радиостанции «Маяк», «Марш энтузиастов», «Марш весёлых ребят», марши из кинофильмов «Вратарь», «Дети капитана Гранта» имеют всеобщую популярность. Героический марш «Моя Москва» стал фактически гимном города Москвы.

Патриотические песни «Дорожная», «Дальняя сторожка», «Звезды милой Родины», «Каховка» разучивались детьми во всех советских школах 1940-1960-х годов.

Сыновья Дунаевского — также известные деятели искусства. Евгений Дунаевский (ум. 2000) — яркий и самобытный московский художник-«станковист». Максим Дунаевский — известный эстрадный композитор (кинофильмы «Д'Артаньян и три мушкетёра», «Мэри Поппинс, до свидания!» и др.)

Ознакомиться с биографией композитора и посмотреть архивные фотографии можно на сайте Государственного дома-музея Петра Ильича Чайковского в Клину. Мы рекомендуем вам совершить увлекательную экскурсию по дому-музею.

Александра Николаевна Пахмутова

Александра Николаевна Пахмутова родилась 9 ноября 1929 года в поселке Бекетовка под Сталинградом. В три с половиной года начала играть на фортепиано и сочинять музыку. Начавшаяся в июне 1941 года война прервала ее занятия в Сталинградской музыкальной школе. Несмотря на все трудности военного времени, в 1943 году Пахмутова поехала в Москву и была принята в Центральную музыкальную школу при Московской государственной консерватории (тогда она называлась Школа одаренных детей), по окончании которой А. Пахмутова поступила в Московскую консерваторию, где занималась у выдающегося композитора и уникального педагога — профессора Виссариона Яковлевича Шебалина.

Всю свою жизнь Александра Пахмутова работает в разных жанрах. Ее перу принадлежат и произведения для симфонического оркестра («Русская сюита», Концерт для трубы с оркестром, увертюра «Юность», Концерт для оркестра, «Ода на зажжение огня», Музыка для ансамбля колоколов и оркестра Ave Vita), и сочинения кантатно-ораториального жанра («Василий Тёркин», «Прекрасная, как молодость, страна», кантаты для детского хора и симфонического оркестра «Красные следопыты», «Отрядные песни»). На музыку А. Пахмутовой в Государственном академическом Большом театре России и в Одесском государственном театре оперы и балета был поставлен балет «Озарённость». Среди ее киноработ — музыка к картинам «Девчата», «Три тополя на Плющихе», «О спорт, ты — мир!» и многим другим.

Исключительное значение имеет творчество Александры Пахмутовой в жанре песни. У Пахмутовой своя индивидуальная интонация, обладающая большой силой воздействия на слушателей. В песнях композитора есть та мелодическая «изюминка», которая, как заметил великий дирижер Евгений Светланов, «сразу ложится на сердце, надолго остается в сознании». «Бесспорно, без мелодического таланта композитору в песне делать нечего, — говорит Александра Пахмутова. — Это жестокий закон, но — закон. Но талант еще не гарант. Как будет воплощен замысел песни, как будет развиваться ее тематическое зерно, как будет сделана партитура, как будет осуществлена запись в студии — все это не последние вопросы и из всего этого тоже складывается образ».

Александра Пахмутова сотрудничала с выдающимися поэтами нашего времени, среди которых Л. Ошанин, М. Матусовский, Е. Долматовский, М. Львов, Р. Рождественский, С. Гребенников, Р. Казакова, И. Гофф. Но наиболее плодотворным и постоянным является творческий союз Александры Пахмутовой с поэтом, ее мужем Николаем Добронравовым.

А. Н. Пахмутова — народная артистка СССР (1984), лауреат премии Ленинского комсомола (1967), лауреат Государственных премий СССР (1975, 1982), Герой Социалистического Труда (1990). В 1976 году ее именем названа официально зарегистрированная в Планетном центре в г. Цинциннати (США) малая планета № 1889, открытая крымскими астрономами.

Имре Кальман

Имре (Эммерих) Кальман (24 октября 1882 — 30 октября 1953) — венгерский композитор, автор популярных оперетт: «Сильва», «Баядера», «Принцесса цирка», «Фиалка Монмартра» и других. Творчество Кальмана завершает период расцвета венской оперетты.

Имре Кальман родился в Шиофоке (Австро-Венгрия, ныне Венгрия), на берегу озера Балатон, в семье еврея-торговца Карла Коппштейна (Karl Koppstein). Ещё в школе сменил фамилию на Кальман. Учился на пианиста, однако из-за артрита переключился на композицию. Закончил в Будапеште музыкальную академию, где преподавали Бела Барток и Золтан Кодаи.

1904: работает музыкальным критиком в будапештской газете, одновременно много времени уделяя композиции.

Романсы и симфонические произведения Кальмана большого успеха не имели, зато Большую премию города Будапешта получил его цикл песен. По совету своего друга композитора Виктора Якоби (автора оперетты «Ярмарка невест») Кальман решил попробовать силы в оперетте. Уже первая его оперетта (Tatárjárás, 1908, Будапешт) восторженно встречена публикой и была поставлена в Вене, Нью-Йорке и Лондоне (под названием «Осенние манёвры»).

1908: Кальман переезжает в Вену, где закрепляет успех опереттой «Цыган-премьер» (1912).

В военный 1915-й год появилась самая популярная оперетта Кальмана, «Королева чардаша (Сильва)». Её ставили даже на другой стороне фронта, в том числе — в России (изменив фамилии персонажей и место действия).

В 1920-е годы наибольший успех имели три оперетты Кальмана: «Баядера» (1921) (здесь, кроме традиционных для него вальсов и чардашей, Кальман решил освоить новые ритмы: фокстрот и шимми), затем «Марица» (1924) и «Принцесса цирка» (1926).

1930: Кальман женится на русской эмигрантке из Перми, актрисе Вере Макинской, которой посвящает оперетту «Фиалка Монмартра». У них родились сын и две дочери.

1934: награждён французским орденом Почётного легиона.

После аншлюса Австрии, отказавшись от предложения стать «почётным арийцем», Кальман эмигрировал — сначала в Париж (1938), затем в США (1940). Его оперетты были запрещены в нацистской Германии.

1942: Кальман разводится с Верой, но через несколько месяцев они вновь воссоединяются.

После разгрома нацизма, зимой 1948/1949 года, Кальман приехал в Европу, возложил венок на могилу Легара, затем вернулся в США. В 1949 году после инсульта был частично парализован. Затем самочувствие несколько улучшилось, и в 1951 году Кальман по настоянию Веры переехал в Париж, где спустя 2 года умер. Похоронен, согласно завещанию, в Вене, на Центральном кладбище. В Национальной библиотеке Австрии открыта мемориальная комната Кальмана.

Музыка Кальмана не имеет равных в оперетте по своей праздничности, «нарядности», отточенности мелодики и оркестровки. Она неизменно пронизана венгерскими мотивами — даже если персонаж индиец («Баядера»), русский («Принцесса цирка») или француз («Фиалка Монмартра»), но самая венгерская из оперетт Кальмана — «Марица».

Антон Григорьевич Рубинштейн

Антон Григорьевич Рубинштейн (16 (28 ноября) 1829, Выхватинец, Подольская губерния — 8 (20) ноября) 1894, Петергоф) — русский композитор, пианист, дирижер, музыкальный педагог. Брат пианиста Николая Рубинштейна.

Как пианист Рубинштейн стоит в ряду величайших представителей фортепианного исполнительства всех времен. Он также является основоположником профессионального музыкального образования в России. Его усилиями была открыта в 1862 году в Петербурге первая русская консерватория. Среди его учеников ― Петр Ильич Чайковский. Ряд созданных им произведений занял почетное место среди классических образцов русского музыкального искусства.

Неиссякаемая энергия позволяла Рубинштейну успешно совмещать активную исполнительскую, композиторскую, педагогическую и музыкально-просветительскую деятельность.

Антон Рубинштейн родился в молдавском селе Выхватинец Подольской губернии (теперь Выхватинцы Рыбницкого района Приднестровской Молдавской Республики) третьим сыном в состоятельной еврейской семье. Отец Рубинштейна — Григорий Романович Рубинштейн (1807-1846) — происходил из Бердичева, с молодости вместе с братьями Эммануилом, Абрамом и сводным братом Константином занимался арендой земли в Бессарабской области и к моменту рождения второго сына Якова (в будущем врач, 1827 — 30 сентября 1863) был купцом второй гильдии. Мать — Калерия Христофоровна Рубинштейн (урожденная Клара Левенштейн или Левинштейн, 1807 — 15 сентября 1891, Одесса) — музыкант, происходила из прусской Силезии (Бреслау, впоследствии семья перебралась в Варшаву). Младшая сестра А. Г. Рубинштейна — Любовь Григорьевна (ум. 1903) — была замужем за одесским адвокатом, коллежским секретарем Яковом Исаевичем Вейнбергом, родным братом литераторов Петра Вейнберга и Павла Вейнберга. Другая сестра, София Григорьевна Рубинштейн (1841 — январь 1919), стала камерной певицей и музыкальным педагогом. Старший брат А. Г. Рубинштейна, Николай, умер ребенком.

25 июля 1831 года 35 членов семьи Рубинштейн, начиная с деда — купца Рувена Рубинштейна из Житомира, приняли православие в Свято-Николаевской церкви в Бердичеве. Толчком к крещению, по поздним воспоминаниям матери композитора, стал Указ императора Николая I о призыве детей на 25-летнюю воинскую службу кантонистами в пропорции 7 на каждые 1000 еврейских детей (1827). На семью перестали распространяться законы черты оседлости, и уже через год (по другим данным в 1834 году) Рубинштейны поселились в Москве, где отец открыл небольшую карандашно-булавочную фабрику. Около 1834 года отец приобрел дом на Ордынке, в Толмачевом переулке, где родился его младший сын Николай.

Первые уроки игры на фортепиано Рубинштейн получил от матери, а в возрасте семи лет стал учеником французского пианиста А. И. Виллуана. Уже в 1839 году Рубинштейн впервые выступил на публике, а вскоре в сопровождении Виллуана отправился в большой концертный тур по Европе. Он играл в Париже, где познакомился с Фредериком Шопеном и Ференцем Листом, в Лондоне был тепло принят королевой Викторией. На обратном пути Виллуан и Рубинштейн посетили с концертами Норвегию, Швецию, Германию и Австрию.

Проведя некоторое время в России, в 1844 Рубинштейн вместе с матерью и младшим братом Николаем отправляется в Берлин, где начинает заниматься теорией музыки под руководством Зигфрида Дена, у которого за несколько лет до того брал уроки Михаил Глинка. В Берлине же сформировались творческие контакты Рубинштейна с Феликсом Мендельсоном и Джакомо Мейербером.

В 1846 умирает его отец, и мать вместе с Николаем возвращаются в Россию, а Антон переезжает в Вену, где зарабатывает на жизнь, давая частные уроки. По возвращении в Россию зимой 1849 года, благодаря покровительству Великой княгини Елены Павловны, Рубинштейн смог обосноваться в Санкт-Петербурге и заняться творчеством: дирижированием и композицией. Он также нередко выступает как пианист при дворе, имея большой успех у членов императорской семьи и лично у императора Николая I. В Петербурге Рубинштейн знакомится с композиторами М. И. Глинкой и А. С. Даргомыжским, виолончелистами М. Ю. Виельгорским и К. Б. Шубертом и другими крупнейшими русскими музыкантами того времени. В 1850 Рубинштейн дебютирует в качестве дирижера, в 1852 ― появляется его первая крупная опера «Дмитрий Донской», затем он пишет три одноактных оперы на сюжеты народностей России: «Месть» («Хаджи-Абрек»), «Сибирские охотники», «Фомка-дурачок». К этому же времени относятся его первые проекты по организации в Петербурге музыкальной академии, которым, однако, не суждено было воплотиться в жизнь.

В 1854 году Рубинштейн вновь отправляется за границу. В Веймаре он знакомится с Ференцем Листом, который одобрительно отзывается о Рубинштейне как о пианисте и композиторе и помогает поставить оперу «Сибирские охотники». 14 декабря 1854 года состоялся сольный концерт Рубинштейна в лейпцигском зале Гевандхаус, прошедший с шумным успехом и положивший начало длительному концертному туру: впоследствии пианист выступил в Берлине, Вене, Мюнхене, Лейпциге, Гамбурге, Ницце, Париже, Лондоне, Будапеште, Праге и многих других европейских городах. В мае 1855 года в одном из венских музыкальных журналов была опубликована статья Рубинштейна «Русские композиторы», неодобрительно принятая русской музыкальной общественностью.

Летом 1858 Рубинштейн возвращается в Россию, где при финансовой поддержке Елены Павловны в 1859 добивается учреждения Русского Музыкального общества, в концертах которого сам выступает как дирижер (первый симфонический концерт под его управлением прошел 23 сентября 1859 года). Рубинштейн также продолжает активно выступать за границей и принимает участие в фестивале, посвященном памяти Г. Ф. Генделя. На следующий год при Обществе были открыты музыкальные классы, в 1862 превращенные в первую российскую консерваторию. Рубинштейн стал первым ее директором, дирижером оркестра и хора, профессором по классам фортепиано и инструментовки (среди его учеников ― П. И. Чайковский).

Неиссякаемая энергия позволяла Рубинштейну успешно совмещать эту работу с активной исполнительской, композиторской и музыкально-просветительской деятельностью. Ежегодно посещая заграницу, он знакомится с Иваном Тургеневым, Полиной Виардо, Гектором Берлиозом, Кларой Шуман, Нильсом Гаде и другими деятелями искусства.

Деятельность Рубинштейна не всегда находила понимание: многие русские музыканты, среди которых были члены «Могучей кучки» во главе с В. В. Стасовым и А. Н. Серов, опасались излишнего «академизма» консерватории и не считали ее роль важной в формировании русской музыкальной школы. Против Рубинштейна были настроены и придворные круги, конфликт с которыми вынудил его в 1867 покинуть пост директора консерватории. Рубинштейн продолжает концертировать (в том числе с собственными сочинениями), пользуясь огромным успехом, а на рубеже 1860-х ― 70-х годов сближается с «кучкистами». 1871 год отмечен появлением крупнейшего сочинения Рубинштейна ― оперы «Демон», которая была запрещена цензурой и впервые поставлена только четыре года спустя.

В сезоне 1871-1872 Рубинштейн руководит концертами Общества друзей музыки в Вене, где дирижирует, среди прочих сочинений, ораторией Листа «Христос» в присутствии автора (примечательно, что партию органа исполнял Антон Брукнер). На следующий год состоялись триумфальные гастроли Рубинштейна в США вместе со скрипачом Генриком Венявским.

Вернувшись в 1874 в Россию, Рубинштейн поселился на своей вилле в Петергофе, занявшись композицией и дирижированием. К этому периоду творчества композитора принадлежат Четвертая и Пятая симфонии, оперы «Маккавеи» и «Купец Калашников» (последняя через несколько дней после премьеры запрещена цензурой). В сезоне 1882—1883 он вновь встал за пульт симфонических концертов Русского музыкального общества, а в 1887 снова возглавил Консерваторию. В 1885—1886 он дал серию «Исторических концертов» в Петербурге, Москве, Вене, Берлине, Лондоне, Париже, Лейпциге, Дрездене и Брюсселе, исполнив практически весь существовавший сольный репертуар для фортепиано от Куперена до современных ему русских композиторов.

Рубинштейн умер в 1894 году в Петергофе и был похоронен на Никольском кладбище Александро-Невской лавры, позже перезахоронен в Некрополе мастеров искусств.

Именем Рубинштейна назван Высший музыкальный колледж в Тирасполе, а также бывшая Троицкая улица в Санкт-Петербурге, на которой композитор жил с 1887 по 1891 гг. На доме № 38 установлена мемориальная доска.

Сергей Сергеевич Прокофьев

Прокофьев стремительно ворвался в бурный, изменчивый ХХ век как неповторимое и ярко новаторское явление. Его искусство вызывало споры и непонимание, восторг и преклонение, оно ошеломляло и даже коробило. Лишь немногим современникам было суждено распознать тогда в начале столетия за броней новаторства и эпатажности подлинного классика ХХ века.

Прокофьев был равнодушен к веяниям музыкальной моды. Он всегда двигался своим путем, стремился утвердить и отстоять свою независимость как художник. В зарубежный период (1918-1933) он не примкнул ни к одному художественному течению, что потребовало бы от мастера жесточайших ограничений; не смогли сломить его и чудовищные реалии советского строя со зловещей тенью сталинизма и борьбой с формализмом в искусстве.

Искусство Прокофьева выдержало все натиски судьбы и прошло проверку временем. Его музыка содержит в себе удивительную жизнестойкость, мощный заряд энергии, напитанный солнцем и оптимизмом. И эту позитивность мышления композитор пронес через всю свою нелегкую жизнь. Классичность Прокофьева заключена в его универсализме. Искания композитора охватили культурные накопления несколько эпох – от барокко и классицизма до современности с ее радикализмом и стремлением к возведению новых звуковых миров. В стиле композитора соединились тяга к лирическим откровениям романтизма и его же резкое и последовательное отрицание вплоть до откровенной пародии и гротеска, постоянное переосмысление общепринятых норм и традиционализм, поиски новой выразительности в области гармонии, ритма, оркестровки и утверждение неувядаемого мелодического начала, опирающегося на народно-песенные истоки.

Его творчество стало встречей эпох и обновлением русских музыкальных традиций. За каждым парадоксом новаторства Прокофьева всегда был виден «хвост» традиций русской школы. Его гений не смог бы реализоваться без учителей Римского-Корсакова и Лядова, Глазунова и Черепнина. Еще глубже связь – с традициями Мусоргского и Бородина.

Эволюция Прокофьева шла как бы в «обратной» перспективе – через дерзкие завоевания, варварство и «скифство» к обретению новой простоты, мудрой человечности искусства. Любопытно, что еще недавнего ниспровергателя музыкальных законов современники зачисляли в ранг консерваторов. При всей неоднозначности оценок его творчество стало неотъемлемой частью культурного пространства ХХ века. Открывая мир заново, Прокофьев продолжает великие традиции музыкального искусства прошлого, связанные с поисками гуманистического начала, осмыслением жгучих проблем современности через призму истории.

Михаил Иванович Глинка

В русской музыке Глинка занимает положение подобно Александру Сергеевичу ПУШКИНУ в русской литературе. Если А.С.Пушкин – первый русский поэт мирового значения, то М.И.Глинка – первый композитор, открывший новую эпоху в диалоге западноевропейской и русской культур.

Глинка был гениально одаренной художественной личностью. Его стиль отличался удивительной законченностью, гармонией всех компонентов. Светлый, жизнеутверждающий характер, стройность формы, красота и пластичность мелодий, красочность и тонкость гармонии и инструментовки – ценнейшие качества произведений композитора. Это было искусство, порожденное высочайшей культурой и вкусом. По эстетическому совершенству его музыку часто сравнивают с искусством Моцарта. Как и венский классик, Глинка достиг высочайшего синтеза и переосмысления интонационного словаря своей эпохи. Именно ему, «русскому Моцарту» суждено было стать альфой и омегой отечественной музыки.

Главная заслуга композитора – в создании первых русских опер «Ивана Сусанина» (1836) и «Руслана и Людмилы» (1842). Он обозначил пути развития национального симфонизма и открыл новую эпоху в истории русской вокальной лирики. Его «испанские увертюры» положили начало разработке исполнительского фольклора в симфонической музыке. Он отразил в своем творчестве народные мотивы разных национальных культур (украинской, польской, финской, итальянской и народов Востока).

Произведения «певца пушкинской эпохи» по своим художественным достоинствам и глубине эстетического обобщения для большинства современников оказались во многом недосягаемыми. Подобно солнцу, Глинка щедро разбросал лучи своего таланта на несколько десятилетий вперед. Его наследниками стали все крупные композиторы XIX века. К традициям Глинки восходят величавые народные образы Мусоргского и русская сказка Римского-Корсакова, богатырский эпос Бородина и лирическая задушевность, поэтичность Чайковского. Его творческие принципы стали основой зрелого национального стиля русской музыки ХХ века.

«Когда задумываешься, в чем прежде всего проявилась необыкновенная сила творческого гения Глинки, что явилось главным в той революции, которую он совершил в русской музыке, неизменно приходишь к мысли о начале всех начал в его искусстве – о глубочайшем постижении композитором духа народности, о высшем синтезе русской народной песенности с ярчайшей композиторской индивидуальностью», – писал Д.Д.Шостакович.

Судьба не была благосклонна Глинке. Почитаемый в Европе, композитор не находил должного понимания в России. Влюбленный в жизнь, он постоянно страдал от изнуряющих недугов и слабого здоровья. Ценитель и поклонник женской красоты, он пережил тяжелую личную драму.

Русский помещик, странствующий по Европе «барич», которого с детства интересует география и манит романтика дальних стран. Его влекут красоты севера и сочная красочность Кавказа («излюбленного» места русской интеллигенции). Глинка впитывает массу музыкальных впечатлений: его слух схватывает персидскую песню, напетую секретарем восточного принца, и грустный напев финского ямщика, он увлекается малороссийскими песнями и польскими танцами. Глинка зачарован экзотикой Испании, где помимо изучения языка и народной музыки, учится танцевать. Он наслаждается южным солнцем Италии и культурой Аппенин, хотя в России борется с «итальянщиной», отстаивая самобытность отечественной оперы. Его музыкальными оппонентами на русской сцене оказываются Беллини, Доницетти и Мейербер, но в реальной жизни Глинку связывают с ними дружеские отношения. Глинку почитает Берлиоз, а Лист, приехав в Россию, непременно желает услышать прославленного русского композитора (он же одним из первых оценил «Руслана»).

Глинка любит петь. Он – любимец светских салонов. Однажды на масленичном представлении он, наряженный в женский парик, исполняет партию Донны Анны. Имея от природы голос, по собственному выражению, несколько хрипловатый и сдавленный, он берет уроки вокала у итальянских певцов, достигает подлинного мастерства в пении и впоследствии выступает в роли педагога сам. Публикуется даже сборник вокальных упражнений Глинки (но уже после его смерти). Он обладает даром живописца, любит рисовать деревья и церкви (чем-то напоминая артистическую натуру Мендельсона, также влюбленного в путешествия и делающего живописные наброски). Он заводит у себя в поместье множество птиц и слушает их часами, а потом долго-долго музицирует на фортепиано.

В его натуре серьезность граничит с шалостью. Совсем как пушкинский повеса-Моцарт! На Черной речке забавляется с друзьями, изображая привидения. Когда же речь заходит о творчестве и, что еще важнее, о национальной направленности искусства, Глинка проявляет поразительную убежденность и стойкость позиции.

Он ругает, порой ненавидит Петербург, в котором не встречает истинного понимания и признания, даже под конец жизни он уезжает из России с тем, чтобы больше «не видеть эту землю». В душе же он всегда чувствует себя исконно русским композитором, ответственным за судьбы русского искусства и способного писать только национальным «языком».

Чувствую недостаточное знание композиторской техники, Глинка едет в Германию заниматься с известнейшим педагогом, автором учебников по гармонии и полифонии, Зигфридом Деном, который всего на 5 лет старше самого композитора (у него же учился мастерству А.Г.Рубинштейн). В последние годы жизни Глинка снова приедет в Германию и возобновит свои занятия с Деном. А задачу композитор поставит перед собой очень серьезную: «Я почти убежден, что можно связать Фугу западную с условиями нашей музыки узами законного брака». Он старательно изучает старинную церковную музыку. Последними его произведениями становятся фуги «в греческих ладах».

Таким ли знаем мы нашего классика?…

Российский национальный оркестр

Российский национальный оркестр (РНО) был основан в 1990 году Народным артистом России Михаилом Плетнёвым. За свою четвертьвековую историю коллектив обрел международную известность и безусловное признание публики и критиков. Подводя итоги 2008 года, самый авторитетный в Европе журнал о музыке Gramophone включил РНО в двадцатку лучших оркестров мира. Оркестр сотрудничал с ведущими мировыми исполнителями, среди которых Монтсеррат Кабалье, Лучано Паваротти, Пласидо Доминго, Хосе Каррерас, Гидон Кремер, Ицхак Перлман, Пинхас Цукерман, Вадим Репин, Евгений Кисин, Дмитрий Хворостовский, Максим Венгеров, Белла Давидович, Джошуа Белл и многие другие. С РНО выступают лучшие дирижеры современности: Семен Бычков, Инго Метцмахер, Владимир Юровский, Пааво Ярви, Шарль Дютуа, Клаус Петер Флор, Кристоф Эшенбах, Альберто Дзедда. Свой последний концерт в Москве Евгений Светланов дал именно с РНО.

«Декабрьский Брамс в исполнении Светланова и Российского национального оркестра звучал как завещание», — писал обозреватель газеты «Коммерсант». Один из выдающихся дирижеров наших дней, маэстро Кент Нагано так отзывается об оркестре, с которым ему неоднократно доводилось работать: «У РНО вы чувствуете ярко выраженный характер, своей игрой оркестр напоминает вам о том, что русская культура — одна из самых великих в мире. Да, они играют блестяще, да, они высокие профессионалы, да, в оркестре много отличных солистов, но за этим есть и нечто большее: традиция великой культуры, которая слышна в их игре».

О весомом вкладе РНО и Михаила Плетнёва в современную российскую культуру свидетельствует тот факт, что оркестр первым среди негосударственных коллективов получил грант Правительства РФ, а в 2009 году обрел государственный статус.

Оркестр регулярно выступает в лучших залах страны как под управлением художественного руководителя Михаила Плетнёва, так и с приглашенными дирижерами. Ежегодно с 2009 года в Москве проходит Большой фестиваль РНО, участие в котором принимают ведущие исполнители современности. За прошедшие годы Большой фестиваль снискал признание профессиональных критиков и любовь публики, завоевав статус события, традиционно открывающего концертный сезон в столице.

РНО является участником знаковых культурных акций. В сентябре 2007 года оркестр дал Мемориальный концерт в Беслане памяти жертв теракта и стал первым коллективом, выступившим там после трагедии по приглашению руководства республики. Весной 2009 года в рамках европейского турне РНО сыграл благотворительный концерт в Белграде, приуроченный к десятой годовщине начала военной операции натовских войск в Югославии. Подводя итоги года, авторитетный сербский журнал NIN опубликовал рейтинг лучших музыкальных событий, в котором концерт РНО занял вторую строчку — как «один из самых незабываемых концертов, прозвучавших в Белграде за последние несколько сезонов». Весной 2010 года оркестр стал главным участником уникального международного проекта «Три Рима». Инициаторами этой крупнейшей культурно-просветительской акции выступили Русская Православная и Римско-Католическая Церкви. Акция охватила три важнейших для христианской культуры географических центра — Москву, Стамбул (Константинополь) и Рим. Центральным событием проекта стал концерт русской музыки, состоявшийся в знаменитом зале папских аудиенций имени Павла VI в Ватикане, вмещающем пять тысяч человек, в присутствии Папы Римского Бенедикта XVI.

Два последних сезона были отмечены серией крупных международных проектов с участием оркестра, прошедших как в России, так и за ее пределами. В феврале 2014 года концертом РНО под управлением Михаила Плетнёва в Милане официально открылась российская часть перекрестного Года туризма Италии и России. Через два месяца РНО и Московский Синодальный хор выступили в Искупительном храме Святого Семейства (La Sagrada Familia) в Барселоне, где исполнили «Страсти по Матфею» Митрополита Илариона. В июне 2014 года РНО во главе со своим художественным руководителем и главным дирижером Михаилом Плетнёвым провел фестиваль музыки Сергея Рахманинова в музее-усадьбе композитора в деревне Ивановка Тамбовской области. В декабре того же года оркестр стал главным участником масштабного гала-концерта, посвященного празднованию 200-летия установления дипломатических отношений между Россией и Швейцарией. 23 апреля 2015 года РНО принял участие в грандиозном концерте-реквиеме, приуроченном к 100-летней годовщине геноцида армян (прозвучал Реквием Вячеслава Артёмова с участием большого сводного хора).

Совместно со всемирно известной фирмой Deutsche Grammophon, а также с другими звукозаписывающими компаниями, РНО осуществляет успешную программу звукозаписи, в рамках которой выпущено уже более восьмидесяти альбомов. Многие работы получили международные награды. В 2004 году РНО стал первым оркестром в истории российских симфонических коллективов, завоевавшим самую престижную музыкальную премию — «Грэмми». Записи оркестра большими тиражами расходятся по всему миру, а также постоянно становятся лидерами экспертных рейтингов. Так, запись вокально-симфонической поэмы «Колокола» Рахманинова была признана авторитетным британским музыкальным изданием Classic FM Magazine «одним из самых прекрасных исполнений, которые когда-либо были представлены в записи». А запись музыки к балету «Спящая красавица», осуществленная Российским национальным оркестром под управлением Михаила Плетнёва, по версии Би-би-си является четвертой в рейтинге самых слушаемых записей классической музыки за последние семьдесят пять лет.
По мнению многих зарубежных музыкальных критиков, на сегодняшний день РНО является лучшим симфоническим коллективом нашей страны: «Больший блеск и рафинированность Российского национального оркестра позволили ему занять место главного симфонического коллектива России» (Chicago Classical Review, 2011). В сезоне 2015/16 Российский национальный оркестр отметит 25-летие серией юбилейных концертов и гастролей.