Новогодняя рапсодия. Денис Мацуев, Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан, Александр Сладковский
Каталог концертов

Новогодняя рапсодия. Денис Мацуев, Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан, Александр Сладковский

Концертный зал имени П.И. Чайковского Московской государственной академической филармонии

Год выхода:
2015
Страна производитель:
Россия
Длительность:
141 мин.

Денис Мацуев

Имя Дениса Мацуева неразрывно связано с традициями легендарной русской фортепианной школы, неизменным качеством концертных программ, новаторством творческих концепций и глубиной художественных интерпретаций.

Среди партнеров Дениса Мацуева по сцене — всемирно известные коллективы США (Нью-Йоркский филармонический, симфонические оркестры Чикаго, Филадельфии, Питтсбурга), Германии (оркестры Берлинской филармонии, Баварского радио, лейпцигский Gewandhaus, Западногерманского радио), Франции (Национальный оркестр, Оркестр де Пари и Филармонический оркестр Французского радио), Великобритании (оркестр ВВС, Лондонский симфонический, Лондонский филармонический, Королевский филармонический и оркестр «Филармония»), а также амстердамский Concertgebouw, оркестр Мариинского театра, Симфонический оркестр Монреаля, Оркестр театра Ла Скала, Национальный оркестр Академии Санта-Чечилия, Венский симфонический, Израильский и Роттердамский филармонические, Симфонический оркестр Осло, Национальный оркестр Бельгии, оркестр SwissRomande, Люцернский симфонический и Европейский камерный оркестры.

В 2010 году Нью-Йоркский филармонический оркестр представил публике в AveryFischerHall свой 15000-й концерт — рубеж, который не удавалось преодолеть до этого ни одному из когда-либо существовавших симфонических оркестров. Денис Мацуев был приглашен для участия в качестве солиста. Дирижировал Валерий Гергиев.

Тесные творческие контакты связывают Дениса Мацуева с выдающимися дирижерами современности – такими, как В. Гергиев, Ю. Темирканов, М. Янсонс, З. Мета, К. Мазур, П. Ярви, А. Паппано, Ш. Дютуа, А. Гилберт, В. Федосеев, Ю. Башмет, М. Плетнев, Ю. Симонов, В. Спиваков, Л. Слаткин, И. Фишер, С. Бычков, Дж. Нозеда, Мюнг-Вун Чунг, Ю.-П. Сарасте, М. Хонек и многими другими.

В предстоящем сезоне состоятся концерты с Оркестром Мариинского театра и Валерием Гергиевым в США, Испании и Франции, с Йомиури Ниппон и Юрием Темиркановым в Японии, с Оркестром города Лиона и Леонардом Слаткиным, с Национальным оркестром Венгрии и Золтаном Кочишем, выступления в Австрии и Германии, сольные концерты в рамках Фортепианного фестиваля в Руре (Klavier Festival Ruhr) и фестиваля «Флорентийский музыкальный май» (Maggio Musicale Fiorentino).

В рамках американского тура музыкант выступит с сольными концертами в Бостоне, Вашингтоне и Нью-Йорке в CarnegieHall (в серии KeyboardVirtuosos). В Европе сольные концерты состоятся в Мадриде (AuditorioNacionaldeMusica), в Лондоне в RoyalFestivalHall (в рамках InternationalPianoSeries) и в Амстердаме в знаменитом Concertgebow (в серии MasterPianists). Сольный тур по Германии будет включать концерты в Берлине (Konzerthaus), Мюнхене (Hercules), Франкфурте (Alte Oper), Дюссельдорфе (Tonhalle).

Музыкант регулярно принимает участие во всемирно известных фестивалях, среди которых Эдинбургский фестиваль (Великобритания), Festspielhaus в Баден-Бадене, Schleswig-Holstein и Rheingau (Германия), музыкальный фестиваль в Вербье (Швейцария), Ravinia и HollywoodBowl (США), «Звезды белых ночей» в Санкт-Петербурге (Россия), Люцернский фестиваль (Швейцария), Фестиваль Брукнера (Австрия), BalticSeaFestival (Швеция) и ряде других.

Денис Мацуев — солист Московской филармонии с 1995 года. С 2004 года он представляет свой ежегодный персональный абонемент «Солист Денис Мацуев». В абонементе вместе с пианистом выступают ведущие оркестры России и зарубежья. В концертах абонемента последних сезонов приняли участие Симфонический оркестр Артуро Тосканини и Л. Маазель, Симфонический оркестр Мариинского театра и В. Гергиев, оркестр MaggioMusicale и З. Мета, Российский национальный оркестр под управлением М. Плетнева, дирижеры С. Бычков, Дж. Нозеда, П. Ярви и В. Спиваков в качестве солиста и дирижера Национального филармонического оркестра России.

Несмотря на исключительную востребованность за рубежом, Денис Мацуев считает своим приоритетом развитие филармонического искусства в регионах России и значительную долю своих концертных программ представляет именно в России, ежегодно посещая с концертами и музыкальными проектами более 30 городов, от Калининграда до Владивостока. Стоит также отметить, что он активно сотрудничает с региональными оркестрами. В прошлом сезоне прошли музыкальные фестивали в Казани, Перми, Оренбурге и Челябинске, благотворительные концерты для пострадавших от наводнения на Дальнем Востоке, в Хабаровске и Комсомольске-на-Амуре.

Уже многие годы Денис Мацуев является директором и вдохновителем целого ряда музыкальных фестивалей, образовательных и просветительских проектов. C 2004 года он проводит фестиваль «Звезды на Байкале» в родном Иркутске, а с 2005 года является художественным руководителем Музыкального фестиваля Crescendo, проходящего в Москве, Санкт-Петербурге, Екатеринбурге, Калининграде, Пскове, Тель-Авиве, Париже и Нью-Йорке. В 2010 г. Денис Мацуев вошел в состав руководителей Фестиваля искусств города Анси (Франция). В 2012 г. стал художественным директором Международного фестиваля и конкурса молодых пианистов AstanaPianoPassion.

Особая ответственность музыканта – работа с Межрегиональным благотворительным фондом «Новые имена», воспитанником, а в настоящее время Президентом которого он является. Фонд за свою двадцатипятилетнюю историю благодаря самоотверженной работе основателя фонда Иветты Вороновой воспитал несколько поколений артистов и теперь под руководством Дениса Мацуева продолжает расширять свою просветительскую деятельность в области поддержки талантливых детей. В настоящее время — в рамках Всероссийской программы «Новые имена – регионам России», которая ежегодно проходит более чем в 20 городах нашей страны.

Весной 2007 года, благодаря сотрудничеству Дениса Мацуева и Александра Рахманинова увидел свет сольный альбом, ставший своего рода вехой в творчестве музыканта, — «Неизвестный Рахманинов». Запись неизвестных сочинений С. В. Рахманинова была сделана на рояле композитора в его доме «Вилла Сенар» в Люцерне. Триумфальное выступление пианиста с сольной программой в Карнеги-холле в Нью-Йорке в ноябре 2007 г. предстало в новом качестве — в сентябре 2008 г. компанией SonyMusic был выпущен новый альбом музыканта: DenisMatsuev. ConcertatCarnegieHall. В апреле 2013 г. прошла презентация диска с записью Второго фортепианного концерта Рахманинова и Рапсодии в стиле блюз Дж. Гершвина, сделанной с Нью-Йоркским филармоническим оркестром под управлением А. Гилберта.

Диск «Концерты для фортепиано с оркестром Чайковского № 1 и № 2» признан «Альбомом месяца» авторитетнейшим английским журналом Gramophone в апреле 2014 г. «Первый фортепианный концерт Чайковского был записан такое множество раз, что справедливо возникает вопрос – нужна ли нам еще одна запись? Послушайте этот диск, и все сомнения рассеются. Неважно, насколько хорошо вы знакомы с этим произведением – я гарантирую, что данное исполнение полностью перевернет ваше представление о нем, — пишет Джереми Николас. — Я уже не говорю о том, что эталонных интерпретаций Первого и Второго концертов для фортепиано с оркестром Чайковского на одном диске практически не существует в природе – а это именно то, что мы обретаем здесь, поскольку трактовка Мацуевым и Гергиевым Второго фортепианного концерта столь же впечатляюща».

Денис Мацуев — Арт-директор фонда им. С. В. Рахманинова. В 2006 г. пианист вошел в состав Совета по культуре и искусству при Президенте Российской Федерации, а также был удостоен звания «Заслуженный артист России». В 2010 г. Денис Мацуев был награжден Премией им. Д. Д. Шостаковича и стал лауреатом Государственной премии Российской Федерации в области литературы и искусства. В 2011 г. ему было присвоено звание «Народный артист России». В декабре 2011 г. музыкант стал Почетным профессором МГУ им. М. В. Ломоносова. В 2012 г. Денис Мацуев возглавил Общественный совет при Министерстве культуры РФ. В 2014 г. пианист был удостоен чести выступать на официальной церемонии закрытия XXII Зимних Олимпийских игр в г. Сочи.

В апреле 2014 г. ЮНЕСКО присвоила Денису Мацуеву почетное звание «Посол доброй воли ЮНЕСКО».

Александр Сладковский

Народный артист России, художественный руководитель и главный дирижер Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан Александр Сладковский – выпускник Московской и Санкт-Петербургской консерваторий. Как дирижер дебютировал в Государственном театре оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории в 1997 г. с оперой Моцарта «Так поступают все». В 1999 г. А. Сладковский стал лауреатом III Международного конкурса дирижеров имени С. С. Прокофьева.

С 1997 по 2006 год Александр Сладковский являлся дирижером Симфонического оркестра Государственной академической Капеллы Санкт-Петербурга, главным дирижером Государственного театра оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории, Капеллы Санкт-Петербурга.

В 2005 г. был приглашен Марисом Янсонсом в качестве ассистента для постановки оперы «Кармен» Бизе, а в 2006 г. — Мстиславом Ростроповичем для участия в постановке программы «Неизвестный Мусоргский» (обе постановки в Санкт-Петербургской консерватории).

С 2001 по 2005 год был главным дирижером Национального студенческого симфонического оркестра России (совместный проект Министерства культуры РФ и Санкт-Петербургской консерватории), в состав которого входили студенты и аспиранты Санкт-Петербургской, Новосибирской, Екатеринбургской, Казанской, Саратовской консерваторий.

В 2001 г. в Эрмитажном театре дирижировал в концерте в честь визита Ее Величества Королевы Нидерландов Беатрикс, также дирижировал в концертах в честь Президента РФ В. Путина, Президента СССР М. Горбачева, Президентов США Б. Клинтона и Дж. Буша.

С 2006 по 2010 год являлся дирижером Государственного симфонического оркестра «Новая Россия» под руководством Юрия Башмета.

С 2010 г. Александр Сладковский — художественный руководитель и главный дирижер Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан.

Оркестры под управлением Александра Сладковского принимали участие в крупных международных и федеральных проектах и фестивалях, среди которых «Музыкальный Олимп», «Петербургская музыкальная весна», фестиваль Юрия Темирканова «Площадь искусств», «Черешневый лес», Всероссийский конкурс оперных певцов Ирины Богачевой, «Молодежные Академии России» фонда Александра Чайковского, фестиваль «Родион Щедрин. Автопортрет», Young Euro Classic (Берлин), XII и XIII Пасхальные фестивали, Crescendo, «Звезды на Байкале», «Оренбургские сезоны Дениса Мацуева», Schleswig-Holstein Musik Festival, Kunstfest-Weimar, Budapest Spring Festival 2006, V Фестиваль симфонических оркестров мира, XI Woerthersee Classics Festival (Клагенфурт, Австрия), «Безумный день в Японии», фестиваль «Хибла Герзмава приглашает», «Опера Априори» и другие.

В своих концертах А. Сладковский исполняет музыку современных композиторов: А. Петрова, Р. Щедрина, Г. Канчели, С. Губайдулиной, А. Рыбникова, А. Эшпая, С. Слонимского, Б. Тищенко, Ю. Красавина, Р. Леденева, а также сочинения молодых композиторов Москвы, Санкт-Петербурга, Казани и Екатеринбурга. Неоднократно исполнял сочинения А. Чайковского, в 2003 г. дирижировал мировой премьерой его Третьей симфонии в Большом зале Московской консерватории.

Александр Сладковский выступал в концертах с известными российскими и зарубежными исполнителями. Среди них пианисты Д. Мацуев, М. Плетнев, Б. Березовский, Б. Дуглас, Н. Луганский, А. Торадзе, Е. Мечетина, К. Башмет, скрипачи В. Третьяков, В. Репин, В. Глузман, Л. Кавакос, Ю. Рахлин, С. Крылов, А. Баева, Д. Ситковецкий, альтист Ю. Башмет, виолончелисты Д. Герингас, А. Князев, М. Брунелло, А. Рудин, А. Менезес, гобоист А. Огринчук, кларнетист И. Федоров, трубач С. Накаряков, певцы М. Кабалье, О. Бородина, Х. Герзмава, С. Кермес, А. Шагимуратова, Суми Йо, Д. Алиева, Р. Аланья, П. Доминго, Д. Хворостовский, В. Герелло, И. Абдразаков, М. Фолле.

В сезоне 2013/14 был приглашен оркестром Национальной академии Santa Cecilia (Рим) продирижировать концертами в честь юбилея С. В. Рахманинова, сразу после этого маэстро поступило предложение исполнить произведения П. И. Чайковского.

В качестве приглашенного дирижера сотрудничал также с оркестром Большого театра России, Госоркестром России им. Е. Ф. Светланова, Российским национальным оркестром, Заслуженным коллективом России академическим симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии, БСО им. П. И. Чайковского, Национальным филармоническим оркестром России, с оркестром Symphonica-Siciliana (Италия), Дрезденским филармоническим оркестром, симфоническими оркестрами Нижней Саксонии и Будапештской Национальной оперы, оркестром Оперного театра Сан-Паулу (Бразилия), оркестрами Московской, Новосибирской и Белградской филармоний, Sinfonia Varsovia, с оркестром Maggio Musicale Fiorentino, Филармоническим оркестром Монте-Карло, с оркестром Concerto Budapest (Венгрия).

Александр Сладковский — основатель и художественный руководитель шести музыкальных фестивалей в Казани: «Рахлинские сезоны», «Белая сирень», «Казанская осень», Concordia, «Денис Мацуев у друзей», «Творческое открытие». Концерты Государственного симфонического оркестра РТ, которые состоялись в рамках фестиваля «Денис Мацуев у друзей», были показаны на телеканале Medici.tv, концерт в рамках абонемента «Солист Денис Мацуев» — на Mezzo. Оркестр РТ под руководством Сладковского — первый российский региональный коллектив, выступление которого было записано на этом популярном во всем мире телеканале. В 2012 г. ГСО РТ под управлением Сладковского записал Антологию музыки композиторов Татарстана и альбом «Просветление» (в диск вошли симфония «Манфред» Чайковского и симфоническая поэма «Остров мертвых» Рахманинова) на лейблах Sony Music и RCA Red Seal Records. 2 апреля 2014 г. оркестр под управлением Александра Сладковского принял участие в концерте в Штаб-квартире ЮНЕСКО в Париже, где проходила церемония присвоения звания Посла доброй воли Денису Мацуеву.

С 2013 года Александр Сладковский является артистом Sony Music Entertainment Russia.

Александр Сладковский — народный артист России, дирижер года в России по версии газеты «Музыкальное обозрение» (2011), лауреат премии Олега Янковского «Творческое открытие 2011–2012». Член Совета по государственной культурной политике при Председателе Совета Федерации Федерального Собрания Российской Федерации.

А. Сладковский — Посол Универсиады-2013, главный дирижер церемоний открытия и закрытия XXVII Всемирной летней Универсиады–2013. Удостоен Благодарности Президента Республики Татарстан Рустама Минниханова за вклад в популяризацию и развитие студенческого спорта в РФ и продвижение идей XXVII Всемирной летней Универсиады 2013 года в г. Казани, памятной медалью от имени Президента РФ Владимира Путина и грамотой за вклад в подготовку и проведение XXVII Всемирной летней Универсиады 2013 года в г. Казани. Почетный доктор международной кафедры ЮНЕСКО Университета управления ТИСБИ (Татарский институт содействия бизнесу). Победитель республиканского конкурса «Благотворитель года» в 2011 и 2013 годах. Лауреат конкурса «Бэллур калэм — Хрустальное перо» 2013 года в номинации «Признание». Обладатель премии «ТОП-35. Самые знаменитые люди Казани». Обладатель премии журнала «Татарстан» «Главный по факту». Отмечен Благодарственным письмом Президента РТ за активное участие в строительстве первого Детского хосписа в Республике Татарстан.

Награжден медалью «В память 300-летия Петербурга», памятным знаком-медалью «Николай Римский-Корсаков», орденом «Дуслык» – «Дружба».

Витольд Лютославский

Витольд Лютославский (25 января 1913, Варшава, Российская империя — 7 февраля 1994, Варшава, Польша) — польский композитор и дирижёр, один из крупнейших музыкантов XX века.

Родился в семье помещиков, сын политического деятеля Юзефа Лютославского (1881—1918), арестованного и убитого большевиками в московской тюрьме. Сочинял музыку с девятилетнего возраста (Прелюдия для фортепиано, 1921), учился игре на скрипке и фортепиано. Закончил Варшавскую консерваторию в 1937 году, параллельно изучал математику — студент Варшавского Университета (1931—1933).

В Варшавской консерватории Лютославский учился у известного российского и польского композитора, профессора Витольда Осиповича Малишевского (1873—1939), ученика Н. А. Римского-Корсакова и основателя Одесской консерватории (1913). Именно талантливый педагог Малишевский заложил основы композиторского мастерства Лютославского (другим известным учеником В. О. Малишевского был Н. Н. Вилинский). Лютославский высоко ценил музыкальные произведения другого выдающегося композитора XX века — Игоря Стравинского. Как композитор также складывался и под влиянием Кароля Шимановского, увлекался мазовецким фольклором.

Во время Второй мировой войны был мобилизован, попал в плен, но сумел бежать по пути в концлагерь. Подрабатывал в варшавских кафе вместе с Анджеем Пануфником, собирая средства для артистов, скрывающихся от нацизма (в том числе, для Владислава Шпильмана). После 1948 года польские сталинисты, следуя ждановским курсом, обвинили Лютославского в формализме. В 1950-е годы он пришёл к серийной технике, что также вызвало неудовольствие властей. После премии ЮНЕСКО (1959) и исполнения Струнного квартета в Стокгольме (1965) к композитору приходит международное признание.

Сочинение «Три стихотворения Анри Мишо» считается образцом хорового авангарда XX века; во II его части («Великая битва») использована коллективная 20-голосная декламация без точной фиксации музыкальной высоты; в целом это — шокирующая сонористическая картина в динамическом диапазоне от шёпота до крика, с шумовой канонадой ударных, «инфернальными» трубными сигналами, магическими возгласами «Абрах!» и т.п.

Лютославскому принадлежат четыре симфонии, концерт для оркестра, ряд камерных и вокальных сочинений, в том числе — на слова А. Мишо, Р. Десноса, К. Иллакович, Ю. Тувима и других поэтов. Он — первый лауреат Премии Гравемайера (1985, за Третью симфонию), лауреат премии имени Соннинг и премии Гердера (обе — 1967), премии Эрнста Сименса (1983), премии Киото (1993), награждён золотой медалью Королевского филармонического общества Великобритании (1987), кавалер французского Ордена искусств и литературы, польского Ордена Белого орла (1994), почётный доктор многих университетов, включая Кембриджский.

Его произведения исполняли лучшие музыканты мира, среди которых Мстислав Ростропович, Хайнц Холлигер, Дитрих Фишер-Дискау, Анне-Софи Муттер, Дон Апшоу, Георг Шолти, Эса-Пекка Салонен, Антони Вит и многие другие.

Композитор и его жена похоронены на варшавском кладбище Повонзки. Концерт «Аура» памяти Лютославского (1994) написал Магнус Линдберг, «Пути» для трубы (1994) — Тору Такэмицу, «Прощальная музыка» (Farewell Music) для орк. (1997) — Кшиштоф Мейер.

Джордж Гершвин

Джордж Гершвин (настоящее имя Jacob Gershowitz — Яков, или Джейкоб Гершовиц) — американский композитор.

Гершвин родился 26 сентября 1898 года в нью-йоркском квартале Бруклин, в семье еврейских эмигрантов из России. Его отец был родом из Санкт-Петербурга. Настоящие имя и фамилия композитора — Янкель Гершовиц. С детства впитывавший джазовую культуру (говорят, что впервые Гершвин услышал джазовую музыку в 6 лет), он был любителем джазовых концертов и в 12 лет начал самостоятельно учиться играть на фортепиано. Много позже, став прославленным композитором, Гершвин не переставал учиться, совершенствовать свою технику. Во время таких занятий он познакомился с уникальными американскими композиторами тех лет — Генри Кауэллом, Уоллингфордом Риггером и русским профессором Джозефом Шиллингером (последний примечателен тем, что подходил к процессу сочинения музыки с математических позиций, пытаясь разработать универсальный алгоритм).

В 1914 году Гершвин начал профессионально заниматься музыкой, работая аккомпаниатором в компании Джерома Ремика. Уже через два года было выпущено первое авторское произведение молодого Гершвина — «When You Want 'Em You Can’t Get 'Em». Несмотря на то, что оно не пользовалось особым успехом публики, Гершвин привлек внимание некоторых известных бродвейских продюсеров и режиссёров. Например, Зигмунд Ромберг с радостью включил музыку Гершвина в свою оперетту «The Passing Show of 1916». В те годы Гершвин, занимаясь фортепиано, гармонией и оркестровкой, подрабатывал пианистом в ресторанах.

В 1918—1919 годах на Бродвее появилось много произведений Гершвина: «Swanee» вошла в мюзикл «Синбад» и имела ошеломляющий успех в исполнении Эла Джолсона. А постановка «La, La Lucille» 1919 года была полностью основана на сочинениях Гершвина.

В 1920—1924 годах Джордж Гершвин создавал по нескольку десятков произведений для «George White’s Scandals», а в 1922 году написал даже настоящую оперу — «Blue Monday» (известную как «135th Street»), после премьеры которой был приглашен в джаз-бэнд Пола Уайтмена в качестве композитора. Именно для Уайтмена Джордж сочинил настоящую жемчужину своего творчества — «Rhapsody in Blue» («Рапсодия в блюзовых тонах»).

В 1924 году Гершвин создал мюзикл «Lady, Be Good!», который стал первым настоящим успехом композитора на Бродвее. В этой постановке Гершвин впервые работал со своим братом Айрой Гершвином, который писал все тексты. Следующее десятилетие этот творческий союз был самым продуктивным и востребованным на Бродвее. Самым удачным их шоу было «Of Thee I Sing», 1931; за него они получили Пулитцеровскую премию, впервые присуждённую музыкальной постановке.

Самой масштабной и амбициозной работой в биографии Гершвина стала «фольклорная» опера «Porgy and Bess», 1935, поставленная по роману Дюбоса Хейворда, принимавшего участие и в написании либретто для оперы.

В начале 1937 года у него обнаружились симптомы опухоли головного мозга. Гершвина помещают в Лебенен-клинику, где он умер утром 11 июля 1937 года, не приходя в сознание после операции по удалению опухоли.

Жозеф Морис Равель

Жозеф Морис Равель (7 марта 1875 — 28 декабря 1937) — французский композитор-импрессионист, дирижер, один из реформаторов музыки XX века.

Морис Равель родился 7 марта 1875 года в городе Сибур на юге Франции (ныне департамент Атлантические Пиренеи). В 1882 году начал заниматься фортепиано у Анри Гиза, с 1887 года занимался гармонией у Шарля Рене. Город Сибур находился на самой границе с Испанией, где в это время служил его отец инженер-путеец, страстный любитель музыки, прививший эту любовь своему сыну.

В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию, которую закончил по классу фортепиано. Молодому музыканту очень много помогал его учитель Шарль де Берио, известный пианист того времени. Однако интерес к импровизации, созданию композиции появился у Равеля после знакомства с творчеством «подпольного» родоначальника музыкального импрессионизма и просто экстравагантного композитора Эрика Сати, а также личной встречи с другим композитором и пианистом Рикардо Виньесом. Именно после этого у Мориса появилась страсть к сочинительству. Спустя двадцать и тридцать лет, несмотря на сложные личные отношения, Равель неоднократно подчеркивал, сколь многим в своем творчестве он обязан Сати и называл его не иначе, как своим «Предтечей» (или Прекурсором).

На последнем году обучения он попал в класс к крупному французскому композитору Габриэлю Форе. По его инициативе Равель сочинил цикл произведений на испанские мелодии — «Хабанеру», «Павана на смерть инфанты», «Античный менуэт». После окончания консерватории за период 1900-1914 гг он пишет множество сочинений.

Когда слушаешь музыку этого композитора, то создается впечатление, будто наблюдаешь за работой художника создающего свое полотно. Однако, как и у большинства новаторов, творчество Мориса Равеля некоторое время не было признано в профессиональных академических кругах. Так, Морис Равель целых три раза подряд участвовал в конкурсе на получение Римской Премии: в 1901, 1902 и 1903 году. Первый раз он проиграл состязание Андре Капле (получив так называемую «Малую римскую премию»), второй раз — ученику профессора Шарля Леневе со знаменитым композиторским именем Эме Кунцу, и наконец, в третий раз его затмевает великий композитор по имени Рауль Лапарра, также ученик Леневе… В 1904 году Равель уже сознательно воздерживается от участия в конкурсе, чтобы собраться с силами для последней попытки. Это был последний возможный для него год, поскольку в дальнейшем он уже не мог претендовать на соискание премии ввиду того, что приближался к установленному для участников конкурса предельному возрасту — тридцати годам. Наконец, в 1905 году Морис Равель, уже широко исполняемый и известный в Париже музыкант-новатор (по совету симпатизировавшего ему Габриэля Форе) в последний раз просит допустить его к участию в конкурсе.

И вот, в результате этого, четвертого и последнего выдвижения разразилось так называемое «скандальное дело Равеля», немало укрепившее славу молодого музыканта и одновременно, покрывшее исторической позолотой французских академиков от музыки… В ответ на свою заявку Морис Равель получает уклончивый официальный отказ в допущении к конкурсу с формальной ссылкой на возрастные ограничения (которые к тому моменту еще не наступили). Таким образом, Морис Равель не смог поставить свой возрастной рекорд получения Римской Премии (и стать «самым старым» лауреатом, в противовес члену жюри и самому молодому лауреату Эмилю Паладилю). Равель не стал самым старшим (или старым) лауреатом Римской Премии. Однако истинная причина недопущения его к конкурсу лежала, разумеется, не в возрасте, а в раздражении членов жюри его «разрушительной, антимузыкальной» деятельностью, вернее говоря, импрессионистской эстетикой его ярких произведений, к тому времени уже пользовавшихся известностью (к примеру, уже много раз была исполнена его знаменитая «Игра воды»). Комментируя решение жюри, маститый академик Эмиль Паладиль ворчал: «Мсье Равель волен считать нас бездарными рутинерами, но пусть не думает, что нас можно принимать за дураков…» Это решение Музыкального совета Академии искусств, в состав которого входили композиторы Ксавье Леру, Жюль Массне, Эмиль Паладиль, Эрнест Рейер, Шарль Леневе и директор консерватории Теодор Дюбуа, вызвало целую бурю негодования и протестов как среди музыкантов, так и около-музыкальной печати. Скандал приобрел особенно острый, «антикоррупционный» характер, когда кроме всего прочего выяснилось, что абсолютно все кандидаты на Большую Римскую Премию, допущенные к конкурсу 1905 года — являлись учениками одного и того же профессора — Шарля Леневе.

«Беспрецедентный цинизм жюри!», «Позорное решение пристрастных судей!» — примерно под такими заголовками большинство парижских газет напечатало возмущенные отклики композиторов, писателей, художников и просто любителей музыки. Сам Равель, впрочем, воспринял решение академиков внешне спокойно и почти не высказывался по этому поводу. Но известный музыкальный критик Жан Марнольд, все симпатии которого находились в сфере постепенно набирающего силу импрессионизма, выступил с разгромной статьей, кончавшейся следующей гневной тирадой:

Набор трех фамилий, названных Жаном Марнольдом по существу не был случайным, но представлял собой собрание трех символов: «Академия, Консерватория и Профессура» — вечно противостоящих всему новому и живому в искусстве. Скандал получил настолько широкий общественный резонанс, что содействовал не только резкому повышению авторитета и популярности самого Мориса Равеля, но и некоторому обновлению музыкальной жизни Парижа. В результате — многолетний директор консерватории, консерватор и ретроград Теодор Дюбуа был вынужден уйти со своего поста. На его место был назначен Габриэль Форе. Этим было положено начало нового времени в парижской консерватории, несколько освежившей затхлую атмосферу этого учреждения и одновременно встряхнувшей музыкальную жизнь Парижа.

Весной 1905 года, после «скандального дела Равеля» в жизни композитора прошла строгая черта. Равель окончательно порвал с консерваторией и академическими кругами. Не допущенный к конкурсу, он, тем не менее, вышел победителем в глазах всего музыкального и интеллектуального общества. К нему приковано всеобщее внимание, его известность возрастает буквально с каждым днем, его сочинения издаются нарасхват, исполняются в концертах, о нем говорят и спорят. Впервые Равель становится вторым лидером музыкального импрессионизма и выходит на одну высоту с Клодом Дебюсси, композитором, которого он прежде всегда уважал.

В первый же месяц войны с Германией Морис Равель попал в число мобилизуемых в действующую армию. Однако, несмотря на хорошее состояние здоровья, медицинская комиссия не приняла его ни в один род войск. Причиной тому был слишком маленький рост Равеля, не подходивший ни под один из армейских стандартов, и, как следствие, явно недостаточный для солдата вес тела. В течение трех месяцев Равель, используя все свои связи, упорно добивался, чтобы его все же приняли в действующую армию. В конце концов, в октябре 1914 года он добился своего и был принят добровольцем в автомобильный дивизион, где и прослужил шофером грузовика чуть более трех лет, сначала при инфантерии, а потом при авиационном полку. В начале 1918 года, совершенно подорвав на службе свое здоровье, он был комиссован по болезни. Патриотический порыв Равеля уже после войны не раз служил предметом для ехидных подтруниваний его вечного «учителя» и соперника, Эрика Сати, поскольку оба они, и Равель, и Сати относились к государству чрезвычайно недоверчиво и скептически:

После войны в музыке Равеля стало преобладать эмоциональное начало. Поэтому от сочинения опер он переходит к созданию инструментальных пьес и пишет сюиту «Гробница Куперена». Примерно в это же время Морис Равель знакомится со знаменитым русским продюсером и постановщиком С. Дягилевым, ставящим в Париже «Русские сезоны». Специально по его заказу ставится балет на музыку Равеля «Дафнис и Хлоя», в главной партии — В. Нижинский — великий русский танцовщик. Затем будет поставлен еще один балет, «Вальс». Сочинение после премьеры стало использоваться как отдельное произведение. Наступает время рассвета славы Мориса Равеля.

Однако популярность и известность гнетут композитора, и он переезжает из Парижа в местечко Монфор-Ламори, что в принципе не означает отказ от дальнейшей музыкальной деятельности.

Равель много гастролирует: выступает с турами в Италии, Голландии и Англии. И всюду его встречал восторженный прием благодарных почитателей. По заказу русского дирижера С. Кусевицкого Равель выполняет оркестровку «Картинок с выставки» М. П. Мусоргского. Все это происходит во время работы Мориса над самым известным его произведением «Болеро». В нем композитор пытался соединить классические традиции с ритмами испанской музыки. Замысел этого произведения принадлежит знаменитой балерине Иде Рубинштейн.

Сорасположенность частей, их строгая последовательность в развитии главной темы позволили передать танцевальную стихию испанской музыки. Знаменитая русская балерина Анна Павлова включила «Болеро» в свой репертуар. В 1925 году М. Равель завершил работу над новаторским произведением «Дитя и чудеса (волшебство)». Оно было названо оперой-балетом. Наряду с традиционными инструментами впервые прозвучал, при исполнении этого произведения, инструмент композитора — элиофон, искусно имитирующий порывы ветра.

В 1932 году Равель вновь совершает турне по Европе вместе с выдающейся пианисткой Маргаритой Лонг. В это же время он начинает работы над новым произведением — балетом «Жанна д’Арк». Однако попадает в автомобильную катастрофу, и работа прекращается. Начиная с 1933 года Равель страдал от серьезного неврологического заболевания, ставшего, возможно, последствием черепно-мозговой травмы, которую он получил в автокатастрофе. Последним произведением тяжело больного композитора были «Три песни» к первому звуковому фильму «Дон Кихот». Они были написаны для русского певца Ф. И. Шаляпина.

Композитор умер 28 декабря 1937 года в Париже после неудачно проведенной операции на головном мозге, предпринятой с целью лечения афазии. Похоронен на кладбище парижского пригорода Леваллуа-Перре.

Джордже Энеску

«Всю свою жизнь я поставил на службу искусству, а мое искусство призвано служить всему миру. Мир должен узнать истинное лицо моей страны; всюду, где мне только приходится бывать, я не забываю, что в этом – моя первейшая обязанность» (Джордже Энеску).

Один из наиболее значительных европейских художников первой половины ХХ столетия, Джордже Энеску принадлежит к числу тех музыкантов, чьи имена еще при жизни становятся легендами. По выражению самого Энеску, в нем сочетались «пять музыкантов» – композитор, скрипач, дирижер, пианист и педагог. Его исключительный по силе и многообразию талант проявлялся во всем, что он делал во славу родного румынского искусства.

Основная заслуга музыканта состоит в том, что Джордже Энеску заложил фундамент современной композиторской школы Румынии и ввел ее в панораму европейского и мирового искусства ХХ века. Его творчество, ставшее классикой румынской музыки, выразило прогрессивные устремления эпохи в самобытном и ярком воплощении большого художника.

Джордже Энеску родился в 1881 году в селе Ливени-Вырнав на севере Молдовы (ныне – Джордже Энеску). Скончался в 1955 году в Париже. Первые семь лет жизни он провел в сельской местности. Детские впечатления от родной природы, от жизни крестьян и народного творчества во многом определили дальнейшее формирование его личности. Музыкальное образование Энеску получил в двух старейших консерваториях Европы. В Венской он учился как скрипач (1888-1893), и здесь были заложены первоначальные классико-романтические основы его музыкального мышления. В Парижской консерватории (1894-1899) Энеску обучался двум специальностям: как скрипач в классе П.Марсика и в классе композиции, где его наставниками были сначала Ж.Массне, а затем Г.Форе. Юность Энеску прошла в атмосфере расцвета музыкального импрессионизма.

Как артист он дебютировал на исходе XIX века: это было выступление девятилетнего скрипача. Первым выступлением Энеску-дирижера стал концерт в 1898 в Бухаресте, когда он исполнил свою «Румынскую поэму» (в дальнейшем под управлением Энеску впервые в Румынии были исполнены: 9-я симфония Бетховена, «Осуждение Фауста» Берлиоза, 7-я симфония Шостаковича). Многих поражала феноменальная музыкальная память Энеску, исполнявшего наизусть сложнейшие партитуры. Добавим, что он был также тонким мастером камерного ансамблевого музицирования, выступал в камерных вечерах как скрипач, альтист и пианист с такими своими современниками, как Ф.Крейслер и А.Казелла, А.Корто и Ж.Тибо, Б.Барток и Э.Изаи, П.Казальс, Д.Липатти и Д.Ойстрах.

Музыкальная разносторонность Энеску, широта его художественных взглядов нашли блестящее отражение в его педагогической деятельности. Он воспитал целую плеяду видных скрипачей, в том числе одного из крупнейших музыкантов современности – И.Менухина.

Джордже Энеску неоднократно бывал в России (1909, 1917, 1946). Его первое выступление состоялось 10 ноября 1909 года в петербургском зале Дворянского собрания (ныне – Большой зал Петербургской филармонии) на открытии VII сезона симфонических концертов А. Зилоти. Уже тогда он предстал перед слушателями как композитор (обе Румынские рапсодии), дирижер (Бранденбургский концерт И.С.Баха) и скрипач (впервые в России он исполнил незадолго до того обнаруженный концерт Моцарта).

Творчество и исполнительское искусство Энеску высоко ценили П.Казальс, А.Оннегер, Д.Ойстрах, Д.Шостакович и др. Однако, если слава Энеску-скрипача и дирижера была всемирной, то его композиторское творчество не получило при жизни автора заслуженной известности.

В количественном отношении наследие Энеску сравнительно невелико. Композитор неоднократно повторял, что тщательно обдумывал свои произведения, прежде чем отдать их на суд слушателей. Кроме того, много времени отнимала исполнительская и общественная деятельность. И все же творчество Энеску охватывает почти все музыкальные жанры. Он – автор трех симфоний (1905, 1914, 1919), трех оркестровых сюит (1903, 1915, 1918), «Концертной увертюры» на румынские темы для симфонического оркестра (1948). Выдающимся явлением искусства ХХ века явилась опера Энеску «Эдип» (1932). Видное место в наследии композитора занимает камерная музыка: струнный октет, «Децимет» для духовых инструментов, струнные и фортепианные квартеты, фортепианный квинтет, сонаты для различных инструментов, вокальные циклы и др. Последним законченным произведением Энеску была «Камерная симфония» для 12 сольных инструментов (1954).

Сергей Васильевич Рахманинов

Сергей Васильевич Рахманинов (1 апреля (20 марта) 1873 — 28 марта 1943) — русский композитор, пианист и дирижер.
Синтезировал в своем творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.

Сергей Васильевич Рахманинов родился 1 апреля 1873 года в дворянской семье. Долгое время местом рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода; исследования последних лет называют усадьбу Семеново Старорусского уезда Новгородской губернии (Россия).

Отец композитора, Василий Аркадьевич (1841―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным. Мать, Любовь Петровна (урожденная Бутакова) ― дочь директора Кадетского корпуса генерала П. И. Бутакова. Дед композитора по отцовской линии, Аркадий Александрович, был музыкантом, учился игре на фортепиано у Дж. Филда и выступал с концертами в Тамбове, Москве и Петербурге. Сохранились романсы и фортепианные пьесы его сочинения, в том числе «Прощальный галоп 1869-му году» для фортепиано в четыре руки. Василий Рахманинов тоже был музыкально одаренным, но музицировал исключительно любительски.

Интерес С. В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская. При ее поддержке осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В. В. Демьянского. Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н. С. Звереву.

Несколько лет провел Рахманинов в известном московском частном пансионе музыкального педагога Николая Зверева, воспитанником которого был также Александр Николаевич Скрябин и многие другие выдающиеся русские музыканты (Александр Ильич Зилоти, Константин Николаевич Игумнов, Арсений Николаевич Корещенко, Матвей Леонтьевич Пресман и др). Здесь в возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Петру Ильичу Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта.

В 1888 году Рахманинов продолжил обучение на старшем отделении Московской консерватории в классе двоюродного брата А. И. Зилоти, а спустя год под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского начал заниматься композицией.

В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист (у А. И. Зилоти) и как композитор с большой золотой медалью. К тому времени появилась его первая опера — «Алеко» (дипломная работа) по произведению А. С. Пушкина «Цыганы», первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для фортепиано, в том числе, прелюдия до-диез минор, которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова.

В возрасте 20 лет, из-за нехватки денег, он стал преподавателем в московском Мариинском женском училище, в 24 года — дирижером Московской русской частной оперы Саввы Мамонтова, где работал в течение одного сезона, однако успел сделать значительный вклад в развитие русской оперы.

Рахманинов рано приобрел известность как композитор, пианист и дирижер. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии (дирижер — А. К. Глазунов), которая окончилась полным провалом как из-за некачественного исполнения, так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки. По мнению А. В. Оссовского, определенную роль сыграла неопытность Глазунова как руководителя оркестра во время репетиций. Это событие послужило причиной серьезной нервной болезни. В течение 1897—1901 годов Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра, доктора Николая Даля, помогла ему выйти из кризиса.

В 1901 году закончил свой Второй фортепианный концерт, создание которого ознаменовало выход Рахманинова из кризиса и одновременно — вступление в следующий, зрелый период творчества. Вскоре он принял приглашение занять место дирижера в московском Большом театре. После двух сезонов отправился в путешествие по Италии (1906 г.), затем на три года поселился в Дрездене, чтобы полностью посвятить себя композиции. В 1909 году Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижер. В 1911 году С. В. Рахманинов, находясь в Киеве, по просьбе своего друга и коллеги А. В. Оссовского прослушал молодую певицу Ксению Держинскую, вполне оценив ее талант; он сыграл большую роль в становлении оперной карьеры знаменитой певицы.

Вскоре после революции 1917 года воспользовался неожиданно пришедшим из Швеции предложением выступить в концерте в Стокгольме и в конце 1917 года вместе с женой Натальей Александровной и дочерьми покинул Россию. В середине января 1918 года Рахманинов отправился через Мальме в Копенгаген. 15 февраля он впервые выступил в Копенгагене, где сыграл свой Второй концерт с дирижером Хеэбергом. До конца сезона он выступил в одиннадцати симфонических и камерных концертах, что дало ему возможность расплатиться с долгами.

1 ноября 1918 года, вместе с семьей, отплыл из Норвегии в Нью-Йорк. Вплоть до 1926 года не писал значительных произведений; творческий кризис, таким образом, продолжался около 10 лет. Лишь в 1926—1927 гг. появляются новые произведения: Четвертый концерт и Три русские песни. В течение жизни за рубежом (1918—1943 гг.) Рахманинов создал всего 6 произведений, которые принадлежат к вершинам русской и мировой музыки.

Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан одним из величайших пианистов своей эпохи и крупнейшим дирижером. В 1941 году закончил свое последнее произведение, многими признанное как величайшее его создание, — Симфонические танцы. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии. Денежный сбор от одного из своих концертов передал в Фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу».

Последние годы Рахманинова были омрачены смертельной болезнью (рак легких). Однако несмотря на это, он продолжал концертную деятельность, прекращенную лишь незадолго до смерти.

Рахманинов умер 28 марта 1943 года в Беверли-Хиллз, штат Калифорния США.

Творческий облик Рахманинова

Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор». В этой краткой и неполной характеристике выражены как объективные качества стиля Рахманинова, так и место его наследия в исторической перспективе мировой музыки. Именно творчество Рахманинова выступило тем синтезирующим знаменателем, который объединил и сплавил творческие принципы московской (П.Чайковский) и Петербургской школ в единый и цельный русский стиль. Тема «Россия и ее судьба», генеральная для русского искусства всех видов и жанров, нашла в творчестве Рахманинова исключительно характерное и законченное воплощение. Рахманинов в этом отношении явился как продолжателем традиции опер Мусоргского, Римского-Корсакова, симфоний Чайковского, так и связующим звеном в непрерывной цепи национальной традиции (эта тема была продолжена в творчестве С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Шнитке и др.). Особая роль Рахманинова в развитии национальной традиции объясняется историческим положением творчества Рахманинова — современника русской революции: именно революция, отраженная в русском искусстве как «катастрофа», «конец света», всегда была смысловой доминантой темы «Россия и ее судьба» (см. Н. Бердяев, «Истоки и смысл русского коммунизма»).

Творчество Рахманинова хронологически относится к тому периоду русского искусства, который принято называть «серебряным веком». Основным творческим методом искусства этого периода был символизм, черты которого ярко проявились и в творчестве Рахманинова. Произведения Рахманинова насыщены сложной символикой, выражаемой с помощью мотивов-символов, главным из которых является мотив средневекового хорала Dies Irae. Этот мотив символизирует у Рахманинова предчувствие катастрофы, «конца света», «возмездия».

В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов не только сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки (Литургия св. Иоанна Златоуста, 1910, Всенощное бдение, 1916), но и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.

Творчество Рахманинова принято условно делить на три или четыре периода: ранний (1889—1897), зрелый (его иногда делят на два периода: 1900—1909 и 1910—1917) и поздний (1918—1941).

Стиль Рахманинова, выросший из позднего романтизма, впоследствии претерпел значительную эволюцию. Подобно своим современникам А. Скрябину и И. Стравинскому Рахманинов по крайней мере дважды (ок. 1900 и ок. 1926) кардинально обновлял стиль своей музыки. Зрелый и особенно поздний стиль Рахманинова выходит далеко за пределы постромантической традиции («преодоление» которой началось еще в ранний период) и в то же время не принадлежит ни одному из стилистических течений музыкального авангарда XX в. Творчество Рахманинова, таким образом, стоит особняком в эволюции мировой музыки XX века: впитав многие достижения импрессионизма и авангарда, стиль Рахманинова остался неповторимо индивидуальным и своеобразным, не имеющим аналогов в мировом искусстве (исключая подражателей и эпигонов). В современном музыковедении часто используется параллель с Л. ван Бетховеном: так же, как и Рахманинов, Бетховен вышел в своем творчестве далеко за пределы воспитавшего его стиля (в данном случае — венского классицизма), не примкнув при этом к романтикам и оставшись чуждым романтическому миросозерцанию.

Первый — ранний период — начинался под знаком позднего романтизма, усвоенного главным образом через стиль Чайковского (Первый Концерт, ранние пьесы). Однако уже в Трио ре-минор (1893), написанном в год смерти Чайковского и посвященном его памяти, Рахманинов дает пример смелого творческого синтеза традиций романтизма (Чайковский), «кучкистов», древнерусской церковной традиции и современной бытовой и цыганской музыки. Это произведение — один из первых в мировой музыке примеров полистилистики — словно символически возвещает преемственность традиции от Чайковского — Рахманинову и вступление русской музыки в новый этап развития. В Первой Симфонии принципы стилистического синтеза были развиты еще более смело, что и послужило одной из причин ее провала на премьере.

Период зрелости отмечен формированием индивидуального, зрелого стиля, основанного на интонационном багаже знаменного распева, русской песенности и стиля позднего европейского романтизма. Эти черты ярко выражены в знаменитых Втором Концерте и Второй Симфонии, в фортепианных прелюдиях ор. 23. Однако начиная с симфонической поэмы «Остров мертвых» стиль Рахманинова усложняется, что вызвано, с одной стороны, обращением к тематике символизма и модерна, а с другой — претворением достижений современной музыки: импрессионизма, неоклассицизма, новых оркестровых, фактурных, гармонических приемов. Центральное произведение этого периода — грандиозная поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра, на слова Эдгара По в переводе К. Бальмонта (1913). Ярко новаторское, насыщенное небывало новыми хоровыми и оркестровыми приемами, это произведение оказало огромное влияние на хоровую и симфоническую музыку XX века. Тематика этого произведения характерна для искусства символизма, для данного этапа русского искусства и творчества Рахманинова: в нем символически воплощены различные периоды человеческой жизни, подводящей к неизбежной смерти; апокалипсическая символика Колоколов, несущая идею Конца Света, предположительно оказала влияние на «музыкальные» страницы романа Т. Манна «Доктор Фаустус».

Поздний — зарубежный период творчества — отмечен исключительным своеобразием. Стиль Рахманинова складывается из цельного сплава самых различных, порой противоположных стилистических элементов: традиций русской музыки — и джаза, древнерусского знаменного распева — и «ресторанной» эстрады 1930-х гг., виртуозного стиля XIX века — и жесткой токкатности авангарда. В самой разнородности стилистических предпосылок заключен философский смысл — абсурдность, жестокость бытия в современном мире, утрата духовных ценностей. Произведения этого периода отличаются загадочной символикой, смысловой полифонией, глубоким философским подтекстом.

Последнее произведение Рахманинова — Симфонические танцы (1941), ярко воплощающее все эти особенности, многие сравнивают с романом М. Булгакова «Мастер и Маргарита», законченным в это же время.

Значение композиторского творчества Рахманинова огромно: Рахманинов синтезировал различные тенденции русского искусства, различные тематические и стилистические направления, и объединил их под одним знаменателем — Русским национальным стилем. Рахманинов обогатил русскую музыку достижениями искусства XX века и был одним из тех, кто вывел национальную традицию на новый этап. Рахманинов обогатил интонационный фонд русской и мировой музыки интонационным багажом древнерусского знаменного распева. Рахманинов впервые (наряду со Скрябиным) вывел русскую фортепианную музыку на мировой уровень, стал одним из первых русских композиторов, чьи фортепианные произведения входят в репертуар всех пианистов мира. Рахманинов одним из первых осуществил синтез классической традиции и джаза.

Значение исполнительского творчества Рахманинова не менее велико: Рахманинов-пианист стал эталоном для многих поколений пианистов разных стран и школ, он утвердил мировой приоритет русской фортепианной школы, отличительными чертами которой являются: 1) глубокая содержательность исполнения; 2) внимание к интонационному богатству музыки; 3) «пение на фортепиано» — имитация средствами фортепиано вокального звучания и вокальной интонации. Рахманинов-пианист оставил эталонные записи многих произведений мировой музыки, на которых учатся многие поколения музыкантов.

Ференц (Франц) Лист

Ференц (Франц) Лист (22 октября 1811, Райдинг, Австрийская империя — 31 июля 1886, Байройт, Германия) — австро-венгерский композитор, пианист, педагог, дирижёр, публицист, один из крупнейших представителей музыкального романтизма.

Лист стал величайшим пианистом XIX века. Его эпоха была расцветом концертного пианизма, Лист был в авангарде этого процесса, имея безграничные технические возможности. До сих пор его виртуозность остается ориентиром для современных пианистов, а произведения — вершинами фортепианной виртуозности.

В 1843 году Лист совершил вместе с тенором Джованни Батиста Рубини гастрольное концертное турне по Голландии и Германии.
Активная концертная деятельность в целом завершилась в 1848 г. (последний концерт был дан в Елисаветграде), после этого Лист выступал редко.

Как композитор Лист сделал массу открытий в области гармонии, мелодики, формы и фактуры. Создал новые инструментальные жанры (рапсодия, симфоническая поэма). Сформировал структуру одночастно-циклической формы, которая намечалась у Шумана и Шопена, но не была развита так смело. Лист активно пропагандировал идею синтеза искусств (единомышленником его в этом был Вагнер). Он говорил, что время «чистых искусств» закончилось (этот тезис выдвигается к 1850-м гг.). Если Вагнер видел этот синтез в связи музыки и слова, то для Листа он более связан с живописью, архитектурой, хотя и литература играла большую роль. Отсюда такое обилие программных произведений: «Обручение» (по картине Рафаэля), «Мыслитель» (скульптура Микеланджело на надгробии Лоренцо Медичи) и множество других. В дальнейшем идеи синтеза искусств нашли широкое применение, вплоть до наших дней.

Лист верил в силу искусства, которое может влиять на огромные массы людей, бороться со злом. С этим связана его просветительская деятельность.

Лист вёл педагогическую деятельность. К нему в Веймар приезжали пианисты со всей Европы. В своём доме, где был зал, давал им открытые уроки, причём никогда не брал за это денег. Среди других его посетили Бородин, Зилоти и Альберт.

Дирижёрской деятельностью Лист занялся в Веймаре. Там он ставил оперы (в том числе Вагнера), исполнял симфонии.
Среди литературных работ — книга о Шопене, книга о музыке венгерских цыган, а также множество статей, посвящённых актуальным и глобальным вопросам.

Ференц Лист родился 22 октября 1811 года в Венгрии, в местечке Доборьян (австрийское название Райдинг), комитат (область) Шопрон.
Отец Франца Листа, Адам Лист (1776—1826) служил у князя Эстерхази «надсмотрщиком за поголовьем овец». Это была почётная и ответственная должность, так как стада овец были главным богатством семьи Эстерхази. Князья поощряли искусство. До 14 лет Адам играл на виолончели в оркестре князя, руководимом Йозефом Гайдном. После окончания католической гимназии в Прессбурге (ныне Братислава) Адам Лист поступил послушником во францисканский орден, но спустя два года решил из него уйти. Говорят, он на всю жизнь сохранил дружбу с одним из францисканцев, что, как предполагают некоторые исследователи, вдохновило его назвать сына Францем, а сам Лист, также поддерживая связи с францисканцами, в поздние годы жизни вступил в орден. Адам Лист сочинял, посвящая свои произведения Эстерхази. В 1805 он добился своего назначения в Эйзенштадт, где располагалась резиденция князей. Там в 1805—1809 в свободное от основной работы время он продолжил играть в оркестре, имея возможность работать со многими приезжавшими туда музыкантами, включая Керубини и Бетховена. В 1809 Адам был отослан в Райдинг. В доме у него висел портрет Бетховена, который был кумиром отца и впоследствии стал кумиром сына.

Мать Франца Листа, урождённая Анна Лагер (1788—1866), родилась в Кремсе (Австрия). Осиротев в 9 лет, была вынуждена переехать в Вену, где работала горничной, а в 20 лет переехала в Маттерсбург к брату. В 1810 Адам Лист, приехав в Маттерсбург навестить отца, познакомился с ней, а в январе 1811 года они поженились.

В октябре 1811 г. рождается сын, ставший их единственным ребёнком. Имя, данное при крещении, было записано по-латыни как Franciscus, а по-немецки произносилось Франц. Чаще используется венгерское имя Ференц, хотя сам Лист, слабо владея венгерским, никогда его не использовал.

Участие отца в музыкальном формировании сына было исключительным. Адам Лист рано начал учить сына музыке, сам давал ему уроки. В церкви мальчика учили пению, а местный органист — игре на органе. После трёхлетних занятий, Ференц в возрасте восьми лет впервые выступил в публичном концерте. Отец возил его в дома знатных вельмож, где мальчик играл на рояле, и сумел вызвать среди них благожелательное отношение. Понимая, что сыну нужна серьёзная школа, отец везет его в Вену.

С 1821 г. Лист занимался в Вене игрой на фортепиано у Карла Черни, который согласился учить мальчика безвозмездно. Великому педагогу мальчик поначалу не понравился, так как был слаб физически. Школа Черни дала Листу универсальность его фортепианного искусства. Теорией Лист занимался у Антонио Сальери. Выступая на концертах, Лист производил сенсацию среди венской публики. Во время одного из них Бетховен после блестящей импровизации Ференца в каденции одного из своих концертов поцеловал его. Лист об этом вспоминал всю жизнь.

После Вены Лист едет в Париж (в 1823 г.). Целью была Парижская консерватория, но Листа туда не приняли, так как принимали только французов. Однако отец решил остаться в Париже, несмотря на сложное материальное положение. Из-за этого приходилось постоянно организовывать выступления. Так в раннем возрасте начинается профессиональная деятельность Листа. Занимались с Листом педагоги из той же Парижской консерватории (среди них были такие выдающиеся музыканты, как Фердинандо Паэр и Антонин Рейха), однако никто больше не учил его фортепианной игре. Черни был последним его педагогом по фортепиано.

В этот период Лист начинает сочинять — в основном, репертуар для своих выступлений — этюды. В 14 лет начал оперу «Дон Санчо, или Замок любви», которая даже была поставлена в Grand-Opera (в 1825 г.).

В 1827 г. умер Адам Лист. Ференц тяжело переживал это событие, около 3 лет был в подавленном состоянии. К тому же его раздражала его роль «паяца», диковинки в светских салонах. Из-за этих причин на несколько лет Лист выключается из жизни Парижа, был даже опубликован его некролог. Возрастает мистическое настроение, и прежде замечавшееся в Листе.

В свете Лист появился только в 1830 г. Это год Июльской революции. Листа увлекла бурная жизнь вокруг него, призывы к справедливости. Возникает идея «Революционной симфонии», в которой должны были быть использованы революционные песни. Лист вернулся к активной деятельности, с успехом концертирует. Очерчивается круг близких ему музыкантов: Берлиоз (создавший в это время «Фантастическую симфонию»), Паганини (приехавший в Париж в 1831 г.). Игра гениального скрипача побудила Листа добиться ещё большего совершенства в исполнении. На некоторое время он отказался от концертирования, усиленно работал над техникой и переложил для фортепиано каприсы Паганини, вышедшие под названием шести этюдов. Это был первый и чрезвычайно блестящий опыт в фортепианном переложении, которое впоследствии Лист довел до столь высокой степени. На Листа как на виртуоза имел также громадное влияние Шопен (который к Листу относился скептически, не успев увидеть расцвета его творчества после 1848 г. и видя в нём только виртуоза). Среди знакомых Листа также писатели Дюма, Гюго, Мюссе, Жорж Санд.

Около 1835 г. выходят статьи Листа о социальном положении артистов во Франции, о Шумане и др. В это же время Лист начал и педагогическую деятельность, которую никогда не оставлял.

В начале 30-х гг. Лист знакомится с графиней Мари д’Агу, подругой Жорж Санд. Она увлекалась современным искусством. Графиня имела некоторые литературные способности и печаталась под псевдонимом Даниель Стерн. Творчество Жорж Санд было для неё эталоном. Графиня д’Агу и Лист были в состоянии романтической влюбленности. В 1835 г. графиня ушла от мужа и порвала все связи со своим кругом. Вместе с Листом она уезжает в Швейцарию — так начинается следующий период жизни Листа.

С 1835 по 1848 годы длится следующий период жизни Листа, за которым закрепилось название «Годы странствий» (по названию сборника пьес).

В Швейцарии Лист и Мари д’Агу жили в Женеве и по временам в каком-нибудь живописном селении. Лист делает первые наброски пьес для сборника «Альбом путешественника», которые впоследствии стал «Годами странствий» (фр. »Années de pèlerinage«), преподает в Женевской консерватории, иногда ездит в Париж с концертами. Однако Париж уже увлечён другим виртуозом — Тальбергом, и Лист не имеет былой популярности. В это время Лист уже начинает придавать своим концертам просветительскую тематику — играет симфонии (в своём переложении для фортепиано) и концерты Бетховена, парафразы на темы из опер и др. Вместе с д’Агу Лист пишет статью «О роли искусства и положении художника в современном обществе» (см. выше). В Женеве Лист не выпал из активной европейской жизни. К нему приезжали друзья из Парижа, в том числе Жорж Санд.

В 1837 г., уже имея одного ребёнка, Лист и д’Агу едут в Италию. Здесь они посещают Рим, Неаполь, Венецию, Флоренцию — центры искусства и культуры. Из Италии Лист писал очерки о местной музыкальной жизни, которые посылал в Париж для публикации. Для них был избран жанр письма. Адресат большей части писем — Жорж Санд, которая отвечала Листу также очерками в журнале.

В Италии Лист впервые в истории сыграл сольный концерт, без участия других музыкантов. Это было смелое и дерзкое решение, которое окончательно обособило концертные выступления от салонных.

К этому же времени относятся фантазии и парафразы на темы из опер (в том числе из «Лючии» Доницетти), переложения Пасторальной симфонии Бетховена и многих сочинений Берлиоза. Дав несколько концертов в Париже и Вене, Лист возвращается в Италию (1839), где оканчивает переложение симфоний Бетховена на фортепиано.

Лист давно мечтал поехать в Венгрию, однако его подруга Мари д’Агу была против этой поездки. В это же время в Венгрии произошло большое наводнение, и Лист, обладая уже огромной популярностью и славой, посчитал своим долгом помочь соотечественникам. Таким образом с д’Агу произошёл разрыв, и в Венгрию он уехал один.

Австрия и Венгрия встретили Листа триумфально. В Вене после одного из концертов к нему подошёл Тальберг, давний его конкурент, признав превосходство Листа. В Венгрии Лист стал выразителем патриотического подъема нации. На его концерты дворяне приходили в национальных костюмах, преподносили ему дары. Средства от концертов Лист перевёл в пользу пострадавших от наводнения.

Между 1842 и 1848 гг. Лист несколько раз объехал всю Европу, в том числе Россию, Испанию, Португалию, был в Турции. Это был пик его концертной деятельности. В России Лист был в 1842 и 1848 гг. В Петербурге Листа слушали выдающиеся деятели русской музыки — Стасов, Серов, Глинка. При этом Стасов и Серов вспоминали о своём потрясении от его игры, а Глинке Лист не понравился, он выше ставил Фильда.

Лист интересовался русской музыкой. Он очень высоко оценил музыку «Руслана и Людмилы», сделал фортепианную транскрипцию «Марша Черномора», вёл переписку с композиторами «Могучей кучки». В последующие годы связи с Россией не прерывались, в частности, Лист издал сборник избранных отрывков из русских опер.

В это же время достигает пика просветительская деятельность Листа. В свои концертные программы он включает множество фортепианных произведений классиков (Бетховена, Баха), собственные переложения симфоний Бетховена и Берлиоза, песен Шуберта, органных произведений Баха. По инициативе Листа в 1845 г. были организованы торжества в честь Бетховена в Бонне, он же внес недостающую сумму для установки там же памятника гениальному композитору.

Однако через некоторое время Лист разочаровывается в своей просветительской деятельности. Он понял, что она не достигает цели, а обывателю приятнее послушать попурри из модной оперы, чем сонату Бетховена. Активная концертная деятельность Листа прекращается.

В это время Лист знакомится с Каролиной Витгенштейн, женой русского генерала. В 1847 г. они решили соединиться, но Каролина была замужем, и, кроме того, истово исповедовала католицизм. Поэтому пришлось добиваться развода и нового венчания, которое должны были разрешить русский император и Папа римский.

В 1848 г. Лист и Каролина обосновываются в Веймаре. Этот выбор был обусловлен тем, что Листу были даны права руководить музыкальной жизнью города, к тому же, Веймар был резиденцией герцогини — сестры императора Николая I. Видимо, Лист надеялся через неё повлиять на императора в деле развода. Лист принялся за оперный театр, обновил репертуар. Очевидно, после разочарования в концертной деятельности он решил перенести просветительский акцент на деятельность постановщика. Поэтому в репертуаре появляются оперы Глюка, Моцарта, а также современников — Шумана («Геновева»), Вагнера («Лоэнгрин») и других. В симфонических программах исполнялись произведения Баха, Бетховена, Мендельсона, Берлиоза, а также собственные. Однако и в этой области Листа ждала неудача. Публика была недовольна репертуаром театра, труппа и музыканты жаловались.

Главный итог веймарского периода — напряженная композиторская работа Листа. Он приводит в порядок свои наброски, заканчивает и перерабатывает множество своих сочинений. «Альбом путешественника» после большой работы стал «Годами странствий». Здесь же появляются фортепианные концерты, рапсодии (в которых использованы мелодии, записанные в Венгрии), Соната си минор, этюды, романсы, первые симфонические поэмы.

В Веймар к Листу приезжают молодые музыканты со всего мира, чтобы получить у него уроки.

Совместно с Каролиной Лист пишет статьи, эссе. Начинает книгу о Шопене. К этому времени относится сближение Листа с Вагнером на почве общих идей. В начале 50-х гг. создается Союз немецких музыкантов, так называемые «веймарцы», в противоположность «лейпцигцам» (к которым принадлежали Шуман, Мендельсон, Брамс, исповедовавшие более академичные взгляды, чем Вагнер и Лист). Нередко в печати между этими группами возникали ожесточенные конфликты.

В конце 50-х надежда на венчание с Каролиной окончательно тает, кроме того, Лист был разочарован непониманием своей музыкальной деятельности в Веймаре. В это же время умирает сын Листа. Снова, как после смерти отца, в Листе усиливаются мистические и религиозные чувства. Вместе с Каролиной они решают ехать в Рим замаливать грехи.

В начале 60-х годов Лист и Каролина переселяются в Рим, но живут в разных домах. Она настаивала на том, чтобы Лист стал монахом, и в 1865 г. он принимает малый постриг и звание аббата. Творческие интересы Листа лежат теперь преимущественно в области церковной музыки: это оратории «Святая Елизавета», «Христос», четыре псалма, реквием и венгерская коронационная месса (нем. Kronungsmesse). Кроме того, появляется третий том «Годов странствий», насыщенный философскими мотивами. В Риме Лист играл, но чрезвычайно редко.

В 1866 г. Лист едет в Веймар, начинается так называемый второй веймарский период. Жил он в скромном домике своего бывшего садовника. Как и раньше, к нему приезжают молодые музыканты — среди них Григ, Бородин, Зилоти.

В 1875 г. деятельность Листа сосредоточивается преимущественно в Венгрии (в Пеште), где он был избран президентом вновь основанной Высшей школы музыки. Лист преподает, пишет «Забытые вальсы» и новые рапсодии для фортепиано, цикл «Венгерские исторические портреты» (о фигурах венгерского освободительного движения).

Дочь Листа Козима в это время стала женой Вагнера (их сын — известный дирижёр Зигфрид Вагнер). После смерти Вагнера она продолжала организовывать вагнеровские фестивали в Байройте. На одном из фестивалей в 1886 г. Лист простудился, вскоре простуда перешла в воспаление легких. Здоровье его начало ухудшаться, беспокоило сердце. Из-за отеков ног он передвигался лишь с посторонней помощью.

Умер Лист 31 июля 1886 года в гостинице на руках камердинера.

Всех сочинений Листа 647: из них 63 для оркестра, около 300 переложений для фортепиано. Во всём, что писал Лист, видна самобытность, стремление к новым путям, богатство фантазии, смелость и новизна приемов, своеобразный взгляд на искусство. Его инструментальные сочинения представляют замечательный шаг вперед в музыкальной архитектонике. 14 симфонических поэм, симфонии «Фауст» и «Divina comedia», фортепианные концерты представляют богатейший новый материал для исследователя музыкальной формы. Из музыкально-литературных произведений Листа выдаются брошюры о Шопене (переведена на русский язык П. А. Зиновьевым, в 1887 г.), о «Бенвенуто Челлини» Берлиоза, Шуберте, статьи в «Neue Zeitschrift für Musik« и большое сочинение о венгерской музыке («Des Bohémiens et de leur musique en Hongrie»).

Кроме того, Ференц Лист известен своими Венгерскими рапсодиями (время создания 1851—1886), которые являются одними из наиболее ярких и оригинальных его художественных произведений. Лист использовал фольклор¬ные источники (в основном цыганские мотивы), которые легли в основу Венгерских рапсодий. При этом следует заметить, что жанр инструментальной рапсодии является изобретением Листа. Рапсодии создавались в следующие года: № 1 — около 1851 года, № 2 —1847 год, № 3-15 — около 1853-го, № 16 — 1882 год, № 17-19 — 1885 год.

Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан

Идея создания симфонического оркестра в Татарстане принадлежала председателю Союза композиторов Татарстана, ректору Казанской государственной консерватории Назибу Жиганову. В 1966 году вышло Постановление Совета министров РСФСР о создании Татарского симфонического оркестра. Возглавил оркестр дирижер Натан Рахлин.

После смерти в 1979 году Натана Григорьевича Рахлина с оркестром работали Ренат Салаватов, Сергей Калагин, Равиль Мартынов, Имант Коциньш. В 1985 году на должность художественного руководителя и главного дирижера был приглашен народный артист России и Казахской ССР Фуат Мансуров, который проработал в оркестре 25 лет. В 2010 году, после смерти Фуата Шакировича, новым художественным руководителем и главным дирижером был назначен Александр Сладковский, с которым Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан начал 45-й сезон. С его приходом начался новый этап в истории оркестра.

Организованные Государственным симфоническим оркестром РТ международные музыкальные фестивали – «Рахлинские сезоны», «Белая сирень», «Казанская осень», Concordia, «Денис Мацуев у друзей», «Творческое открытие» признаны одними из самых ярких событий в культурной жизни Татарстана и России. Оркестр учредил проект «Достояние республики» для одаренных воспитанников музыкальных школ и студентов консерватории, образовательный проект для школьников Казани «Уроки музыки с оркестром», цикл «Исцеление музыкой» для инвалидов и тяжело больных детей. Коллектив является победителем конкурса «Благотворитель года – 2011» и «Благотворитель года – 2013», учрежденного Президентом Республики Татарстан.

Сегодня Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан входит в число лучших коллективов России. Концерты с участием ГСО РТ с успехом проходят в Москве, Перми, Оренбурге, Иркутске, Сочи, Тюмени в рамках фестивалей Сrescendo, «Звезды на Байкале», «Оренбургские сезоны Дениса Мацуева», «Черешневый лес», «Безумный день в Японии», «Хибла Герзмава приглашает», «Опера Априори» и других. 2 апреля 2014 г. оркестр принял участие в концерте в Штаб-квартире ЮНЕСКО в Париже, где проходила церемония присвоения звания Посла доброй воли Денису Мацуеву.

В разные годы с оркестром выступали исполнители с мировыми именами, среди которых Г.Вишневская, И.Архипова, О.Бородина, Х.Герзмава, Суми Йо, С.Кермес, А.Шагимуратова, Т.Сержан, А.Бонитатибус, Д.Алиева, П.Доминго, Р.Аланья, З.Соткилава, Д.Хворостовский, В.Герелло, И.Абдразаков, В.Спиваков, В.Третьяков, И.Ойстрах, В.Репин, Л.Кавакос, С.Крылов, Г.Кремер, А.Баева, Ю.Башмет, М.Ростропович, Д.Шафран, Д.Герингас, С.Ролдугин, М.Плетнев, Н.Петров, В.Крайнев, В.Виардо, Л.Берман, Д.Мацуев, Б.Березовский, Б.Дуглас, Н.Луганский, А.Торадзе, Е.Мечетина, К.Башмет, И.Бутман, С.Накаряков, А.Огринчук, И.Федоров, Государственная академическая хоровая капелла России имени А. А. Юрлова, Государственный академический русский хор имени А. В. Свешникова, Академический большой хор «Мастера хорового пения», хоровые коллективы под управлением Г. Эрнесакса, В. Минина, Капелла им. М. И. Глинки.

8 ноября 2014 года ГСО РТ под управлением Александра Сладковского выступил на исторической сцене Государственного академического Большого театра России в заключительном гала-концерте X юбилейного фестиваля Crescendo, телеверсия которого была показала в эфире телеканала «Культура». В сезоне 2014/15 по приглашению маэстро Валерия Гергиева ГСО РТ выступил в Концертном зале Мариинского театра в рамках петербургского абонемента.

В 2012 г. оркестр записал Антологию музыки композиторов Татарстана и альбом «Просветление» (в диск вошли «Манфред» Чайковского и «Остров мертвых» Рахманинова) на лейблах Sony Music и RCA Red Seal. C 2013 г. Государственный симфонический оркестр РТ является артистом Sony Music Entertainment Russia. Концерты оркестра, которые состоялись в рамках фестиваля «Денис Мацуев у друзей», были показаны на телеканале Medici.tv, концерт в рамках абонемента «Солист Денис Мацуев» – на Mezzo. Государственный симфонический оркестр РТ под руководством Сладковского – первый российский региональный коллектив, выступление которого было показано на этом популярном во всем мире телеканале.